Bimestrale - Sped. in A.P. 45% - D.L. 353/2003 (conv. L. 27/02/2004 n.46) art. 1, comma 1 - DCB Firenze - Copia euro 0,0001
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ANNO tREdIcESImO
NUmERO OttANtASEttE
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Speciale Roma/1. Iniziamo con i Luoghi. E
quindi i musei, le gallerie, le fondazioni private,
le accademie straniere, gli spazi no profit. Una
mappatura completa della città sotto la lente
dell’arte. Ma perché parlare di Roma? Perché
il nostro Paese sta scomparendo dalla scena
dell’arte, quella vera, internazionale. E allora
bisogna ricominciare dal centro. Per andare
verso il mondo
Speciale Roma/2. I luoghi sono abitati dalle
persone. Che per noi, sono gli artisti. Vi proponiamo due belle fotografie sui protagonisti dell’arte nella Capitale. Rintracciandone le storie e
le radici. E scoprendoli da giovani, sotto i 33
anni
Vacanze intelligenti. Ovvero alla ricerca della
mostra migliore. Ecco un tour ragionato su
quello che c’è di buono da vedere in Italia. Tra
antico e contemporaneo. Collettive e one man
show. E poi, buona estate!
Biennale Architettura. Quanto a densità di pensiero e a capacità espositiva, da anni fa concorrenza alla sorella maggiore, la Biennale Arti
Visive. E questa volta, con Rem Koolhaas, la
sfida è rilanciata. Vi portiamo in viaggio tra i
“fondamentali” dell’archistar olandese. E l’aggrovigliata idea di modernità che sottende.
Oltre alla mostra, più fuori dal coro, che abbiamo visto a Venezia
Il pensiero strategico. Continuiamo nella nostra ricerca di idee nuove per ricominciare.
Stavolta a dirci “che fare” è Jaideep Prabhu,
cervellone indiano e autore di Jugaad Innovation. Best seller che insegna come l’abbondanza non aiuta il cambiamento. Perché
l’innovazione è frugale. E richiede l’ascolto
24.05
31.08.2014
ORARIO 10 - 18, CHIUSO IL MARTEDÌ
PALAZZO VENIER DEI LEONI,
DORSODURO 701, VENEZIA
Con il sostegno di
La mostra è resa possibile grazie a
Media partner
Con la collaborazione di
Grazie a
René Magritte, Le bouquet tout fait (Il bouquet
pronto), 1956. Collezione Richard e Ulla
Dreyfus-Best © C.H./ADAGP, Paris 2014,
www.wpg.be, by SIAE 2014
EdItORIAlE
di Adriana Polveroni
i dispiace, ma non mi va di
scrivere questa cosa. Non
«
solo perché ho poco tempo,
ma perché non vorrei dire
quello che purtroppo penso: Roma sta
riuscendo in un’impresa che sembrava
impossibile, sta diventando brutta».
Così mi ha congedata Tommaso Pincio,
scrittore che Roma la conosce bene e
che conosce piuttosto bene anche
l’arte, dicendo no alla mia richiesta di
scrivere un pezzo su Roma. Ci ho ripensato spesso, a quella sentenza di
Pincio, l’ho riportata a qualche amico,
che so avere la questione, il destino di
Roma, a cuore. Nessuno riusciva a dargli torto. Roma sta riuscendo in un’impresa che sembrava impossibile, sta
diventando brutta. Caspita! E allora,
perché parlarne? Vogliamo fare un Titanic/2, con l’orchestra che continua a
suonare (noi che parliamo di arte)
mentre la nave è già mezza affondata
(mentre la città nel frattempo è andata
in pezzi)? O possiamo continuare a
dare la colpa agli altri: Amministrazioni che continuano a non funzionare,
dopo anni di sfacelo di gestione della
cosa pubblica, sebbene politicamente
diverse, “perbene” e che sembravano
promettere tanto? Vero. E le critiche
sono meritate. Ma noi romani dove
eravamo, dove siamo oggi?
M
Poi, alla fine questo Speciale Roma,
l’abbiamo fatto. E direi che non è venuto neanche male.
Soprattutto perché per farlo, a parte
qualche sciocca défaillance, qualcuno
che ha fatto finta di non sentire, nonostante il tenace martellamento di
email e telefonate, è uscita fuori
un’energia inaspettata. Da parte nostra (una volta tanto sia concesso un
auto complimento e soprattutto un ringraziamento ai collaboratori, specie
alle collaboratrici, che con determinazione non hanno mollato la presa) e,
inaspettatamente da parte delle realtà
cui ci siamo rivolti. Sì, Roma, è come
l’Italia, smagliante e cialtrona metafora del Belpaese, anche in una circostanza un po’ particolare quale è l’arte
contemporanea: si attiva, reagisce
quando avverte odore di precipizio.
Trova risorse e grinta quando meno te
l’aspetti. Forse, alla fine, è un modo
(un po’ teatrale) per esorcizzare proprio la fine. Chissà.
Certo, denotando un inguaribile infantilismo, molti fanno fatica a parlare di
soldi, come se (affaire Celant docet!) i
soldi dovessero stare fuori dall’arte e
dalla cultura in genere, come se fossero veramente lo “sterco del demonio”, come li bollava Umberto Eco nel
Nome della rosa, per cui guai a nominarli! Ma su questo siamo in buona
compagnia, perché diverse accademie
straniere interpellate, alla voce budget
glissano alla grande. Ma soprattutto si
fa una grande fatica a guardare avanti.
Lo sguardo su Roma è come ipnotizzato all’indietro, ieraticamente rivolto
al passato, anche se si parla dei giorni
nostri. Sui quali, ormai, oltre a gravare
il passato nobilissimo, pesa anche
quello più recente, gli anni Cinquanta
e poi i Settanta. Epoche celebrate, ingravidate in realtà – i Settanta – anche
di tensioni e cupezza, che però, per
l’arte e la cultura in genere, a Roma
hanno funzionato, quasi rievocando i
fasti, i lussi (mentali e non solo), la
straordinaria invenzione del tempo e
dello spazio civile che ha caratterizzato (almeno in parte) il nostro passato più remoto. E per i quali rimando
a un libro bellissimo, Addio a Roma di
Sandra Petrignani che, come accade a
volte per le cose migliori (amori che ti
passano davanti e non ce se ne accorge, occasioni che non si vedono,
l’elenco potrebbe essere lungo ed è meglio chiuderlo qui), non sono riuscita
ad omaggiare neanche con una recensione. E invece è un libro che va letto e
meditato. Ma poi c’è l’oggi da cui non si
può prescindere anche se, non a caso,
lo stesso Addio a Roma si chiude con
gli anni Settanta.
capire cosa potrebbero fare per esempio i musei a Roma, quali strategie dovrebbero adottare, a costo zero, per
essere più al servizio della città e della
mission che incarnano. E abbiamo cercato di individuare anche i giovani artisti – giovani sul serio, sotto i 33 anni
– presenti a Roma. Un giornale è anche
un servizio, almeno così lo concepisco
io, mettere insieme, in rete attraverso
l’informazione, le varie realtà, dargli la
possibilità di conoscersi e di comunicare, può essere un supporto, un modo
per creare quel tessuto connettivo (sistema è un parolone!) che in questa
città manca. E di cui c’è molto bisogno.
Noi, almeno, ci abbiamo provato.
Quindi, prendo a prestito (e mi permetto di correggere) il titolo dello squisitissimo Addio a Roma di Sandra
Petrignani, per dire: Buongiorno
Roma, proviamoci.
L’idea di realizzare questo Speciale
Roma ha un po’ a che fare con questo.
E mi spiego: è motivato dalla necessità
di fare il punto sulla scena dell’arte italiana oggi, cosa che, penso, abbia molto
senso. Cominciando, quindi, dalla Capitale. Si tratta di un mondo (o di qualcosa del genere), quello dell’arte
italiana, che sta progressivamente
scomparendo dal mondo vero. Non c’è
traccia dei nostri artisti (magari delle
gallerie sì) nelle fiere, ma soprattutto
non si vedono quasi più i nostri artisti
nei grandi appuntamenti internazionali come le Biennali. Solo per stare all’oggi, non ce ne è uno nell’attuale
Biennale di Berlino, non uno in quella
specie di Biennale che si sta svolgendo
a Bucarest e di cui parliamo in questo
giornale. Come mai? Vale quello che ci
siamo detti per anni: le istituzioni non
li sostengono, le gallerie nemmeno e i
collezionisti sono gli unici collezionisti
al mondo che comprano artisti non del
proprio Paese? In parte non è più vero,
i musei, pochi, poveri e strattonati in
vari modi, ci sono decisamente più di
prima, i galleristi ogni tanto ci provano
e i collezionisti, beh i collezionisti comprano più volentieri all’estero (e
quindi più facilmente non italiano) per
via dell’Iva e per sottrarsi a un fisco
talvolta persecutorio. Sì, ma ripetersi
queste cose non basta. Occorre fare, ingegnarsi e inventare una contromossa.
In questo numero ospitiamo un’altra
puntata del “Pensiero Strategico”. Consiglio vivamente anche questa lettura
perché si scoprono cose molto interessanti. E anche noi abbiamo cercato di
EXIBARt 87 / 5
SUmmER IS…ARty!
DA VENEzIA A MILANO, PASSANDO PER FIRENzE E NAPOLI. ECCO COSA SI PROSPETTA
NELL’ESTATE “ISTITUzIONALE” DELL’ARTE NEL BELPAESE. MENTRE ATTENDIAMO GRANDI
RIAPERTURE INTERNAzIONALI SLITTATE, IL MUSéE PICASSO DI PARIGI PER ESEMPIO, E
QUELLO CHE SARà IL NUOVO “ART DISTRICT” DI ABU DHABI, COSì COME IL FUTURO WHITNEY
DI NEW YORK DI RENzO PIANO NEL 2015. VI PROPONIAMO UN CARTELLONE PER LE VOSTRE
VACANzE “ART ADDICTED STYLE”, SOTTO IL SOLLEONE TRICOLORE
A cura di Matteo Bergamini
Venezia
Axel Hütte, Fantasmi e realtà, a cura di Filippo Maggia e Claudia Fini
Fondazione Bevilacqua La Masa
Venezia
Art or Sound, a cura di Germano Celant
Fondazione Prada, Cà Corner della Regina
Il giro dell’estate dell’arte non può che cominciare da qui, in una delle mostre di punta del
“fuori Biennale”. Due piani e qualcosa come
centottanta opere, automi, marchingegni e installazioni che suonano e da far suonare. Qualcuno ha notato che gli spazi di Fondazione
Prada sono stati riempiti a dismisura dal blasonato e polemizzato Germano Celant, ma la verità è che tutti i pezzi – disposti su un
allestimento che ondeggia a diverse altezze
come le note su uno spartito musicale – vanno
in perfetto sincrono. E non c’è nulla di più affascinante che farsi investire non solo dai suoni e
dai rumori che arrivano inaspettati da una
parte all’altra di Cà Corner della Regina, ma
anche di provocarli. Sì, c’è quell’effetto “luna
park” che tanto si depreca oggi, come fosse il
male assoluto dell’arte. Peccato che, ancora una
volta, Miuccia Prada e il suo direttore artistico
fanno centro. Perché prima di tutto Art or
Sound è una mostra studiata di tutto punto, che
nulla lascia al caso nella ricognizione dell’unione e dello sconfinamento dell’arte visiva
nell’etere. E che attraversa 500 e rotti anni di
storia, mischiando generi e fornendo attraversamenti a dir poco trasversali tra le discipline.
La Fondazione gongola: nei primi giorni di apertura, all’inizio di giugno, oltre 2mila e 600 visitatori registrati, e un’opening che non vi stiamo
nemmeno a raccontare. Lasciate perdere le
chiacchiere degli pseudo-intellettuali da muro
bianco, entrate a farvi trasportare.
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Il più defilato dei fotografi della scuola di Düsseldorf, nato a Essen nel 1951, è a Venezia fino
al prossimo ottobre, dopo aver fatto tappa a
Modena, al Foro Boario. In scena la sua produzione più recente, in due progetti che raccontano di montagne e riflessi di stampo
impressionista, a Modena, e di Venezia alla Bevilacqua. L’ex allievo di Bernd Becher passa
così a “straniarci” prima con la nebbia e la
neve, che occultano la visione “reale” della natura, poi con una città talmente silente da risultare invisibile, tirando in ballo Calvino. Non
a caso, infatti, stiamo parlando di fantasmi che
aleggiano tra le sale di Cà Corner della Regina,
completamente svuotata, nei campi e nei pa-
lazzi nobiliari così come a Cà Rezzonico e
Punta della Dogana, orfana del ragazzo col ranocchio di Charles Ray. L’unica protagonista
delle fotografie è una luce rarefatta, alone e
palcoscenico misterioso per i movimenti di entità invisibili, che sembrano dover far capolino
da un momento all’altro sbucando da porte, finestre o attraversando la strada. Chissà, forse
il banco ottico di Hütte riuscirebbe a catturarle, o semplicemente siamo noi che non riusciamo a vederle. D’altronde è lo stesso artista
a spiegarlo a chiare lettere: «Se nelle montagne
sono le nubi a definire l’effetto dell’immagine,
a Venezia è la luce – che, come drammaturgia
visiva associata alla stampa su vetro, ha un effetto irritante che con i mezzi della comunicazione verbale non si riesce a cogliere». E
postproduzione sì o postproduzione no, il risultato non è mai una cartolina, ma un raro studio di paesaggio emozionale.
Milano
Mimmo Rotella, Décollages e retro d’affiches, a cura di Germano Celant
Palazzo Reale
Una mostra decisamente di ricerca, anche se
il rischio è quello che passi un po’ come didattica. Eppure una visita al cospetto del grande
Mimmo Rotella vale la pena farla. Se non altro
per capire perfettamente da dove abbia avuto
inizio (anche se l’inizio risale a qualche anno
prima) l’epopea della Pop Art italiana e di quel
fenomeno tutto europeo del décollages. In una
manciata di sale si passa dal 1964 al 1953, e
viceversa: «Un loop a ritroso, che può essere
letto da ambo le parti», come ha spiegato Celant. Che per facilitare il pubblico nell’identificazione del periodo storico in cui si muove la
ricerca di Rotella ha affiancato le opere dell’ar-
tista calabrese con una serie di piccoli lavori di
personaggi che hanno operato nello stesso decennio con altrettanto successo, su tematiche
più o meno contingenti: Michelangelo Pistoletto, Alberto Burri, Yves Klein, Piero Manzoni. Operazione non eccessivamente riuscita
perché tutti gli artisti alle “paretine” sembrano epigoni minori, letteralmente divorati
dalle tigri di carta di Rotella, scomparso a Milano nel 2006. E allora, insomma, occhi per
Marilyn, tigri del circo, pubblicità e strappi e
colle informali: roba fresca, nonostante l’età
media di oltre 50 anni e tutta l’acqua che in
questo mezzo secolo è passata sotto i ponti. Rotella è ancora qui, e ci parla del potere e del fascino dei media e della loro definitiva
invasione dello spazio pubblico. Icone entrate
nell’immaginario, spesso come ossessioni,
come scriveva un altro grande “contemporaneo”: Roland Barthes, nei suoi Miti d’Oggi.
Milano
The sea is my land. Artisti del Mediterraneo, a cura di Francesco Bonami ed Emanuela Mazzonis
Triennale
Arriva a Milano la mostra itinerante, l’anno
scorso al MAXXI, con allestimenti di Kuehn
Malvezzi e promossa da BNL, in odore di Expo.
L’argomento è la pura attualità dell’Europa,
questo strano continente che vero continente
non è: non Africa, non Stati Uniti, non la
grande Cina o la dispotica Russia. L’Europa è
tutto questo in miniatura, affacciata su una
“pozza” d’acqua che da sempre più che fare da
spartiacque, ha fatto da congiunzione, restando un confine aleatorio e attraversabile.
Dagli antichi commerci alle moderne tragedie
degli “altri” che cercano da queste parti il
porto franco, “The sea is my land” è la ricognizione dei movimenti, e degli stili, che si sono
avvicendati nell’ultimo periodo ai bordi e dentro quel mare che Bonami definisce come una
“grande piazza”. In scena? Ci sono nomi molto
conosciuti, da Yuri Ancarani ad Adrian Paci,
fino a Moataz Nasr, e ci sono le immagini del
turco Arslan Sukan, la Grecia massacrata di
Panos Kokkinias, i racconti di Adelita HusniBey, il Libano di Fouad Elkoury e la Spagna di
Marie Bovo. Per i più scettici? Troppo didascalico raccontare il Mediterraneo dalla parte dei
suoi cambiamenti, delle sue rivoluzioni. Ma
cosa rimane se non si sceglie di indagare questo immenso “common ground” da sempre
frammentato e per questo sempre incline allo
scambio, allo scontro, grazie alla differenza di
religione, di una babele di lingue, accenti e dialetti? Prima di chiuderci nelle nostre case, con
la paura dell’altro alle porte, forse sarebbe necessario pensare che tutti, ancora una volta –
oggi più che mai e senza frasi fatte – siamo
estranei che compongono un mare di comunità.
Modena-Firenze
Michelangelo e il Novecento, a cura di
Marco Pierini, Emanuela Ferretti, Pietro
Ruschi
Galleria Civica/ Casa Buonarroti
Modena e Firenze festeggiano Michelangelo
nel suo 450esimo anniversario della scomparsa, in compagnia degli artisti del Novecento: Jan Fabre, Robert Mapplethorpe,
Thomas Struth, Kendell Geers e anche il nostro Tano Festa. Abbiamo intervistato Marco
Pierini, direttore della Galleria Civica di Modena, per farci raccontare la mostra nella sua
sede emiliana:
Com'è nata l'unione con Casa Buonarroti per
questa doppia mostra?
«L’istituzione fiorentina stava già lavorando a
questa mostra quando ci ha proposto di unire
le forze per ampliare il taglio cronologico fino
ai nostri giorni e offrire una maggiore articolazione e capacità degli spazi espositivi. Il progetto scientifico, quindi, non ha mutato i
presupposti ma si è soltanto sviluppato in
virtù della collaborazione. Ogni aspetto è stato
pienamente condiviso e l’unitarietà della mostra (unica, sebbene in due sedi, con un mede-
EXIBARt 87 / 7
simo team di curatori e un solo catalogo) è la
riprova della bontà del metodo di lavoro impiegato, improntato al rispetto della diversa natura di ciascuna istituzione e, allo stesso
tempo, al tenace e convinto perseguimento di
un obiettivo comune».
Mentre a Firenze le opere sono una settantina, a Modena vi saranno invece grandi installazioni e pezzi più "monumentali".
Quanto ha richiesto la preparazione della
mostra e con quali istituzioni avete collaborato?
«In effetti le due parti della mostra si distinguono, oltre che per l’arco cronologico, dal momento che a Modena sono esposti i lavori più
recenti, per la tipologia delle opere. Assecondando alcuni aspetti della ricerca contemporanea (e al contempo la morfologia della
Palazzina dei Giardini) abbiamo puntato molto
sulla monumentalità dei lavori (Geers, Fabre,
Struth), anche perché la sezione modenese è
tutta concentrata sulla scultura di Michelangelo, come fonte d’ispirazione (Mapplethorpe),
oggetto d’indagine (Amendola, Basilico, Parisi), citazione (Fabre, Geers, Klein). Il lavoro
scientifico è durato quasi tre anni, la fase propriamente organizzativa uno ed è quasi impossibile elencare gli enti e le istituzioni che Casa
Buonarroti e la Galleria civica di Modena sono
riuscite a coinvolgere».
Michelangelo mito eterno, ed eternamente
punto di riferimento per le generazioni di
artisti di tutti i tempi, dunque?
«Che sia ancora il fascino esercitato dalla sua
esemplare figura di genio melanconico nato
sotto Saturno, che sia la forza iconica di alcune
sue immagini – pensiamo al David e alla Pietà,
su tutte – il fatto certo è che nessun artista del
passato riesce ad essere così presente nell’immaginario visivo dell’artista contemporaneo
(e del suo pubblico); immaginario dal quale,
naturalmente, non sono certo esclusi quegli
aspetti che sconfinano apertamente nella trasmutazione dell’immagine originaria in elemento kitsch».
Milano
João Mario Gusmão e Pedro Paiva, Papagaio, a cura di Vicente Todolí
Hangar Bicocca
Il duo di Lisbona, conosciutosi all'università,
collabora dal 2001 nella creazione di cortometraggi muti in 16 mm, sculture, installazioni e
fotografie. Per il loro sbarco a Milano presentano ben trentacinque film brevi, di poco superiori ai due minuti, di cui nove inediti, una
nuova pellicola della durata di quarantatre minuti, Papagaio, che da il titolo alla mostra, e tre
installazioni denominate Camera Obscura. Il
mondo di Gusmão e Paiva da queste parti è
concepito come un'installazione unitaria, un
caos organizzato dove dominano il buio ed il silenzio, rotti soltanto dal fruscio di vecchi proiettori a pellicola. Le immagini si alternano in
un gioco di assonanze poetiche e metaforiche.
Sul muro di destra Glossolalia, opera inedita,
da il benvenuto ai visitatori, che camminano
ipnotizzati in un mondo che mette in dialogo
animali tropicali umanizzati (come, per esempio, nel film The Soup, dove un gruppo di scimmie pesca patate da una pentola di acqua
bollente), riti animisti e tribali, scene di vita
EXIBARt 87 / 8
immaginaria. E doppia, seguendo idealmente
il filo tracciato da Boetti, artista lontanissimo
da Trouvé, ma che lei dichiara di amare molto
«per un’idea di doppio non basata su una dicotomia tra negativo e positivo, ma sulla possibile unione tra razionale e irrazionale».
political and sometimes doing something political can become poetic», talvolta fare qualcosa
di poetico può diventare un fatto politico, e talvolta fare qualcosa di politico più diventare un
fatto poetico. (Mario Mosca)
Napoli
Capitale umano nell’industria,
a cura di Urs Sthael
MAST
Francis Alÿs, REEL/UNREEL,
a cura di Andrea Viliani e Eugenio Viola
MADRE
quotidiana, riferimenti matematici. Le immagini attaccano allo schermo: viene sublimata
la dicotomia uomo-animale, anello di congiunzione di molti dei lavori dei video artisti portoghesi. Federico Fellini diceva che il cinema è
arte figurativa in movimento. Gusmão e Paiva,
che non amano apparire in pubblico, hanno
creato insieme al curatore spagnolo una giostra di bobine che merita una visita, molto più
del limitrofo multisala che si staglia beffardo
nel panorama post-industriale della Bicocca.
Soprattutto se cercate refrigerio, per il corpo
e per la mente. (Lorenzo Camerini)
Bolzano
Tatiana Trouvé, I tempi doppi,
a cura di Letizia Ragaglia
Museion
È nata a Cosenza, ha studiato a Nizza ma ha
vissuto anche in Liguria, Senegal, New York, e
da anni è in pianta stabile a Parigi. Tatiana
Trouvé, classe 1968, sbarca a Bolzano nella
sua prima personale in un museo italiano, ed
è ancora una volta Museion ad essere lungimirante in una ricerca che va oltre i confini. Riportando “in patria” un’artista che
recentemente è stata vista anche a Roma, da
Gagosian, e lo scorso autunno nella bella mo-
stra per i 25 anni di carriera di Emmanuel
Perrotin, al Tripostal di Lille, che le aveva dedicato una splendida sala dove era presentata
l’installazione 350 Points towards Infinity del
2009, composta proprio da 350 sottili pendoli
calati dal soffitto verso il pavimento e posti
tutti, circa, alla medesima altezza, ma seguendo traiettorie diverse.
A Bolzano, insieme a quest’opera un po’ magica, quasi ipnotizzante e molto ossessiva
(ogni pendolo è catturato da potentissimi magneti che ne fissano la traiettoria secondo uno
schema precisissimo pensato da Trouvè), ecco
anche i Refoldings, opere-frammento che rinviano agli imballaggi di opere d’arte, e I tempi
doppi, 2012, scultura entrata quest’anno nella
collezione ACACIA, che dà il titolo ad una mostra dove protagonista è l’illusione, l’oscillazione delle opere tra una dimensione reale e
Ecco la più ampia mostra personale di Francis
Alÿs in un’istituzione pubblica italiana. Prodotto nel 2011 in occasione di dOCUMENTA(13),
REEL-UNREEL
(ARROTOLARE-SROTOLARE), rappresenta
insieme il nucleo principale della personale il
culmine della pratica artistica di Alÿs. Nell’opera si fondono la scelta di un mezzo privilegiato per l’artista, il cinema, e l’unione fra
impegno critico ed esperienza estetica. ReelUnreel fa riferimento al soggetto sviscerato nel
corso del video: due ragazzi arrotolano e srotolano per le strade di Kabul due bobine di pellicola cinematografica e con loro si svolge e
riavvolge la pellicola stessa. L’intera città di
Kabul è vetrina di un set cinematografico dove
il classico gioco da strada del cerchio o della
ruota si sostituisce ad uno alternativo, portando con se la memoria di una comunità sospesa fra disintegrazione e ricostruzione,
memoria e oblio.
Dal video hanno origine una pluralità di altre
opere, animazioni, pitture, disegni, collage,
cartoline e "oggetti effimeri”, esposte nella sala
al secondo piano del Madre, opere che l’artista
definisce i "Progetti afgani”. I Color Bar Paintings evocano la difficoltà della rappresentazione afgana, rimandando alle barre colorate
prodotte elettronicamente per correggere colori e luminosità sugli schermi televisivi analogici e digitali. Le barre di Alÿs intendono
rimettere in questione la rappresentazione
mediale dell’Afganistan contemporaneo, sospeso in una condizione di fiction occidentale.
A chiudere la personale due tra le più celebri
opere dell’artista belga, le uniche presenti non
prodotte in Afganistan, Pradox of Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing), del 1997 e The Green Line del 2004 che
riassume in se l’intera poetica dell’artista: «Sometimes doing something poetic can become
Bologna
Capitale Umano nell’Industria è excursus narrativo sull’uomo e sulla produzione, nel complesso espositivo dell’imprenditrice Isabella
Seràgnoli, inaugurato lo scorso 4 ottobre e qui
disvelato al pubblico solo nella parte riservata
alle esposizioni. Una mostra a tratti anedottica
ma capace di illustri nomi come Henri Cartier-Bresson, August Sander e Ansel Adams,
Max Alpert, Sebastião Salgado, Robert Doisneau e Brian Griffin, sa nella cronologia ricomporre la parabola dei lavoratori in
fabbrica, assemblando primi piani a board
room desolate, oligarchiche, macadam (nel
sintetico polittico di Jacquine Hassink, dalla
Serie The Table of Power 2, 2010). Di gusto
avanguardista la linea curatoriale di Urs Stahel che taglia agile sull’equilibrio così posto tra
hard work e soft work. Vista dal retro la produzione industriale rivela la maestria introspettiva nei volti, la possanza della classe in
lotta, l’agire per prove ed errori dei tecnici
(Torkel Korling, Untitled, 1930/1940S), il
pensiero in stasi dell’uomo dal placet esecutivo
(Erich Lessing nel ritratto a Gianni Agnelli
del 1956), l’enorme dicotomia che tocca lui
stesso e la produzione, sempre tesa al contratto tra le parti. In tutto questo le HR giocano un ruolo cruciale nella forchetta tra
anima e prodotto: sono l’ombra grigia da cui
emergono come Weltanschauung - intuizione
del mondo che ha nella fotografia il suo strumento principe.
E se è vero che nel loro convivere arte e tecnica hanno sempre attinto l’un l’altra evidenziando più di una somiglianza qui la
risoluzione è presto detta: nell’industria come
nell’arte «si progettano sempre nuove sperimentazioni, si portano a termine esperienze
pilota si costruiscono prototipi. I risultati ottenuti dai laboratori di ricerca, dagli uffici tecnici e di sviluppo rimangono per lo più ignoti
agli estranei; ma sono essenziali per la produzione». (Paola Pluchino)
EXIBARt 87 / 9
Fondazione Fabbri promuove
la terza edizione del Premio
Francesco Fabbri per le Arti
Contemporanee rivolto agli
autori di ogni nazionalità.
Nella sezione Arte emergente
potranno partecipare gli autori
under 35 attraverso ogni forma
visuale (pittura, fotografia,
scultura, performance, videoarte,
installazione, sound art, grafica),
mentre nella sezione Fotografia
contemporanea non ci saranno
limiti di età.
Il concorso prevede un premio
acquisto di 5.000 euro ai vincitori
delle due sezioni e la mostra
collettiva dei sessanta finalisti.
www.fondazionefrancescofabbri.it
Al via la terza edizione del
Premio Francesco Fabbri
per le Arti Contemporanee
arte emergente
fotografia
contemporanea
METODO—Paolo Palma
iscrizioni dal 19 maggio
al 1 settembre 2014
rassegna inserita in:
con il patrocinio di:
Concorso con
Segnalazione
FIAF
4
À la lune
la copertina d’artista
raccontata dall’artista
AlESSANdRO
PIANgIAmORE
Senza titolo (volcano), 2014
cartolina, madrepora,
cm 20 x 20 x 15 circa
Courtesy l'artista e MAGAZZINO,
Roma
Senza una ricorrenza precisa una
sorta di processione di persone,
ciascuna con del corallo, inizia la
salita fino al cratere più alto.
Una volta in cima, i coralli vengono lasciati cadere all'interno
della grande bocca, accompagnati
dalla speranza che il vulcano li
sputi nuovamente fuori.
Alessandro Piangiamore
è nato ad Enna nel 1976. Vive
e lavora a Roma. Galleria di riferimento: MAGAzzINO, Roma
EDITO DA
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Via G. Puccini 11 00198 Roma
www.exibart.com
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Registrazione presso
il Tribunale di Firenze n. 5069
del 11/06/2001
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Corso Francia 158
00191 Roma
HANNO COLLABORATO
A QUESTO NUMERO
redattore eventi
Elena Percivaldi
redattore news
Matteo Bergamini
segretaria di redazione
Roberta Pucci
Con la collaborazione di
Bianca Martinelli
87
f.pazzagli@exibart.com
adv@exibart.com
coordinamento editoriale
e diffusione
diffusione@exibart.com
tiratura
35.000 copie
Paolo Aita
Roberto Amoroso
Alessandra Angelucci
Andrea Bruciati
Alessandra Caldarelli
Riccardo Caldura
Lorenzo Camerini
Mariangela Capozzi
Alice Cattaneo
Anna De Fazio Siciliano
Victoria Genzini
Pierfrancesco Giannangeli
Guido Incerti
Pia Lauro
Livia De Leoni
Flavio De Marco
Greta Scarpa
Raffaele Gavarro
Pierfrancesco Giannangeli
Corinna Kuehn
Eleonora Minna
Mario Mosca
Valerio Rocco Orlando
Paola Pluchino
Ludovico Pratesi
Sabrina Vedovotto
Eleonora Scoccia
Francesca Valentini
Martha Ter Horst
Caterina Tognon
5. editoriale
6. cartellone
17. popcorn
AttUAlItA’
12. Sentire lo spazio
14. La versione
di Grazia
16. Istruzioni per l’uso
di una brutta biennale
18. Argomenti/
L’innovazione è frugale
SPEcIAlE
ARcHItEttURA
22. Andando a fondo
nei fondamentali
24. Il kit del viandante
27. Un corpo che
imprigiona i corpi
SPEcIAlE ROmA
32. La capitale di un
Paese che non si vuole
più bene
34. Idee nuove per una
città eterna
38. Il MAXXI?
Giovane. Perciò di belle
speranze
40. Speciale Roma/
i musei
43. Speciale Roma/
Le fondazioni
L’arte è una fondazione
fondata sul lavoro
48. Il mondo in una
stanza
THANKS TO
questo numero è stato realizzato grazie a:
ACCADEMIA DI SAN LUCA
ARTELAGUNA
ARTEPADOVA
ARTISSIMA
BEVILACQUA LA MASA
CASTEL SANT’ELMO
FONDAZIONE VENEZIA
FRATTALI
GIACOMO GUIDI
COLLEZIONE GUGGENHEIM
ICASTICA
INDIA THE REVEALED MYSTERIES
MABA
MAXXI
MIC
PIO MONTI
PREMIO COMEL
PREMIO FABBRI
SISTEMA IRPINIA PER LA CULTURA
CONTEMPORANEA
THE FORMAT CULTURE GALLERY
50. Speciale Roma/
Le Accademie
52. Il no-profit
che non c’è
54. Un photoblog per la
città eterna
58. Due o tre cose che
so di loro
61. L’ultimo
dei fuoriusciti
62. Vive e lavora a
Roma. Ed è giovane
66. Speciale Roma/
I collezionisti
Dai cavalli in galleria
alle fondazioni fatte in
casa
68. Speciale Roma/
Le gallerie
72. Incredibili quegli
anni! E ora?
76. L’ultima galleria
nata nella capitale?
Schizofrenica
78. RAM, in ascolto del
nuovo
80. Albino uno e bino
RUBRIcHE
64. Studio visit.
Io, le gabbie e una
vacanza a Casal
Bertone
83. Teatro
Le vite degli altri
84. Reading room
86. Contrappunto.
Un quadro non è uno
slogan
EXIBARt 87 / 11
SENtIRE lO SPAzIO
di Victoria Genzini
QUEST’ANNO LA ROYAL ACADEMY HA PRODOTTO UNA DELLE PIù BELLE E INTERATTIVE
MOSTRE DI SEMPRE SULL’ARCHITETTURA. CONFERMANDO COME QUESTA ABBIA UN RUOLO
CENTRALE NELLO SVILUPPO DELLA CITTà
ello skyline di Londra si stagliano enormi grattacieli, che
hanno inziato ad apparire nei primi anni Duemila, che si confrontano con una miriade di edifici dallo stile diverso, le piccole case superstiti dell’epoca Tudor (le uniche sopravvissute
al grande incendio del 1666), le case Vittoriane di mattoni rossi ed
esempi di architettura brutalista, risalenti agli anni ‘60 e ‘70, come
l’iconico Barbican Estate. Londra, la futuristica capital d’Albione, si
estende su un territorio che copre 1,572 km cubi di terreno e ospita all’incirca 8 milioni di abitanti: non c’è da sorprendesri se in una città di
queste dimensioni, l’archittetura sia diventata gradualmente, non solo
uno strumento con cui organizzare il popoloso spazio urbano in continua evoluzione, ma anche una scienza che si estende all’arte al design
e alla psicologia.
In un contesto così ricco di contrasti e di diversità stilistiche, sono molte
le istutzioni culturali che si sono preoccupate di raccontare la città attraverso mostre sull’architettura o semplicemente di questionare l’archiettura di per sé. La Royal Academy, ospitata dalla bellissima
Burlington House - uno dei primi esempi di architettura inglese ispirata
a Palladio - è uno dei musei che più ha affrontato questo tema durante
le sue mostre, passando da “New Architcture: Foster, Roger, Stirling”
del 1986, omaggio a tre dei piu grandi architteti inglesi, a “Living Bridges” del 1996, studio sul Simbolismo e significato dei ponti nel cotesto
urbano, fino alla piu’ recente “Buliding the Revolution” (2012) una rassegna delll’achitettura sovietica dal 1915 al 1935.
N
EXIBARt 87 / 12
SENSINg SPAcES” RIEScE dAVVERO A
tRAdURRE l’ARcHItEttURA IN UN NUOVO
lINgUAggIO ESPOSItIVO, cHE POtREBBE
SUggERIRE AllE IStItUzIONI cOmE tRAttARlA.
PASSANdO dA UN’OSSERVAzIONE StAtIcA Ad
UN’ESPERIENzA INclUSIVA, cHE FA RAgIONARE
Il VISItAtORE (mA ANcHE Il mUSEO) SUll’ImPORtANzA cHE l’ARcHItEttURA HA SUI dIVERSI
mOdI IN cUI lA NOStRA PSIcHE REAgIScE
dAVANtI A ESEmPI dIVERSI dI cOStRUzIONI
Le mostre qui citate hanno il comune obiettivo di raccontare l’archiettura attraverso due parti: prima focalizzandosi sulla parte di ricerca
che precede la costruzione (schizzi, disegni, appunti e modellini) e poi
documentando la costruzione e il risultato finale tramite materiale visivo, quindi foto e riprese.
E forse, per l’aver preferito un approccio esclusivamente sensoriale, la
AttUAlItA’ / qUI lONdRA
mostra di quest’anno “Sensing Spaces: Architetcure Reimagined” è
stata una tra le più belle mostre sull’achitettura mai concepite dalla
Royal Academy il cui scopo è, come dichiarato dal presidente dell’istituzione Christopher Lee Brun, «ridefinire ciò che si intende per una
mostra sul’architettura, offrendo al visitatore l’opportunità di interagire direttamente con essa attraverso un’esperienza che convolge i cinque sensi, focalizzandosi sulle sue qualità emotive ed empiriche».
Un’impresa non semplice, sottolinea la curatrice Kate Goodwin, considerando che bisognerà traslocare emozioni e sensazioni nello spazio
confinato di una galleria. Ma impresa che è riuscita, grazie allo straordinario lavoro dei sette architetti invitati a prendere parte al progetto,
provenienti da diversi Paesi del mondo, dalla Cina all’Inghilterra, passando per l’Africa.
Dopo aver incrociato gli enormi pilastri gialli di Alvaro Siza nel cortile,
ci si trova nelle ampie e luminose Main Galleries della Royal Academy,
ed è qui che si fa una delle prime scoperte piacevoli della mostra: non
esiste un percorso da seguire, ognuno è libero di circolare per le stanze
seguendo il proprio istinto e libero di fermarsi ed interagire con le cotruzioni quanto vuole. All’ingresso è impossibile però non imbattersi
nelle porte di cemento create dal vincitore del premio Pritztek, Edouardo Souto de Moura, dove l’architetto portoghese ci invita a riflettere sul significato di originalità, avendo creato delle repliche delle
porte della Royal Academy.
L’intera mostra gioca con i concetti di luce e colore: i progetti degli architetti si alternano occupando lo spazio e creando diverse ambientazioni, mise en scene, in cui questi due protagonisti tematici riempiono
in modo diverso l’ambiente e susictando diverse reazioni per la variata
moltitudine di spettaori che si riversa alla Royal Academy. Il contrasto
tra luce e ombra è la chiave del progetto dello studio irlandese Grafton
Architects, fondato da Yvonne Farrel e Shelley McNamara, autrici
tra le altre cose dell’università Bocconi di Milano, che affrontano il
tema con semplice eleganza. La prima stanza è un bagno di luce chiara,
in cui delle luci montate sul soffitto sfruttano e amplificano la luce naturale che entra dalle finestre in modo da crerae un gioco di luci e
ombre sul pavimento; la seconda invece è creata attorno al tema del
buio ed è dominata da un senso di sobrietà: vi è inserito un elemento
architettonico, sopraelevato di due metri dal terreno, composto di pareti scure in un maeriale che ricorda il cemento, in cui però si inseriscono delle piccole insenature, come caverne, da cui filtra la luce
rendendo possibile al visitatore vedere il soffitto e vivere un momento
di intimità. Su temi simili a quest’ultima si sviluppa la costruzione pesentata dallo studio cileno Pezo von Ellrichsehausen: una piccola
stanza sopraelevata da terra e sorretta da altissimi pilastri di legno
percorribili attraverso una scala a chiocciola, una creazione che riflette
sul modo di occupare lo spazio ed assomiglia ad una fortezza di quelle
che si disegnano quando si è piccoli, conferendo al tutto un alone incantato e misterioso.
La costruzione che sembra attrare di più il pubblico è firmata dall’architetto Diebedo Francis Kere (Burkina Faso,1965), che si occupa di
promuovere un tipo di architetture sostenibile e l’uso di materiali locali: l’opera, un tunnel di favo di plastica che viene a mano a mano coperto dai visitatori di lunghe cannucce multi color, cerca di ricreare
parte di quell’intimità che l’architetto associa ai luoghi della sua infanzia nel villaggio di Gando e allo stesso tempo di trasmettere l’idea di
collaborazione che sta dietro alla costruzione di un edificio in Africa.
Inoltre, la plastica è qui tema centrale che l’architetto decide di usare
come metafora dell’industrializazione di Londra.
Ci si dimentica di essere in un museo mentre si passeggia nel labirintico
giardino zen creato dall’architetto cinese Li Xiaodong (1963): la
stanza è immersa nel buio, il giardino è circondato da alte mura composte di legno che si contrastano con i piccoli sassi bianchi che compongono il pavimento creando l’illusione voluta dall’architetto di far
sembrbare agli spettatori di star camminando di notte in una foresta
innevata. La stessa sensazione di pace e chiarezza è presente anche
nel lavoro di Kengo Kuma (Giappone, 1954) realizzata proprio per
creare il «massimo effetto sul corpo del visitatore con il minimo uso di
materiale»: ispirandosi alle tea house giapponesi, l’architteto ha riempito una stanza scura con due padiglioni costruiti da leggerissimi bastoncini di bamboo. Le due installazioni vanno vissute in un crescendo,
la prima e illuminata da luci piu fioche e sprigiona un leggero aroma di
Hinoki, cipresso giapponese, mentre la seconda, quasi al buio è infusa
di un forte aroma dei materiali con cui è costruito il tatami, materasso.
L’effetto visivo è molto scenografico ed è forse questo il progetto in cui
vengono davvero stimolati tutti e cinque i sennsi dalla vista all’olfatto.
Questa mostra riesce davvero a tradurre l’architettura in un nuovo linguaggio espositivo che potrebbe suggerire alle istituzioni e alle gallerie
come trattarla. Passando da un’osservazione statica ad un’esperienza
inclusiva, che fa ragionare il visitatore ma anche il museo sull’importanza che ha l’architettura nel tessuto urbano e sui diversi modi in cui
la nostra psiche reagisce davanti ad esempi diversi di costruzioni. A
Londra la mostra è finita ad aprile scorso, ma si spera di vederla presto
riproposta in giro per il mondo.
Per tutte le immagini:
Sensing Spaces:
Architetcure Reimagined, Royal Academy
Londra. Photo Benedict Johnson
EXIBARt 87 / 13
lA VERSIONE dI
gRAzIA
IN QUESTA INTERVISTA, RILASCIATA IN OCCASIONE DEL TRENTENNALE DELLA FONDAzIONE
CARTIER, CELEBRATO CON UNA FESTA CHE DURA UN ANNO INTERO, GRAzIA QUARONI, UNA DELLE
TANTE CURATRICI ITALIANE EMIGRATE ALL’ESTERO, RACCONTA LA SUA ESPERIENzA NELLA
BELLA ISTITUzIONE PARIGINA. CON LO SGUARDO AL FUTURO
di Livia De Leoni
P
er i suoi 30 anni la Fondazione Cartier per l'Arte Contemporanea festeggia l'evento nell'arco di un anno, con un incredibile turn over di opere della collezione, che ad oggi
conta oltre mille pezzi. Spazio anche a performance irripetibili e ad incontri. Per sottolineare come l’arte contemporanea sia, oltre le barriere territoriali, sinonimo di progresso
culturale e di aggregazione sociale. Per saperne di più, abbiamo intervistato Grazia Quaroni, responsabile della collezione e curatrice
presso la Foundation dal 1991, nonché docente all'Università della
Sorbona,. Per Cartier, Quaroni ha collaborato in oltre 40 progetti espositivi, tra questi le mostre personali di Patti Smith, William Eggleston e di Mœbius. Ecco
Che significa lavorare per una fondazione di fama internazionale,
modello di bellezza ed eleganza?
EXIBARt 87 / 14
«SENzA tOglIERE NIENtE Al mAgIcO SPAzIO
cREAtO dA JEAN NOUVEl, l'OPERA d'ARtE
ESIStE Al dI là dI tUttO. cIò cHE è
PARtIcOlARE qUI è lA RElAzIONE cON glI
ARtIStI. cONOScIUtI O mENO, NON SI tRAttA
dI INcONtRI FUgAcI: SONO RAPPORtI cHE SI
SVIlUPPANO NEl tEmPO PER dIVENtARE
dEllE VERE E PROPRIE RElAzIONI»
AttUAlItA’ / qUI PARIgI
terlo nell'ambito del mio insegnamento, intendo durante il master professionale per curatori presso La Sorbona di Parigi. Sento di avere
molto da dare alle nuove generazioni di curatori».
Visto che ne parla, cos'è cambiato nel tempo nel mestiere del curatore?
«Ciò che è cambiato, va di pari passo con ciò che è cambiato nell'arte,
nelle opere stesse: è ciò che cambia nelle istituzioni. Insomma, bisogna
stare al passo, sta a noi starci dietro, senza inventare niente bisogna
mettere in evidenza il lavoro. Il curatore deve riuscire a rispondere
alle domande poste dall'opera, deve riuscire a disporla al meglio per
trasmetterla al pubblico».
Una delle caratteristiche della collezione è di acquisire opere monumentali progettate per gli spazi espositivi dell'edificio creato da
Jean Nouvel, come In Bed di Ron Mueck, presentata giorni fa.
Cosa significa esporre in uno spazio così maestoso?
«Senza togliere niente al magico spazio creato da Jean Nouvel, l'opera
d'arte esiste al di là di tutto. Per esempio, nell'ambito del mio insegnamento universitario, guido gli studenti nell'organizzazione di una mostra in cui loro stessi sono i curatori. Spesso andiamo in spazi molto
alternativi, a volte non sono nemmeno adatti né ad esporre opere di
arte contemporanea, né l'arte in generale. Ma ogni volta che si ha una
difficoltà, che può essere dovuta ad un'architettura imponente o semplicemente brutta, lo stimolo che il curatore riceve è più o meno simile. Insomma, l'importante è che l'opera esista nel mondo: l'artista
l'ha pensata e noi dobbiamo farla vivere, tirando fuori il meglio dalla
situazione. Certo, alla Fondazione Cartier si ha il privilegio di uno spazio estremamente flessibile, versatile, che consente di far vivere tutte
le opere. È la casa di tutti gli artisti, vengono, passano, sono sempre i
benvenuti, sempre liberi di creare in maniera indipendente. Diamo a
tutti carta bianca, spingendoli appunto a realizzare progetti che si
adattano allo spazio espositivo».
Grazia Quaroni
«Ciò che è particolare qui è la relazione con gli artisti. Conosciuti o
meno, non si tratta di incontri fugaci, di una fotografia rapidamente
fatta: sono rapporti che si sviluppano nel tempo per diventare delle
vere e proprie relazioni. Per me l'elemento più incredibile di questo
lavoro è appunto il contatto constante con loro, l'umanità. Per esempio, con Alessandro Mendini, se passo a Milano vado a trovarlo
anche se non abbiamo niente da fare insieme, e così è con Enzo Mari
o Raymond Depardon che passa spesso di qui. La profondità di questi
personaggi è incredibile, ci siamo tutti nutriti di loro. Aneddoti? Ricordo benissimo quando, durante un pranzo, ho detto a Patti Smith
che per me sedersi accanto a lei equivaleva a realizzare un sogno, e
lei mi ha risposto che anche per lei si realizzava un desiderio, cioè
quello di esporre a Parigi. Mi disse nientemeno che l'aveva predetto a
sua sorella nel 1963, quando da giovanissima venne per la prima volta
in visita nella capitale francese. Certo, al di là dei tanti incontri, delle
storie che si sono accumulate negli anni, quello che vedo è lo spessore
del lavoro che ho costruito. In tanti anni il mio mestiere se ne è arricchito, così come la mia personalità. Tutto ciò mi permette di ritrasmet-
Nel 1986, Alain Dominique Perrin, Presidente della Fondation
Cartier, ha redatto il rapporto "Mécénat français" che diede impulso alla legge Léotard del 23 luglio 1987. Inoltre, nel 2009, Perrin riceve il Prix Grand Mécène dal Ministero della Cultura
francese. La Fondation Cartier ha creato un modello di mecenatismo culturale alla francese?
«Non so se la Fondation Cartier pour l'art contemporain abbia creato
un modello di mecenatismo alla francese, ma posso affermare che ciò
che è caratteristico della sua azione è di aver puntato sul lungo termine. Scostandosi dal modello in vigore negli anni '80, e che ancora
oggi in parte funziona, lo sponsoring legato all'evento del momento,
che poi si tratta sempre di pseudo prese di posizione da parte di alcune aziende o marche. Quando Cartier ha deciso di aprire la Fondazione, ha subito investito in uno spazio, in uno staff che operava
quotidianamente, pesante da gestire, insomma. Perché creare una collezione vuol dire che c'è la parte scoperta da presentare al pubblico,
ma anche evidentemente quella nascosta, penso allo stock, al magazzino, tutto quel che riguarda la conservazione e la logistica. Diciamo
che questa scommessa di lavorare su progetti artistici a lungo termine
si è rivelata, 30 anni dopo, la grande forza del mecenatismo culturale
promosso dalla Fondazione Cartier».
Mémoires Vives, titolo della rassegna che ingloba gli eventi di questo trentesimo anniversario, è un viaggio nella memoria, ci sarà
posto anche per un po' di nostalgia?
«No, non c'è nostalgia! Perché ogni volta che abbiamo invitato un artista è sempre stato per porre le basi di un progetto futuro. Quindi,
quello che succede oggi, è che tutti gli artisti ritornano all'occasione
di quest'anniversario, ma la nostalgia viene subito sorpassata dal fatto
che ci ritroveremo a parlare di altri progetti. Per capirci meglio, c'è
un artista che è con noi sin dagli anni '80: Huang Yong Ping, che sarà
qui prossimamente. Per quest'anniversario ci ha chiesto di montare
una sua opera che lui a sua volta smonterà, così tutti gli elementi potranno essere mostrati separatamente, e tra questi ci sono varie tavole de I Ching. L'idea è che durante questa performance l'artista
cinese predirà il futuro della fondazione»
A proposito di futuro! Quale sarà il prossimo passo della Fondation
Cartier, forse un museo?
«Il futuro? Aspettiamo che ce lo dica Huang Yong Ping!»
EXIBARt 87 / 15
AttUAlItA’ / qUI BUcHARESt
IStRUzIONI PER
l’USO dI UNA
BRUttA BIENNAlE
di Francesca Valentini e Corinna Kuehn
QUALI SONO? SORVOLARE SUL CONTESTO STORICO-POLITICO, RIDURRE UN TEMA VASTO
COME QUELLO DELL’APPRENSIONE ALLA SOLA PAURA, PERFORMARE IL “GIOVANE
CURATORE”, ASCOLTANDO PERò I SUGGERIMENTI DEI “GRANDI VECCHI”, EVITARE
FURBESCAMENTE OGNI CRITICA. ET VOILà LA BRUTTA BIENNALE È SERVITA
SE lA VISItA dEllA BB6 lAScIA UN PO’ dI
AmARO IN BOccA, VAlE lA PENA REcARSI
Al dESOlAtO mUSEO NAzIONAlE dI ARtE
cONtEmPORANEA dEllA cIttà. l’EdIFIcIO,
Il SEcONdO PIù gRANdE Al mONdO dOPO
Il PENtAgONO, è SEdE dEl PARlAmENtO.
Ed è UN PEccAtO cHE qUEStO lUOgO
NON SIA StAtO UtIlIzzAtO PER lA BB6.
NE SAREBBE StAtO cORNIcE IdEAlE
n vecchio artista vede un giovane curatore giocare con una pistola e chiede: «Non hai paura?» Quello risponde: «No, devo caricarla». Questa storiella sintetizza perfettamente la sesta
Biennale di Bucarest (BB6), ed è una fra le tante che hanno
come protagonisti curatori e artisti, e che scorrono come sottotitoli di
dialoghi televisivi fra politici registrati e resi muti da János Sugár (HU)
per Mute, 2005, video installazione a cinque canali fra le opere migliori
della BB6.
Il ventenne curatore Gergö Horváth, deciso a non accettare critiche e
influenzato, non troppo velatamente, dai due istrionici direttori nonché
fondatori della biennale Razvan Ion e Egen Radescu, ha tentato di mettere insieme una mostra che, a parte il titolo d’effetto Apprehension:
Understanding Through Fear of Understanding, delude ogni aspettativa. Non c’è nessun riferimento veramente critico alla storia del Paese
ex-comunista, ora attraversato da un rampante capitalismo corrotto e
dove ha luogo l’unica biennale mitteleuropea. Nessuna apertura al duplice significato della parola “apprensione”: se se ne cancella l’aspetto
positivo e umanizzante in quanto “comprensione”, rimane solo la
paura. E se la mostra tematizza la paura come ciò che governa le nostre
azioni sin dall’infanzia, non vogliamo credere che tutto si esaurisce qui.
Tanti sono i lavori presentati a Bucarest che solo superficialmente, se
non forzatamente, hanno a che fare con questa concezione unilaterale
della paura. Tuttavia sono da segnalare alcune eccezioni, sia per la qualità del lavoro artistico che per la particolare sinergia creata con le sedi
della BB6.
Oltre alla sopra citata Mute di Sugár, vale la pena soffermarsi sulle
opere di Matei Arnăutu (RO) e Stephanie Syjuco (USA/PH), entrambe
esposte all’Istituto di Ricerca Politica dell’Università di Bucarest.
Creato nel 1999 a dieci anni esatti dalla caduta di Ceausescu e a tutt’oggi una delle pochissime piattaforme accademiche rumene dedicate
a questo tema.
Nel signorile atrio al piano terra campeggia a mezz’aria l’opera di
Arnăutu, Fear, 2012: sopra un tavolo ligneo mosso da un ventilatore
poggiano bicchieri di succo semitrasparente e altri materiali che reggono un pianale di legno su cui sono disposti altri bicchieri e un telefono.
U
EXIBARt 87 / 16
Questi oggetti sono legati alla storia personale dell’artista e, nella loro
dimensione poetica, trasmettono i meccanismi perfetti e diabolici che
si celano dietro alla precarietà del mondo contemporaneo.
L’atrio al primo piano è completamente tappezzato dai volantini di Syjuco (Free Texts: An Open Source Reading Room, 2012): recano ciascuno il titolo di un testo e il nome del suo autore, nonché il link a cui
questo scritto si può trovare e scaricare gratuitamente, grazie a chi l’ha
messo online, a disposizione di tutti, spesso illegalmente. Sono testi che
hanno a che fare con questioni legate al copyright, ma anche con i paradossi del capitalismo e del post-capitalismo.
Interessante l’idea di voler includere nella biennale anche la performance di musica Art-Core della psichedelica band Dormedar (NO):
peccato che questa abbia avuto luogo solo la sera dell’inaugurazione e
fosse aperta a pochi eletti e non al pubblico cittadino.
Knowing Me, Knowing You, 2012 di Filip Gilissen (BE) è l’opera che fa
da trait d’union tra la sede principale della BB6, il centrale spazio per
l’arte contemporanea PAVILION e la periferica ex-fabbrica di materiale
plastico Combinatul Fondului Plastic. All’ingresso di PAVILION i visitatori sono accolti da un’insegna luminosa che riporta il numero di Razvan Ion. Nello scuro open-space della Combinatul Fondului Plastic il
visitatore trova invece un telefono d’oro: è l’apparecchio che risponde
a questo numero e che ironizza sullo strapotere dei vertici di questa
biennale e non solo: cercando di parlare con Ion, si finisce, se si ha fortuna, per parlare con uno dei visitatori della mostra.
Se la visita della BB6 lascia un po’ di amaro in bocca, vale la pena recarsi al desolato Museo Nazionale di Arte Contemporanea della città.
La bella mostra “Recorded Memories” presenta il lavoro di artisti contemporanei del Sud-Est europeo che si sono confrontati con il tema
della memoria dopo la caduta delle dittature che ne opprimevano i
Paesi d’origine. Il museo ha sede in una struttura vitrea addossata ad
un’ala del colossale palazzo voluto (e mai terminato) da Ceausescu
come Palazzo del Popolo. L’edificio, il secondo più grande al mondo dopo
il Pentagono, è ora sede del Parlamento Rumeno. davvero un peccato
che questo luogo non sia stato utilizzato come una delle sedi della BB6.
Ne sarebbe stato cornice ideale.
ARtE: 10 cOSE
dA SAlVARE
lE PREFERENzE dI AlIcE cAttANEO
1. migliore evento artistico dell’anno:
“Kazimir Malevich e le Avanguardie Russe”,
Stedelijk Museum
2. miglior collezione (privata o istituzionale):
Collezione Maramotti
3. miglior gallerista: Eva Presenhuber
4. critico d’arte: Giuliano Briganti
5. fiera: Art Basel
6. artista del passato: Brancusi
7. artista contemporaneo: Fred Sandback
8. il saggio sull'arte più interessante: “L’informe” di Rosalind Krauss e Yve-Alain Bois
9. Ministro della cultura: Jack Lang
10. miglior rivista d’arte: Cabinet NY
Avatart
di Roberto Amoroso
Uno spazio fisso, su ogni numero, in cui i personaggi del
mondo dell'arte diventano il punto di partenza di una serie
di indagini estetiche e introspettive finalizzate alla realizzazione di identità virtuali che vivranno prima su Exibart.opaper, e poi, in Rete tramite un sito web/opera d'arte
che l'artista Roberto Amoroso realizzerà ad hoc.
Chi è questo personaggio
del mondo dell’arte?
IPSE dIXIt
Caterina Tognon
I NUMERI DEL (MIO) SUCCESSO
40%
lA FIdUcA dEI cOllEzIONIStI
40%
lA qUAlItà
dEglI ARtIStI
20%
- Il personaggio dello scorso numero
era Anthony Goicolea
I cRItIcI-cURAtORI
cHE lAVORANO cON mE
EXIBARt 87 / 17
l'INNOVAzIONE
è FRUgAlE
COSì PARLò JAIDEEP PRABHU, AUTORE DI JUGAAD INNOVATION. LIBRO CHE, DOPO ESSERE
STATO UN BEST-SELLER IN INDIA DOVE È NATO, E POI IN BRASILE, FRANCIA, STATI UNITI
E OLANDA, È ARRIVATO IN ITALIA. CHE COSA DICE DI VERAMENTE INNOVATIVO? TRE IDEE
SEMPLICI MA ESSENzIALI: PENSA FRUGALE, SII FLESSIBILE, E GENERA UNA CRESCITA
DIROMPENTE. PER CHI TRA NOI È ABITUATO A LAMENTARSI, CI DISPIACE,
NON CI SONO PIù SCUSE
di Greta Scarpa
Jaideep Prahbu
aideep Prabhu è professore di Business e Impresa Indiana alla Jawaharlal Nehru University e direttore del
Centro per l’India & Global Business
alla Judge Business School, Università di Cambridge. Lo incontriamo a Milano, insieme al cocuratore di Jugaad Innovation (Rubbettino
editore) Leonardo Previ (l’altro curatore è Giovanni Lo Storto, direttore generale della
Luiss). Jugaad è un termine hindi utilizzato
per indicare una soluzione innovativa a una
necessità, nata dall’ingegno e dall’intelligenza.
Descrive, in sostanza, un processo di innovazione “improvvisato” che proviene dal basso,
ed è in grado di creare soluzioni efficienti a
costi contenuti. Jaideep ci porta in viaggio,
metaforicamente parlando, attraverso i mercati emergenti e spiega come mai si stanno imponendo a livello globale. Ecco quello che ci ha
detto.
J
L'innovazione Jugaad viene definita come
una rivoluzione culturale che sfida i modelli
EXIBARt 87 / 18
di produzione occidentale. Quali sono gli
aspetti della nostra cultura che andrebbero
rivisti in favore di una rinascita?
«Jugaad promuove un approccio alla vita creativo, ingegnoso. Ciò che abbiamo imparato
scrivendo il libro e dopo la sua pubblicazione,
è che questo tipo di approccio è molto attivo in
Paesi con poche risorse: India, Brasile, Africa,
ma anche nei Paesi più ricchi e sviluppati. Il
problema delle economie avanzate è che l'approccio creativo all'interno delle grandi imprese è compromesso da impostazioni mentali
e organizzative fisse, attraverso cui è impossibile concepire innovazione al di fuori dai reparti di Sviluppo e Ricerca. Se non arriva da
qui, non è innovazione, questa è l'idea. Questo
isolamento, tra gli innovatori Jugaad, è un
concetto superato. Essi infatti si aprono al dialogo con gli attori locali così da mettere a fuoco
i desideri della collettività. Va cambiata l' attitudine. L'abbondanza di beni materiali anestetizza l'ingegno. Noi di Jagaad siamo convinti
che lo sviluppo delle capacità umane sia legato
allo stato di necessità. Avere a disposizione
tutto quello che desideriamo non aiuta. Sicuramente la base sui cui poggia la cultura occidentale, quella dell'usa e getta, in cui se
qualcosa si rompe la si butta, ci ha portato a disimparare azioni come riparare o sostituire i
pezzi mancanti con elementi provenienti da
contesti diversi; siamo pigri».
Quindi che bisogna fare?
«Smettere di lamentarsi, gli italiani nello specifico si lamentano moltissimo per la crisi, e vivono nell'attesa che la situazione rientri. Il
punto è che non rientrerà, si è semplicemente
voltato pagina, ed è su questa pagina che dobbiamo scrivere. L'innovazione Jugaad insegna
a vedere il bicchiere mezzo pieno, anche in situazioni avverse e ricavare il massimo da
quello che si ha. L'America e l'Europa, che si
trovano in condizioni di scarsità di risorse e
crisi, invece che abbandonarsi al pessimismo
dovrebbero imparare dagli innovatori Jugaad
dei Paesi emergenti, e trasformare le avversità
ARgOmENtI/Il PENSIERO StRAtEgIcO/l'INtERVIStA/JAIdEEP PRABHU
in opportunità, coinvolgendo altri partners
per co-creare valore sociale a basso costo. La
Jugaad favorisce questo sguardo perché aiuta
ad allontanarsi dai luoghi comuni e a spingersi
in direzione di quanto appare a prima vista insignificante».
Basta questo?
«No, un'altra credenza da scardinare è quella
per cui bisogna tenere in considerazione l'opinione e il contributo delle sole persone di talento. Tutte le altre non valgono un gran che,
di conseguenza inutile creare attorno a loro
delle aspettative. Questa visione mortifica
l'uomo e crea emarginazione. Chi è immune all'emarginazione, ritiene questa condizione la
conseguenza di una mancanza di talento o di
iniziativa. La Jugaad guarda ai margini con
occhi diversi e vede delle opportunità. Là dove
gli altri vedono problemi noi vediamo capacità
di creazione imprevedibile. Se date all'escluso
l'attenzione e le condizioni per dar un contributo, esprimerà una capacità progettuale determinante nella generazione del nuovo.
Considerare i margini e prenderli sul serio genererà valori di qualità».
Parlando nello specifico di cultura, tutti sanno
che l'Italia possiede uno dei più grandi patrimoni artistico-culturale al mondo che non riesce a valorizzare appieno. Nella presentazione
del libro mi ha colpito come questo testo darebbe una spiegazione ai leader di tutto il
mondo sul perché Jugaad Innovation rappresenti un modello di business perfetto per questo momento storico. Vogliamo dare qualche
consiglio al nostro ministro dei Beni Culturali, Dario Franceschini?
«Sono d'accordo, l'Italia possiede non solo uno
straordinario patrimonio culturale, ma anche
imprenditoriale, la vostra storia è ricca di famiglie imprenditoriali che hanno generato, e
continuano a generare, economia e cultura nel
mondo. Questo patrimonio deve essere utilizzato per catturare e generare patrimonio
anche nel Paese. Ancora una volta per fare
questo serve un approccio mentale che permetta di vedere il bicchiere mezzo pieno. La
Jugaad porta a vedere quello che c'è. Per quel
che riguarda i giovani, è un bene se escono dal
Paese. A patto che poi ritornino. In Brasile è il
governo stesso a spingerli e a creare le condizioni perché facciano esperienza all'estero.
Crea allo stesso tempo dei ponti per permettere loro di tornare e contribuire allo sviluppo
del Paese. Questo è un punto importante; riuscire a guardare in prospettiva. La Jugaad
cerca di spiegare che se mancano i fondi, bisogna riuscire a fare di più con meno. Una mancanza di soldi non equivale a una mancanza di
idee e sono le idee a permettere ritorni in termini economici. Possono esserci molti investimenti, ma senza buone idee non è detto che
quei soldi fruttino. Il fondamento di questo
principio si basa sulla capacità di riuscire a
considerare risorsa tutto ciò che ci circonda, e
accessorio ciò che ci manca».
La Jugaad offre la soluzione ai maggiori problemi del mondo. Questa certezza ha evidentemente origini economiche. Ha anche
origini spirituali?
«Sì, la spiritualità è ingenuità e resilienza
umana. Consiste nel resistere, accettare il
cambiamento e farlo proprio. Rispondere creativamente alle avversità e ai problemi è un
modo per non rinunciare, utilizzando il nostro
patrimonio interiore. Il solo approccio mentale
non basta, lo spirito è fondamentale per
l'uomo. La Jugaad ti costringe a una collaborazione con gli altri».
«l'ABBONdANzA dI BENI
mAtERIAlI ANEStEtIzzA
l'INgEgNO. NOI dI JUgAAd
SIAmO cONVINtI cHE lO
SVIlUPPO dEllE cAPAcItà
UmANE SIA lEgAtO AllO
StAtO dI NEcESSItà. AVERE A
dISPOSIzIONE tUttO qUEllO
cHE dESIdERIAmO NON
AIUtA»
Possiamo citare qualcuno che in Italia si è
accostato all'innovazione Jugaad?
«Art for Business è un'associazione che aiuta
le organizzazioni a riconoscere il contributo
che l'arte può avere sulle persone attraverso
lo stimolo e l' apprendimento continuo che
offre. Oggi è un punto di riferimento per le imprese in Italia per lo sviluppo e la sperimentazione di metodologie Art-Based Learning:
l'Arte per affrontare specificità organizzative.
Art for Business ha dedicato una serata al
“saper fare senza” con protagonista il Maestro
Nicola Campogrande. Il contributo che l' arte
può dare a un contesto di scarsità è sintetizzato nell'opera rivista del Maestro, Tempi Burrascosi. Composta nel 2008, era destinata a
voce recitante e ad un'orchestra di 80 elementi. In quell'occasione è stata ridotta a una
voce, un pianoforte e una percussione. Secondo Art for Business questa operazione è
molto simile a quella che fa il manager, costretto a guidare un'impresa con risorse sempre più limitate. Il senso di questa serata spot
a Casa Museo Bagatti Valsecchi di Milano, dell'anno scorso, è mostrare agli imprenditori e ai
manager quanto possa essere fertile il “fare
senza”».
Jugaad Innovation, la presentazione del
libro a Milano
EXIBARt 87 / 19
Axel Hütte
Fantasmi e realtà
Galleria di Piazza
San Marco
Hiroshi Sugimotoo
Modern Times
Palazzetto Tito
to
5 giugno > 12
1 ottobre
Fondazi
zione
Bevila
lacqua la Masa
Com
mune di Venezia
5 giugno > 12 ottobre 2014
Hiroshi Sugimoto palazzetto Tito
Dorsoduro 2826, Venezia
Axel Hutte galleria di piazza
San Marco, 71/c, Venezia
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FONdAmENtAlI
di Guido Incerti
REM KOOLHAAS HA REALIzzATO UNA BIENNALE CHE FARà DISCUTERE A LUNGO. NON SOLO
PER LA DOMANDA SU QUANTO SIA STATA ASSORBITA LA MODERNITà, LE SUE CONQUISTE E LE
SUE ABERRAzIONI. MA ANCHE PERCHé METTE DAVANTI A DELLE SCELTE RADICALI SUL CHE
FARE. E NON SOLO IN ARCHITETTURA
undamentals”, titolo che Rem Koolhaas ha scelto per la sua XIV Mostra
di Architettura della Biennale di Venezia, sottolinea il bisogno di una ricerca collettiva – e senza tempo - degli
elementi cardine del progetto. Non è sfuggito
a nessuno la coincidenza con altre “radici”: la
Biennale dell’Archistar olandese ha avuto inizio mentre Venezia era colpita dal terremoto
giudiziario le cui indagini vedevano al centro
la corruzione dilagante legata al MOSE, il sistema di barriere mobili che dovrebbe difendere la città lagunare dalla acqua alta. Una
corruzione che paradossalmente, in Italia, appare uno degli altri elementi fondamentali di
cui necessita, spesso, l'architettura per potersi
realizzare.
Così, tra confronti (anche non voluti) di fondamenti, ha preso il via la Mostra internazionale
che, probabilmente per l'importanza globale
nell'ambito del mondo architettonico del suo
curatore sarà una delle Biennali di Architettura più discusse nella breve storia di questa
“F
EXIBARt 87 / 22
KOOlHAAS, FANtAStIcO
cOStRUttORE dI
ARcHItEttURE cOmE dI
ImmAgINI E dEl mONdO cHE
SI SOttENdE tRA dI ESSE.
cHE dA SEmPRE lAVORA SU
UN gIOcO dEglI OPPOStI, qUI
SEmBRA FAR SI cHE glI
OPPOStI cHIUdANO dUE
lEmBI dI UNA mEdESImA
StORIA. E, cHIUdENdO UN
cERcHIO, VAdANO
FINAlmENtE A tOccARSI
kermesse.
Fundamentals contiene al suo interno tre mostre complementari: “Absorbing modernity:
1914-2014”, nel quale per la prima volta i Padiglioni nazionali – tutti - sono invitati a sviluppare un unico tema. “Monditalia”, presso
le Corderie, dove, nel grande omaggio a questa
Italia da sempre laboratorio in bilico tra caos
e piena realizzazione di una propria (ma non
solo nostra) identità, Koolhaas inserisce, secondo la sua naturale inclinazione per la multidisciplinarietà, un programma in cui fonde,
per la prima volta, tutte le discipline rappresentate dall'istituzione Biennale di Venezia.
Abbiamo quindi all'interno dell'allestimento alcuni “teatri” dove via via si svolgeranno performance teatrali, di danza, musica e cinema.
Infine, al Padiglione Centrale troviamo la terza
esposizione: “Elements of Architectures”, risultato di una ricerca biennale svolta presso la
Harvard Graduate School of Design in cui
un’attenta analisi spoglia l'architettura – quasi
in una sorta di voyeurismo feticista – fino a lasciarne scoperto il solo scheletro fatto dagli
BIENNAlE ARcHItEttURA/ Il cURAtORE E lE SUE cREAtURE
elementi che per la maggior parte la compongono: pavimenti, pareti, soffitti, tetti, porte, finestre, balconi, corridoi, camini, servizi, scale,
scale mobili, ascensori, rampe.
Camminando così per i padiglioni nazionali,
non si può non notare come solo alcuni di essi
– o meglio alcuni dei curatori – siano riusciti
nell'intento di fare comprendere come la ricerca nazionale nell'architettura sia riuscita
in quella operazione di assorbimento della modernità e dei suoi valori che oggi si stanno liquefacendo sotto i nostri occhi. La
maggioranza dei padiglioni sembra mostrare
Paesi che ancora sono alla ricerca di una modernità pienamente compresa. E che forse mai
la comprenderanno appieno. Si può però citare
il Padiglione francese il cui curatore Jean
Louis Cohen, affida al Mon oncle di Jaques Tati
e alla villa Arpel, set del film del 1958 tanto
quanto suo protagonista, un’analisi dissacratoria sull'assorbimento della vita moderna da
parte della società, tanto quanto i limiti che
essa le impone. Limiti che però vengono superati da menti preparate, quali furono ad esempio quella di Jean Prouvè, figura trasversale e
autodidatta tra architettura, design.
“Monditalia” vede invece una ricerca estremamente interessante che ha come “case studies”
l'Italia. Come detto, un Paese da sempre in
equilibrio (o squilibrio) precario (o strutturale) tra caos e crescita sotto tutti i punti di
vista: politico, sociale, economico. Terra,
quindi, piena di contraddizioni e di contrappunti, come lo è questa mostra secondo l'ottica
che da sempre Koolhaas utilizza per i suoi progetti e ricerche. Monditalia è una scansione
dell'Italia – quale laboratorio sotto gli occhi di
tutti – di cui vengono esibite le condizioni quasi
uniche in cui il Paese è cresciuto. Tra le installazioni manca – paradossalmente e provocatoriamente – una parte legata al ruolo appunto
della corruzione e di una certa criminalità che
vuoi o non vuoi ha influenzato lo sviluppo
dell’Italia, spesso più figlio di pratiche criminali che di pratiche legate al bene comune.
Uno stato di angoscia ci prende ad esempio
guardando il lavoro di Elena Pirazzoli e Roberto Zancan sull'influenza avuta sul design
e sullo spazio urbano delle stragi che il nostro
Paese ha subito e dei circa 14mila episodi di
questo tipo che l’Italia ha vissuto. Un filone che
dovrà essere necessariamente approfondito,
come la maggior parte di quelli messi in mostra da talentuosi giovani ricercatori ed architetti a “Monditalia”.
“Elements of Architecture” invece è un nuovo
starting point per l'architettura, che torna
però alla base della stessa. È paradigmatico
che questo passaggio sia ancora una volta segnato da Rem Koolhaas in quella che è, a mio
parere, una grande mostra di architettura. La
migliore delle ultime edizioni. Dove ogni cosa
viene rimescolata per ripartire. Colui che ha
inventato – in un certo qual modo – la figura
dell'Archistar, ritorna alla base di quello che fu
il suo Delirious New York un libro (vendutissimo per quanto lo può essere un libro di architettura) nel quale veniva spiegato come un
elemento oggi fondamentale – l'ascensore dava la possibilità di realizzare quel monumento alla densità che è New York.
Koolhaas, fantastico costruttore di architetture come di immagini e del mondo che si sottende tra di esse (AMO – OMA, gli acronimi dei
suoi studi a Rotterdam, New York, Pechino e
Hong Kong). Koolhaas, che da sempre lavora
su un gioco degli opposti, qui sembra far si che
gli opposti chiudano due lembi di una medesima storia e, chiudendo un cerchio, vadano finalmente a toccarsi.
L'immagine – presente come normale nella
contemporaneità - qui torna a lavorare as-
sieme alla materia e alla immagine che via via
questa materia ha generato (a volte vera come
un elemento strutturale a volte falsa come lo
può essere un controsoffitto) . Si torna appunto al via, ai fondamentali di entrambe: materia e immagine. Probabilmente perché era
diventato chiaro che, se dobbiamo cercare di
ripartire da qualcosa, se dobbiamo completamente (e finalmente) assorbire la modernità,
le sue conquiste come le sue aberrazioni, come
in quella società reale/irreale di cui Guy Debord aveva già capito tutto, non possiamo che
fare due cose. Una rivoluzione o ripartire dai
fondamentali. Da una lettura attenta del
mondo che ci circonda e dei suoi elementi.
Da sinistra:
Beatriz Colomina, Britt Eversole, Ignacio G. Galán,
Evangelos Kotsioris, Anna-Maria Meister, Federica
Vannucchi, Amunátegui Valdés Architects, Smog.tv
Radical Pedagogies: ACTION-REACTION-INTERACTION
14.Mostra Internazionale di Architettura,
Fundamentals, la Biennale di Venezia
Photo By Giorgio zucchiatti
Courtesy la Biennale di Venezia
MONDITALIA
14.Mostra Internazionale di Architettura,
Fundamentals, la Biennale di Venezia
Photo Giorgio zucchiatti
Courtesy la Biennale di Venezia
EXIBARt 87 / 23
Il KIt dEl VIANdANtE
IN UN’EPOCA RELATIVISTICA COME LA NOSTRA, RICERCARE LE “ORIGINI” PUò APPARIRE UN
CONTROSENSO. MA DI UNA BUSSOLA D’ORIENTAMENTO C’È SEMPRE BISOGNO. ANCHE PER CHI
ATTRAVERSA LA MODERNITà, MA CERCA UN LUOGO DOVE FERMARSI
di Riccardo Caldura
n elenco degli elementi principali, una nomenclatura dell’edificare quasi a richiamare il bisogno di una verifica approfondita per dar conto di cento anni di una disciplina che ha
cambiato l’aspetto delle nostre città. Parlare di fundamentals, significa anche riflettere sull’origine di quegli elementi. D’altronde, indicando l’arco di un secolo quale periodo di osservazione, si
sottintende vi sia una vicinanza anche temporale fra queste due parole chiave che hanno riguardato non solo l’architettura, ma anche la
storia e il concetto di modernità. Parlare di fondamento e origine in
un’ epoca profondamente relativistica come la nostra impressiona
non poco, e se ne farebbe volentieri a meno. Ma non si può negare che
riflettere su quali siano gli elementi primi, costitutivi, e in grado di
orientare non solo una disciplina, ma la stessa fase temporale che
stiamo vivendo, sembra rispondere alla odierna incertezza sulla direzione da prendere. Fare e rifare il punto, consultare e aggiornare
mappe per poter controllare non solo dove si vada, ma anche dove ci
si trovi, è una esigenza che contraddistingue il nostro tempo, e non
da oggi. Insomma il Where does art stand today? pronunciato nel
1955 da Arnold Bode non smette di riguardarci, e per questo basta
davvero poco per aggiornarlo al Where does architecture stand
today?
J.J. Winckelmann per orientarsi, e rifare il punto, pensò di rivolgersi all’antica Grecia, come se solo sotto il clima di quella lontana stagione, grazie a quelle forme, fosse possibile intravedere una direzione
per le arti del suo tempo; vuote, a suo dire, di pensiero. Il classico
aveva un valore riconosciuto da tutti (almeno allora) per questo poteva esser posto a fondamento, ed origine, per un nuovo possibile avviarsi. Il senso della modernità si viene così definendo con un
meraviglioso ossimoro: neoclassicismo. Ma nel momento stesso che
U
EXIBARt 87 / 24
l’origine e il fondamento vengono collocati in un determinato e specifico momento storico, anche se esemplare e condiviso, inizia un rovello analitico, un porre sotto il vetrino del microscopio cosa sia
effettivamente da intendere come classico. È un rovellarsi che modifica progressivamente il senso di quel che sembrava un riconosciuto
parametro di riferimento, un punto fermo da cui ripartire. Così che
infine non si tratterà più di individuare un punto di provenienza storicamente definibile, ma chiedersi piuttosto se non sia un certo modo
di intendere il comporsi funzionale delle parti in un insieme, il riferimento che non muta con il cambiare dei tempi e con il succedersi delle
epoche. Se il classico è solo uno stile (con le sue varianti) storicamente determinabile, e di cui si potrà repertoriare le diverse manifestazioni formali, fino a giungere all’eclettismo che contraddistingue
la seconda parte dell’Ottocento, forse rispetto alla questione dell’origine e del fondamento, sarà più importante comprendere se non siano
da ricercare nella natura quegli elementi che danno stabilità e che
permettono di riorientarsi.
La legittimità del costruire cerca, passaggio di grande rilievo, non
nella storia la sua ragione d’essere, quanto nelle manifestazioni della
natura: vista come inorganica e minerale, o come organica e vegetale.
La prima accezione punta a definire una sorta di eternità della forma
geometrica, la seconda accezione invece a considerare una dimensione organicistica e processuale. Alle forme perfette delle gemme che
riposano nel grembo della Terra potranno esser fatte risalire certe risoluzioni della architettura utopista di un Ledoux e ancora di più di
un Boullée, opere che sembrano concepite, come è stato osservato,
da un Divino Cristallografo. Oppure si può far riferimento alla dimensione organica e alla crescita vegetale, tracciando così un itinerario
che va dall’intravedere nei filari di un bosco l’origine dello slancio
BIENNAlE ARcHItEttURA/RIPENSAmENtI
delle cattedrali, al duo Schwitters/El Lissitzky che nel numero 7/8
della rivista Merz metterà in copertina l’etimologia latina della parola
natura derivata da nasci, proponendo precisi parallelismi fra prodotti
della natura e prodotti dell’attività umana. Cambia poco, concettualmente, se l’orizzonte della natura non è più costituito dall’insieme
delle cose percepibili che compongono il paesaggio o l’ambiente circostante, ma da quelle impercepibili rilevate dalla microbiologia piuttosto che dalle teorie fisiche contemporanee. Queste ultime, in
particolare, sono state foriere di intuizioni futuristiche che avrebbero
aggiornato le forme dell’arte agli effetti della luce e della velocità. In
questo senso vi è della coerenza, quasi didattica, nell’esporre i dispositivi di un laboratorio di fisica quantistica, utilizzati per lo studio dei
fotoni entangled, in una grande manifestazione internazionale d’arte.
Le esperienze ora ricordate risalgono a circa un secolo fa, e si potrebbe considerarle come il vero inizio della modernità, inizio che non
coinciderebbe dunque più con il plesso illuministico (e dunque neoclassico), ma piuttosto con l’intensa stagione ‘critica’ delle avanguardie storiche. Verrebbe da riprendere la domanda che si poneva Mark
Lewis (co-editore di Afterall) nel primo volume del Reader, “Modernity?”, editato in occasione della XII edizione di Documenta, “Is Modernity our Antiquity?”. Certo, la modernità è il nostro antico, purché
la si consideri come il riposizionamento di quel binomio (origine/fondamento) a cui si affida, di volta in volta, il compito di definirla.
La mappa in grado di indicare, se non la provenienza, almeno un
punto di partenza, e, possibilmente, anche verso dove ci si diriga, a
guardar bene, non è che uno degli elementi in gioco: l’altro siamo appunto noi che, staccando per un momento gli occhi dalla mappa, prendiamo coscienza della nostra condizione di viandanti. E come dei
viandanti che si fermino a fare il punto per timore di perdersi, la meta
verso casa - intendendo con l’immagine della casa la complessa condizione dell’abitare- sembra difficile da trovare. Che l’alba della modernità, o meglio di una delle modernità possibili, sia neoclassica,
segnalava già con illuministica chiarezza come il volgersi verso la Grecia non avrebbe potuto restituire alcuna possibilità di appaesarsi in
quello, o in altro, luogo più o meno lontano. Joseph von Eichendorff
mette in versi in maniera molto esplicita questa condizione, tipica del
sentire romantico, in uno dei suoi Wanderlieder, cantato da giovani
musicanti praghesi senza fissa dimora (canto che potremmo, senza
molta fatica, aggiornare ai nostri giorni). Attraverso campi gelati, con
i mantelli svolazzanti e le scarpe ormai completamente sfondate, intonavano in coro: Beatus ille homo / Qui sedet in sua domo / Et sedet
post fornacem / et habet bonam pacem! Il viandante, una delle figure
per eccellenza che contraddistinguono la modernità, così come quei
coraggiosi e sperduti praghesi, desidera una rasserenata sedentarietà. Desidera sentirsi a casa (possibilmente la propria), appaesato
e appagato, riconoscendosi in una prossimità affabile. Questa temperatura affettiva della domus pur se continuerà ad influenzare la concezione moderna dell’abitare, sembra essere però una residua,
romantica, resistenza verso quello che era, e continua ad essere, il
fenomeno socialmente più eclatante della modernità: cioè lo sradicamento dovuto al processo di globalizzazione connesso allo sviluppo
del mercato mondiale delle merci. Rifare i conti con la casa, cioè con
il senso stesso dell’abitare nella modernità - per non andare alla deriva in quella Mobilmachung già efficacemente descritta da Marx nel
suo celeberrimo Manifesto - implica non più volgersi indietro, verso
un qualche passato, quanto piuttosto passare al vaglio ogni elemento
dell’umano abitare, osservandone le caratteristiche elementari, basiche, così da poterle riprodurre ad ogni approdo, lungo qualsivoglia latitudine, ci scaglierà la globalizzazione. Al viandante romantico che
anela ad un sereno appaesarsi, sarà possibile rispondere che la sua
casa può essere ovunque. Analogamente alle merci, l’abitare viene
assumendo caratteristiche di dislocabilità e riproducibilità, grazie ad
un efficiente kit di montaggio ricavato dal severo lavoro di vaglio a
cui è stato sottoposto ogni elemento ricevuto dalla ‘tradizione’ non
meno che dalla natura, ricompilando l’elenco delle nomenclature e
delle funzioni in vista della creazione di un ubiquitario international
style, che renda possibile al viandante risiedere nei più diversi luoghi.
Lo screening proposto dalla straordinaria costellazione di autori nei
primi decenni del Novecento, aveva con piena consapevolezza considerato non solo l’architettura, l’urbanistica e il design, compresa la
loro funzione sociale, oltre ovviamente all’arte, ma anche le potenzialità insite nel rapido evolversi della tecnologia. Osservando in una personale di Lisl Ponger, alla Secession di Vienna, la classicheggiante
statua di un giovane, a torso nudo, che consulta il suo mobile device,
era difficile non chiedersi se non sia quest’ultimo oggetto l’autentica
chiave di volta, il dispositivo dei dispositivi, in grado di concretizzare
il sogno che sembrava impossibile: far sì che il viandante, grazie alla
progressiva miniaturizzazione di componenti hi-tech, abbia a disposizione quel nécessaire che gli permette di sentirsi a suo agio ovunque, liberandolo dall’hardware delle cose. E smettendo così, forse
felicemente, di desiderare una propria dimora.
Oppure è tempo di rifare i conti con una, non prevista dai devices, densità del reale? Considerando magari come quella applicazione, Maps,
che stiamo consultando per orientarci, ci stia indicando che la Grecia
effettivamente è molto vicina, per non dire sotto casa.
lA lEgIttImItà dEl cOStRUIRE cERcA,
PASSAggIO dI gRANdE RIlIEVO, NON NEllA
StORIA lA SUA RAgIONE d’ESSERE, qUANtO
NEllE mANIFEStAzIONI dEllA NAtURA:
VIStA cOmE INORgANIcA E mINERAlE,
O cOmE ORgANIcA E VEgEtAlE
Lisl Ponger
The vanishing middle class. Secession,
Vienna 2014
EXIBARt 87 / 25
M9
TRANSFORMING THE CITY
VENICE 07.06 › 28.09.2014
M9 is a project by
Fondazione di Venezia
Dorsoduro 3488/U
www.m9museum.it
t. +39 041 2201211
ufficioM9@fondazionedivenezia.org
Monday › Saturday
10am - 5pm
Closed Sundays
BIENNAlE ARcHItEttURA / lA mOStRA
UN cORPO cHE
ImPRIgIONA
I cORPI
È UN PERIODO STORICO IN CUI NON SI RISPARMIA IL “CONFINO” IN STRUTTURE APPOSITAMENTE
CREATE. MA POCO SE NE PARLA, ANCORA MENO DELLA LORO COMPOSIzIONE “CREATIVA”. Sì,
PERCHé ANCHE LA PRIGIONE, GLI OSPEDALI E TUTTI GLI EDIFICI DI “CONTENzIONE” HANNO
ANCHE UN CORPO ARCHITETTONICO, FUNzIONALE PER I CORPI CHIAMATI AD OSPITARE.
DI QUESTO E DI ALTRE PAGINE SCURE SI PARLA INVECE ALLA GIUDECCA, ALLA CASA DEI TRE
OCI, IN UNA MOSTRA CHE NON LASCIA MOLTO SPAzIO ALLA POESIA. MA RICONOSCE ALL’ARTE
IL POTERE DI RENDERE TANGIBILE IL RUMORE DELLA CONDANNA
di Matteo Bergamini
eclusi, sorvegliati. E puniti. Un incipit che non nasconde la sua
aderenza al celebre saggio di Michel Foucault, Surveiller et
punir: Naissance de la prison, edito nel 1975. Alla Casa dei Tre
Oci le teorie del grande filosofo sono traslate in una serie di interventi che raccontano per particolari il “corpo”, fisico e architettonico, della reclusione. “IK-00 The Space of Confinement”, è il titolo di
una mostra originale e asciutta (organizzata dalla V-A-C Foudation di
Mosca) che non è approdata qui per caso, a due passi dal carcere femminile della Giudecca.
Dopo la bella esposizione dedicata al doppio dialogo tra Pawel Althamer
e Anatoly Osmolovsky, messa in scena l’anno scorso durante la Biennale Arte (quasi un “contro-padiglione” sovietico), anche stavolta ai Tre
Oci si fa centro con una buona dose di nomi dell’Est, compresi quelli storici come Mikhail Nesterov, visti nella loro capacità di descrivere le
condizioni d’isolamento e, in questo caso, anche come fondatori dell’
“ideologia” del paesaggio russo: sempre sterminato, con la doppia identità di campo di prigionia o di libertà.
E mentre tutt’intorno si chiacchiera di “comunità”, di spazi condivisi,
di “fondamenti” dell’abitare, qui si opera una cesura, lasciando fuori
dalla porta le identità “non funzionali” all’andamento armonico, postcapitalistico, produttivo, della società: folli, criminali, esaltati, dissidenti. Lo spazio della Giudecca diventa così a turno una stanza
d’ospedale, una piccola chiesa, un laboratorio: tutti luoghi nei quali
un’entità “superiore” ci sorveglia costantemente, proprio come nel pa-
R
lAScIAtEVI AttRARRE dAllO ScHERmO cHE
tROVAtE SUl FONdO dI UNA StANzA Al PIANO
tERRA E INIzIAtE A StUdIARE l’AlgORItmO cHE
VI PERmEttERà dI VEdERE RIAPERtA lA PORtA
AllA VOStRE SPAllE. SE SAREtE FORtUNAtI, E
ARRENdEVOlI, FORSE qUAlcOSA SUccEdERà.
AltRImENtI FAtEVI INdIcARE Il PROcESSO dI
“lIBERAzIONE” dA UN gUARdIASAlE.
E cAPIREtE lA cONdIzIONE dEl RASSEgNAtO
PIù dI qUANtO VI POtREBBERO RAccONtARE
mIllE SEdUtE dI PSIcOANAlISI
IK-00
Valentin Fetisov
Installation of experience, 2012
Courtesy l’artista
immagine courtesy of Sharjah Art Foundation
EXIBARt 87 / 27
VENEzIA / lA mOStRA
IK-00
Sam Durant, Gallows Composite B (Billy Bailey gallows, Lincoln Cospirator gallows,
John Brow gallows), 2008. Wood, metal, mirrors and basement.
Courtesy l’artista e Praz-Delavallade, Parigi
nopticon di Jeremy Bentham. Non è un caso che si cominci quasi chiudendo l’ingresso dello spazio, con una serie di transenne di metallo di
quelle usate per arginare la folla ai concerti, o per obbligare un percorso. È l’installazione Barriere, di David Ter-Oganyan. Forse poco originale, forse tautologica, ma di certo non è così comodo dover osservare
dal recinto le immagini non troppo grandi di Donovan Wylie, scattate
nel 2004 al carcere irlandese di Maze, dove lo stesso artista era stato
recluso negli anni ’70 come prigioniero politico. Il colore neutro delle
architetture di questa strana casa circondariale diffusa, chiamata
blocco H, si riflette anche nella negazione di un formato ampio: tutto
resta in una dimensione paradossalmente molto domestica, dove gli
spazi sono indagati con l’occhio della guardia, sorvegliati da un umanomeccanico abituato a cogliere le “differenze” dallo status quo della condizione di chiusura.
C’è poi invece l’occhio elettronico che chiude la porta a vetri dietro di
noi, nell’Installazione dell’Esperienza di Valentin Fetison. Lasciatevi
attrarre dallo schermo che trovate sul fondo di questa stanza al piano
terra dei Tre Oci, e iniziate a studiare l’algoritmo che vi permetterà di
vedere riaperta la porta alla vostre spalle. Se sarete fortunati, e arrendevoli, forse qualcosa succederà. Altrimenti fatevi indicare il processo
di “liberazione” da un guardiasale, e capirete la condizione del rassegnato più di quanto vi potrebbero raccontare mille sedute di psicoanalisi.
Seppure questa sia l’unica installazione funzionante con la presenza
del pubblico, nei tre piani dello spazio espositivo si ha l’impressione di
essere coinvolti, sempre. Da quegli spazi sterminati che sono i veri carceri delle regioni remote dell’Est, alla prepotenza del mondo onirico
delle detenute della struttura femminile della Giudecca, le cui testimonianze sono state raccolte da Rossella Biscotti, nella serie Ho sognato
che ti trasformavo in un cat…gatto… ha ha ha, non c’è sala che non vi
farà correre almeno un brivido lungo la schiena.
Perché l’architettura di cui si parla alla Casa dei Tre Oci è stata costruita dall’uomo “giusto” per i suoi simili “deviati”: ce lo sbatte chiaramente in faccia Harun Farocki, che ci guida nelle Immagini di Prigioni,
EXIBARt 87 / 28
sessanta minuti tra manicomi, bambini affetti da sindromi di Down in
istituti, passi da caserma e ore d’aria che ci scorrono davanti agli occhi,
mentre siamo chiamati a sederci sugli scheletrici banchi di una chiesa,
compresi di inginocchiatoi. Incappando nell’altra funzione della reclusione: quella dell’espiazione, quasi a ricordare la pratica del supplizio,
per la quale il corpo del criminale doveva ricevere lo stesso trattamento
fisico di quello della vittima, di fronte al pubblico. Era quello che accadeva un poco sotto ai patiboli, miniatura che in IK-00 è rimessa in
scena, sottoforma di perfetti modellini, da Sam Durant. L’artista di Seattle, inoltre, installa alle pareti una serie di disegni su carta che raccontano la pena capitale statunitense in forma illustrata: sedia
elettrica, camera a gas, iniezione letale, solo per citarne alcune. I tre
piccoli “palcoscenici” per impiccagione, invece, sono posizionati sopra
altrettanti cubi dalla faccia specchiante: «Lo specchio interessa Durant
per il suo potente contenuto simbolico. Lo spettatore si trova coinvolto
nel lavoro, sia attraverso l’immagine riflessa, sia attraverso il processo
stesso di riflessione», scrive la curatrice, Katerina Chuchalina.
Insomma, niente spazi morbidi o filosofie di cooperazione: è un’architettura difficile quella di IK-00, che lascia poco spazio alla riflessione
giusto-sbagliato, ma piuttosto sembra intrisa dei grandi dilemmi della
rieducazione, come nel lavoro di Jonas Staal che mette a punto Arte,
Proprietà della politica III: Architetture Chiuse, partendo dalla tesi di
laurea di Fleur Agema: Membro dell’estrema destra tedesca, la Agema
(classe 1976) scrisse un “trattato” in cui il concetto di prigione e “rieducazione” passava attraverso quattro stadi: Bunker, Adattamento, Attesa e Luce.
Ovviamente chi meglio si comportava, secondo le regole, aveva la prelazione ad avvicinarsi nel tempo più breve alla libertà. Ma che valore
ha una libertà guadagnata a forza di passi forzati, di percorsi obbligati,
di dogmi rispettati? Dove finisce l’imposizione, la dittatura, e dove può
arrivare –tornando a capo – la rassegnazione che permette di “uscire”,
privati probabilmente delle proprie aspettative e delle idee?
C’è materiale per riflettere, ai Tre Oci, in una delle mostre decisamente
più interessanti di tutto il panorama lagunare.
Museo In
Internazionale
ternazionale delle Ceramiche
Ceramiche in Faenza
Faenza
www.micfaenza.org
w
ww.micfaenza.org
LA CERAMICA
C ERA MIC
CHE
C
HE CAMBIA
CAMB
La scultur
sculturaa cer
ceramica
amica in It
Italia
dal sec
secondo
ondo dopoguerr
dopoguerra
da FFontana
ontana a Leoncillo
Leoncillo, da
DĞůŽƫĂKŶƚĂŶŝ
DĞůŽƫĂKŶ
ƚĂŶŝ
28 giugno 2014
1 ffebbraio
ebbraio 2015
patrocinio di
Con il patrocinio
Con il ccontributo
ontributo di
Questa mostra
mostra rien
tra
Questa
rientra
ŶĞůůĞŝŶŝnjŝĂƟǀĞ
ŶĞůůĞŝŶŝnjŝĂƟǀĞ
Media partner
Leoncillo Leonardi, >ĂĚĂƫůŽŐƌĂĨĂ, 1949
sostegno di
Con il sostegno
MARCO TIRELLI
MELISSA KRETSCHMER
ETTORE SOTTSASS
OPENING SETTEMBRE 2014
Largo Cristina di Svezia, 17
Rome
www.giacomoguidi.it
photo Leonardo Aquilino
SPECIALE
ROMA
Anna Franceschini
Colosseo
still da video. Courtesy l’artista
lA cAPItAlE dI UN PAESE
cHE NON SI VUOlE PIù BENE
IL DIRETTORE DELLA FOTOGRAFIA DELLA GRANDE BELLEzzA DI PAOLO SORRENTINO TRATTEGGIA UN QUADRO DESOLANTE DI ROMA. EPPURE È UNA CITTà CHE CON LA SUA RICCHEzzA
ARTISTICA LOTTA CONTRO L’IMBARBARIMENTO. DA CUI L’ITALIA TUTTA DEVE USCIRE
di Alessandra Angelucci
C
hi meglio di Luca Bigazzi, che Roma l’ha scovata nei suoi
angoli meno noti, l’ha fotografata nel suo splendore e
nella sua decadenza, può parlare di come si presenta
oggi la Città Eterna.
E il bilancio non è affatto positivo, nonostante un amore
viscerale che trasuda pure dall’amarezza e dalle critiche. Sentiamo come racconta lui Roma.
Lei è nato a Milano ma, per lavoro, ha da tanti anni un contatto diretto con Roma. Com’è oggi questa città?
«A Milano, dove sono nato, ho vissuto tutta la mia infanzia. Solo negli
anni Ottanta, per motivi di lavoro, ho cominciato a frequentare Roma
e, inizialmente, sono rimasto sbalordito dalle meraviglie di questa città.
Per me la più bella d’Europa. Nel corso degli anni, però, vivendola maggiormente, ho assistito al continuo degrado in cui è caduta. Le ragioni
non sono soltanto politiche, ma direi anche oggettive, riferibili all’aspetto visivo e urbanistico. Ricordo una Roma degli anni Ottanta che
non c’è più. I palazzi di Roma erano dipinti con una vernice a tempera:
un rosso molto particolare che con il cadere della pioggia creava delle
strane scoloriture sulle facciate dei palazzi. Con il gioco della fantasia
era possibile riconoscervi i lineamenti di strane figure. Poi queste vernici sono state sostituite da quelle al quarzo: inossidabili, indistruttibili,
soggette solo a screpolature. Ciò ha dato un colore diverso alla città,
un’immagine altra: l’ha resa più svizzera all’interno di un degrado sempre maggiore: confusione, traffico, sporcizia, maleducazione. È una
città che non riconosco più e che di certo non mi suscita ancora quel fascino e quello stupore che aveva anni fa: una città fuori dal tempo.
Penso anche al centro storico, che è stato colonizzato definitivamente
da classi non più popolari: una specie di “divertimentificio” serale per
giovani ubriachi».
Dato il degrado di cui parla, quando è a Roma cosa fa?
«Me ne vado al cinema. Perché per fortuna a Roma esistono ancora dei
luoghi che proiettano film anche in lingua originale, nonostante la scan-
EXIBARt 87 / 32
«ROmA ERA mERAVIglIOSA Ed AVEVA UN
FAScINO cHE OggI HA SmARRItO NEl dEgRAdO
cHE lA AVVOlgE. tROVO cHE ANcHE dAl
PUNtO dI VIStA dEll’OFFERtA cUltURAlE cI
SIA UNA gRANdISSImA cRISI. Ad ESEmPIO
Il PAlAzzO dEllE ESPOSIzIONI, cHE è StAtO
cHIUSO PER ANNI, dOPO Il REStAURO SI
PRESENtA cOmE UN lUOgO cHE NON VIENE
qUASI mAI VISItAtO. VENgONO FAttE POcHE
mOStRE. E qUEllE POcHE SONO UNA SPEcIE
dI tEAtRINO ItINERANtE mERcIFIcAtO»
dalosa chiusura del cinema Metropolitan. Una totale indifferenza dell’amministrazione di fronte a qualcosa che non doveva accadere. È un
bene, però, che esistano ancora altre sale in cui potere andare».
Però, nel film La Grande Bellezza - di cui ha diretto la fotografia - si
mette in luce un evidente amore per i tesori artistici romani.
«Sì, La Grande Bellezza parla anche di questo: una città meravigliosa,
custode di un inestimabile patrimonio d’arte. Mi riferisco ai momenti
in cui Sabrina Ferilli e Tony Servillo entrano nei luoghi più conosciuti,
ma che hanno anche un’aura di mistero. Pensiamo ai paesaggi notturni,
ai Musei Capitolini, a Villa Medici. Esempi di un’arte che per fortuna
resiste. La città, però, viene mostrata anche nel suo degrado più vistoso: la scena iniziale di una festa volgarissima, che si svolge sul terrazzo di un palazzo in pieno centro, è un contrasto voluto. I film di Paolo
Sorrentino, infatti, hanno al centro una critica sociale e politica, raccontano l’imbarbarimento della società attuale. Tutto ciò, forse, è stato
capito solo in parte dagli Italiani. E questo è triste».
Un decadimento che nel film si lega anche all’evidente deformazione
con cui si osserva il mondo dell’arte.
«Il film di Sorrentino ha anche la funzione di rendere in maniera grot-
l’INtERVIStA/lUcA BIgAzzI
a sinistra:
Luca Bigazzi
«PER FORtUNA qUAlcOSA cHE RESIStE
A ROmA c’è: UNA SOVRABBONdANzA
dI cAPOlAVORI dEll’ARtE E dI mERAVIglIE
ARcHItEttONIcHE cHE dIFFIcIlmENtE SI
cANcEllERANNO. RESIStONO cOmE OASI
dI BEllEzzA dENtRO lA mOStRUOSItà»
tesca la realtà che stiamo vivendo, in tutti i campi. Compreso quello artistico. La scena dell’artista Talia Concept, che realizza una performance “stravagante” lungo l’acquedotto romano, è chiaramente
un’amplificazione di alcuni atteggiamenti deformati della body art.
Viene subito da pensare a Marina Abramović, ma sia io che Paolo
amiamo l’arte di Marina. Quindi non c’è un esplicito riferimento a lei,
ma ad una certa falsificazione artistica fine a se stessa. “La Grande Bellezza” è un film che, in generale, irrita un po’ tutti perché è ai difetti di
tutti che si rivolge. Più vedo gente irritata, tanto più credo che questo
film abbia raggiunto il suo scopo».
Di fronte a tutta questa incuria, c’è qualcosa che secondo lei resiste?
«Certo. Per fortuna qualcosa che resiste a Roma c’è: una sovrabbondanza di capolavori dell’arte e di meraviglie architettoniche che difficilmente si cancelleranno.
Resistono come oasi di bellezza dentro la mostruosità. Ma trovo che
anche dal punto di vista dell’offerta culturale ci sia una grandissima
crisi. Ad esempio il Palazzo delle Esposizioni - che è stato chiuso per
anni - dopo il restauro si presenta come un luogo che non viene quasi
mai visitato. Vengono fatte poche mostre: e quelle poche sono una spe-
cie di teatrino itinerante mercificato. Penso anche ad altri luoghi meravigliosi che non vengono utilizzati al meglio o nelle loro potenzialità,
come il MAXXI ad esempio. Insomma una città che viene poco sfruttata
nelle sue reali possibilità. I turisti non vengono a Roma per vedere le
mostre, come si può fare a Londra o a Parigi. Questo tipo di turismo è
perso, perché non c’è un’offerta culturale degna».
Perché accade questo?
«In Italia, al di là dello specifico caso di Roma, accade questo perché nei
tremendi anni berlusconiani è passata l’idea che la cultura sia parassitaria, che la cultura non sia motore dell’economia. L’idea “tremontianbrunettiana” che con la cultura non si mangia ha ridotto il nostro Paese
ad uno stato di deprivazione spaventosa. E i risultati di questo processo
si vedono in maniera clamorosa a Roma, più che altrove».
Quale soluzione, dunque?
«L’Italia deve pensare che l’arte, la cultura sono un motore di sviluppo
economico e non attività parassitarie e inutili. Questo è un Paese che
non si vuole più bene, che non riesce più a vedere la bellezza che ha intorno e che crea. E in tutto questo caos, non posso non pensare che tutto
ciò sia il risultato di venti anni di tremenda politica che forse sono passati, speriamo».
EXIBARt 87 / 33
SPEcIAlE ROmA/I lUOgHI
LA GEOGRAFIA ROMANA DEI LUOGHI DELL’ARTE CONTEMPORANEA È VASTA E ARTICOLATA.
COMPRENDE MUSEI, FONDAzIONI PRIVATE, ACCADEMIE STRANIERE, SPAzI NO PROFIT
O MEGLIO, COME ABBIAMO DETTO, TRA PROFIT E NON PROFIT. COMINCIAMO CON
IL RACCONTARVI I MUSEI, PRESENTANDO IL PIù IMPORTANTE, IL MAXXI – ISTITUzIONE
STATALE DIVENTATA FONDAzIONE PER GODERE DI MAGGIORE AGILITà GESTIONALE
E FINANzIARIA - ATTRAVERSO LA VIVA VOCE DEL SUO DIRETTORE, HOU HANRU. E POI GLI
ALTRI, COMPRESO L’ALTRO BIG COMUNALE, IL MACRO, CON UN INTERVENTO CHE MIRA A FAR
VEDERE QUELLO CHE LE VARIE ISTITUzIONI ROMANE POTREBBERO DIVENTARE. ABBIAMO
INFINE PENSATO DI MAPPARE I MUSEI MINORI, DECISAMENTE MENO NOTI, ATTRAVERSO
DELLE SCHEDE SPECIFICHE
IdEE NUOVE
PER UNA cIttà EtERNA
CHE FARE? DEI MUSEI CHE FUNzIONANO (MA CHE POTREBBERO FARE MEGLIO) E DI QUELLI
CHE ARRANCANO E RISCHIANO ADDIRITTURA DI CHIUDERE? DI ISTITUzIONI STORICHE COME
LA QUADRIENNALE E PALAzzO DELLE ESPOSIzIONI? INVECE DI MAPPARLI UNO AD UNO,
PENSANDO CHE SONO TUTTI GIà ABBASTANzA NOTI, ABBIAMO SCELTO DI CONCENTRARCI
SU DELLE PROPOSTE PER FARLI FUNzIONARE MEGLIO. MISSION IMPOSSIBLE, PROPRIO PERCHé
SI PARLA DI ROMA? NON È VERO. SENTITE QUI, CHE COSA SI PUò FARE IN QUESTA CITTà.
SUBITO
di Ludovico Pratesi
oma, fine maggio 2010. Una vera e
propria febbre per l’arte si diffonde in
città: dopo dieci anni si inaugura il
MAXXI costruito da Zaha Hadid ,
contemporaneamente si apre il MACRO con
l’ampliamento firmato da Odile Decq, e in alcuni palazzi storici è in corso la prima edizione
di “The Road to Contemporary Art”, la fiera
d’arte contemporanea improntata sul dialogo
tra passato e presente. La capitale sembra essere tornata ai fasti degli anni Settanta,
quando la mostra “Contemporanea”, voluta da
Graziella Lonardi e magistralmente curata
nel 1973 da Achille Bonito Oliva aveva portato il mondo della cultura internazionale
nella città eterna. Allora c’erano tutti, ma proprio tutti, e quel fermento che aveva portato
nel grande parcheggio di Villa Borghese Andy
Warhol e Christo era in realtà il fecondo seme
che avrebbe germogliato pochi anni dopo nella
straordinaria stagione dell’Estate Romana,
che si concluse in maniera memorabile nel
1981 con la proiezione del Napoleon di Abel
Gance sull’Arco di Costantino, uno spettacolo
R
EXIBARt 87 / 34
che si sarebbe inciso nella memoria dei presenti per sempre. Senza dimenticare un’altra
straordinaria coda artistica, la mostra Avanguardia Transavanguardia alle Mura Aureliane, firmata da Bonito Oliva nel 1982.
Un decennio caratterizzato da una visione, giocata sul rapporto attivo tra archeologia e contemporaneo, perseguita da intellettuali capaci
di coinvolgere il mondo internazionale intorno
ad una città capace di rendere attivo il proprio
patrimonio artistico, fondamenta e supporto
per un nuovo modo di vivere lo spazio urbano.
Così, in quelle assolate giornate di primavera
di quattro anni fa, di nuovo Andy Warhol e Joseph Beuys passeggiavano per contemplare la
basilica di Massenzio o la colonna Antonina, e
sembravano cominciare un nuovo e felice
Grand Tour tra i Mercati di Traiano e le sale
del MAXXI: una formula antica ma di sicuro
successo.
E oggi, dopo il successo internazionale di due
film come La Grande Bellezza e Sacro GRA,
che hanno mostrato, seppur in maniera differente ma ugualmente efficace una Roma so-
spesa tra malinconiche reverie di una Dolce
Vita ridotta ad un patetico carnevale di periferia e ossessioni di esseri umani marginali e impegnati in una grottesca lotta per la
sopravvivenza economica e sociale, di cosa
parliamo quando analizziamo la scena artistica romana di oggi? Vorrei evitare in questo
contesto di ripetere un cahier de doleances fin
troppo noto, ma parlare invece della possibilità di ricostruire una visione, simile a quella
che caratterizzava Roma negli anni Settanta.
Limitiamoci agli spazi museali, principali poli
di una strategia low-cost, come impongono i
tempi, per ri-costruire un volto contemporaneo per la città eterna in una necessaria sinergia tra le diverse forze in campo. Ogni
istituzione racchiude in sé una vocazione, che
va riconosciuta, rispettata e rinforzata. Innanzitutto il MAXXI, che potrebbe promuovere
negli spazi di Base una sorta di laboratorio per
l’arte contemporanea a Roma, curato da Hou
Hanrou e Anna Mattirolo, per mettere intorno ad un tavolo una volta al mese i responsabili delle principali istituzioni pubbliche
SPEcIAlE ROmA/I mUSEI
Il mAXXI POtREBBE
PROmUOVERE UNA SORtA
dI lABORAtORIO PER l’ARtE
cONtEmPORANEA A ROmA,
cURAtO dA HOU HANROU E
ANNA mAttIROlO. PER mEttERE
INtORNO Ad UN tAVOlO UNA
VOltA Al mESE I RESPONSABIlI
dEllE PRINcIPAlI IStItUzIONI
PUBBlIcHE (gNAm, mAcRO,
PAlAEXPò, mUSEO BIlOttI,
FONdAzIONE ROmA,
qUAdRIENNAlE).
ElABORARE INSIEmE
PROgEttI cOmUNI INSIEmE
A FONdAzIONI PRIVAtE,
cURAtORI INdIPENdENtI,
gAllERIStI, RESPONSABIlI
dI SPAzI NO PROFIt,
dIREttORI dI RIVIStE d’ARtE
Dall’ alto:
Maxxi
Macro
Palazzo delle Esposizioni
Macro testaccio
EXIBARt 87 / 35
(GNAM, Macro, Palaexpò, Museo Bilotti,
Fondazione Roma, Quadriennale) elaborare
insieme progetti comuni insieme a fondazioni
private, curatori indipendenti, galleristi, responsabili di spazi no profit, direttori di riviste
free press. Una vera e propria “piazza” per
l’arte contemporanea che possa costruire una
piattaforma per elaborare una visione comune
su base triennale (2015-2018) ottimizzare
progetti, idee e risorse economiche e professionali . Il MAXXI si candiderebbe così a capofila
della rete del contemporaneo a Roma, così
come il suo ruolo di Museo del XXI Secolo suggerisce.
E gli altri? Il Palaexpò potrebbe invece analizzare la cultura del Novecento, come la parte
migliore della sua programmazione recente
suggerisce.
Da una parte proseguire le riflessioni sui maestri del Ventesimo secolo, attraverso il loro
rapporto con l’Italia (penso a Sol Lewitt, Joseph Kosuth, Gerhard Merz, per citare alcuni
esempi) magari in relazione con la Galleria Nazionale d’Arte Moderna, attraverso articolate
EXIBARt 87 / 36
mostre antologiche nazionali di alto rilievo
scientifico a cadenza annuale, e dall’altra sviluppare rassegne dedicate alle relazioni tra
l’arte e altri settori della cultura, come
scienza, letteratura, tecnologia o moda. Il
MACRO invece (sia che resti nell’ambito dei
musei comunali o che passi sotto l’Azienda
Speciale) potrebbe ospitare e/o produrre rassegne che analizzano in particolare la situazione dell’arte in relazione alla città, secondo
una vocazione che ha assunto in maniera
esemplare negli ultimi anni, attraverso una
programmazione di alto livello firmata dai
suoi ottimi direttori Danilo Eccher, Luca
Massimo Barbero e Bartolomeo Pietromarchi.
Un fil rouge di eccellenza che il museo potrebbe comunque proseguire anche in assenza
di un direttore esterno, ma attraverso scelte
culturali consapevoli e mirate, garantite da un
comitato scientifico di esperti oggettivamente
(e non politicamente) autorevoli.
Per quanto riguarda il Museo Bilotti mi concentrerei prevalentemente sulla sua posi-
zione, che potrebbe trasformarlo, mutantis
mutandis, in una sorta di “Serpentine romana”, con un’identità precisa: indagare le relazioni tra gli artisti e la natura, intesa sia
come paesaggio che come giardino. Infine, last
but not least, la Galleria Nazionale d’Arte
Moderna, scrigno di collezioni e opere che
tracciano la linea istituzionale dell’arte nell’arco di un intero secolo: basterebbe riflettere
sulla propria storia per ricostruire interi capitoli dell’arte italiana e internazionale ancora
inesplorati, partendo da singole opere tratte
dalle diverse collezioni, che potrebbero essere
periodicamente riallestite da artisti contemporanei, su esempio del Museo di Arti Decorative
di Vienna.
Modalità economicamente sostenibili ma di
grande interesse, per estrarre l’energia dell’Italia del passato e portarla nel nostro buio
ed incerto presente per illuminarlo di nuove
luci, attirando nuovamente a Roma un pubblico internazionale, per vedere come il Belpaese riflette su se stesso con rigore,
attenzione e progettualità. Scusate se è poco.
SPEcIAlE ROmA/I mUSEI
Da sinistra:
Auditorium Parco della musica
Macro
in questa pagina:
Gnam
Galleria Comunale D’Arte Moderna
EXIBARt 87 / 37
Il mAXXI?
è gIOVANE. PERcIò
dI BEllE SPERANzE
di Alessandra Angelucci
uello di Hou Hanru (Guangzhou,
1963), direttore artistico del MAXXI
dall’estate 2013, è un curriculum
molto solido che annovera, fra le
tante, la curatela della “Biennale di Shangai”
(2000), quella di “Tirana” (2005), quella di
“Istanbul” (2007) e quella di “Lione” (2009).
Ma Hanru ha lasciato il segno anche in varie
Biennali di Venezia: nel Padiglione Francese
del 1999, nella mostra “z.O.U” - zone of Urgency - del 2003 e nel Padiglione Cinese del
2007. E non mancano Triennali (curatore
della quinta Triennale di Auckland nel 2013),
nonché numerose consulenze in istituzioni internazionali, fra cui il Walker Art Center di
Minneapolis e il Solomon R. Guggenheim Museum di New York. Dunque, un profilo fortemente internazionale.
Hou Hanru ha accettato una bella sfida: dimostrare che il MAXXI è «un museo che risponde
ai bisogni dell’uomo» e che si presenta all’utenza come «piattaforma di incontri culturali».Pochi giorni fa, in una soleggiata mattina
romana, lo abbiamo incontrato nel suo ufficio:
fra utopie e concretezza. Ecco cosa ci ha detto.
Q
È alla direzione artistica del MAXXI da
quasi un anno e ha raccolto una sfida importante. Guardando agli obiettivi prefissati,
come si sta muovendo?
«Per quanto riguarda la situazione generale del
MAXXI, penso che si possa essere ottimisti dal
momento che si tratta di un’istituzione molto
giovane, se vogliamo. Abbiamo, quindi, tutte le
possibilità per creare un organismo aperto alla
società e che continui a sperimentare. Tutto
questo fa sì che il MAXXI possa diventare un
museo che sia davvero del nostro secolo, del
XXI secolo. Nel senso che possiamo immaginare cose che non esistono in un museo tradizionale. Allo stesso tempo continuiamo a
preservare delle attività un po’ più “istituzionali”: avere una collezione, ospitare l’esposizione di artisti importanti, storici, nonché
mostre collettive. L’obiettivo più importante è
far sì che il MAXXI non sia percepito semplicemente come un’istituzione che guarda a
quelle già esistenti e ben riuscite, come il Centre Pompidou, il MoMA, la Tate Gallery. Piuttosto bisogna pensare al MAXXI come ad un
museo che cerca un cammino differente, in un
contesto peculiare come quello romano e italiano. Un museo che definisca la creatività contemporanea
pensando
anche
alla
trasformazione economica, politica, democratica della società».
Quali sono i suoi sogni per questo museo?
EXIBARt 87 / 38
«Che diventi un’istituzione in grado di contribuire in maniera puntuale e specifica all’evoluzione della scena artistica italiana e
internazionale. Vorrei dimostrare che un
museo non è una cosa isolata dalla società, ma
qualcosa che risponde ai bisogni dell’uomo».
Quali sono le difficoltà che incontra nella gestione di un’offerta interessante per un
largo pubblico e per gli addetti ai lavori?
«Ci sono sicuramente molte difficoltà, prima di
tutto quelle legate al finanziamento pubblico.
Ma soprattutto esiste il problema di trasmettere alla società e all’utenza un messaggio: un
museo come il MAXXI non è solo un bene di
consumo.
È un grande limite il fatto che oggi viviamo in
un mondo in cui le istituzioni culturali e artistiche sono spesso considerate di intrattenimento, industrie del tempo libero o dello
spettacolo. In questo particolare contesto, è
necessario continuare a fare in modo che questa istituzione resti intellettualmente intatta,
cercando, nello stesso tempo, di non isolarla
dalla società. Credo che questa sia la più
grande difficoltà che abbiamo di fronte: un
problema, dunque, non solo finanziario ma
anche ideologico».
Un «grande MAXXI - lei ha detto mesi fa,
nel suo discorso di presentazione - che mira
a messaggi di cultura e socialità». A quasi un
anno di distanza, quale messaggio trasmette
oggi il MAXXI al suo pubblico?
«Oggi il messaggio è che il MAXXI ha una sua
specifica identità: naturalmente un museo di
arte e architettura - l’interazione tra le due
parti è essenziale - ma anche un museo che
guarda alla tendenza e alla trasformazione urbana: pensiamo alla sua allocazione, alla sua
interazione con l’ambiente che lo circonda.
Dico questo perché la trasformazione urbana
è diventata una sorta di condizione a cui bisogna guardare per la definizione delle attività
artistiche. In tal senso si fanno sforzi per lo
sviluppo di programmi che rispondano a queste nuove esigenze. Sogno che il MAXXI diventi una sorta di “hub”, una piattaforma di
incontro culturale: arte, eventi, didattica, studio e ricerca. Solo così si può aspirare ad una
realtà che abbia un respiro non solo nazionale,
ma anche internazionale. Credo sia estremamente importante sviluppare dei progetti innovativi: una sorta di azione esemplare, per
dimostrare che il futuro di un continente come
l’Europa non risiede semplicemente nel tornare a guardare alle grandezze del passato
ma, al contrario, vive nella capacità di essere
creativi in un mondo che sta cambiando radicalmente».
Quali sono i programmi per i prossimi mesi
che dovrebbero realizzare un progetto così
ambizioso?
«Ci sono molti progetti in corso e ci sarà molto
da fare anche in futuro. Abbiamo avuto il “Premio MAXXI 2014”, giunto alla terza edizione.
Continueremo ad avere la personale di Ettore
Spalletti; la mostra dedicata al maestro del design Gaetano Pesce; l’edizione 2014 di “YAP
MAXXI”, per i giovani talenti in architettura,
con partner d’eccezione come il MoMA PS1 di
NY, Constructo di Santiago del Cile e Instanbul
Modern. Importante è la prima tappa del progetto “Indipendent Space”, dedicato alle piattaforme indipendenti, nonché il progetto
sperimentale “Open Museum, Open City”, che
partirà in autunno e occuperà la totalità del
museo in maniera spettacolare: l’edificio vuoto
sarà riempito di suoni, progetti audio, dibattiti
col pubblico, performance, musica, teatro,
danza, cinema. Sottolineo anche la personale
dedicata a Huang Yong Ping, artista franco-cinese tra i più importanti a livello internazionale. A dicembre, invece, sposteremo lo
sguardo sull’Iran, prima tappa di un progetto
dedicato al Medio Oriente e al Mediterraneo:
avremo la mostra “United History. Sequences
of the Modern in Iran from 1960 until now”,
organizzata in collaborazione con il Musée
d’Art Moderne de la Ville de Paris. A questa si
unisce la mostra “Architecture in Uniform”,
realizzata in collaborazione con il CCA di Montreal e con la Citè de l’Architecture di Parigi:
un approfondimento sulla produzione architettonica e urbanistica durante la Seconda
Guerra Mondiale. Questi alcuni dei punti importanti della nostra programmazione, senza
tralasciare le altre innumerevoli attività:
MAXXI Music, MAXXI Cinema, le conferenze,
MAXXI B.A.S.E., centro di documentazione e
biblioteca del Museo».
Dopo tanti anni vissuti all’estero, qual è il
suo rapporto con la città di Roma?
«Io sto cercando di scoprire com’è la vita di
Roma ed effettivamente è difficile. In passato
sono stato più volte in questa città, ma come
turista. Oggi ci vivo e riscontro ogni volta delle
cose interessanti, più di quanto io potessi immaginare. Non è solo un luogo di turismo, ma
molto di più. È un luogo fatto di substrati culturali, con una verosimile cultura contemporanea, con una scena artistica e architettonica
attive. Una città che, secondo me, è molto più
cosmopolita di quello che si possa pensare».
SPEcIAlE ROmA/I mUSEI
«dOBBIAmO tRASmEttERE
All’UtENzA UN mESSAggIO: UN
mUSEO cOmE Il mAXXI NON è
SOlO UN BENE dI cONSUmO. è
UN gRANdE lImItE Il FAttO
cHE lE IStItUzIONI cUltURAlI E
ARtIStIcHE SIANO SPESSO cONSIdERAtE INdUStRIE dEl tEmPO
lIBERO O dEllO SPEttAcOlO. è
NEcESSARIO INVEcE FARE IN
mOdO cHE qUEStA IStItUzIONE
REStI INtEllEttUAlmENtE INtAttA, cERcANdO dI NON ISOlARlA dAllA SOcIEtà. cREdO
cHE qUEStA SIA lA PIù gRANdE
dIFFIcOltà cHE ABBIAmO dI
FRONtE: UN PROBlEmA NON
SOlO FINANzIARIO mA ANcHE
IdEOlOgIcO»
EXIBARt 87 / 39
a cura di Mariangela Capozzi, Anna De Fazio Siciliano, Eleonora Scoccia
mUSEO cARlO BIlOttI All'ARANcIERA dI VIllA BORgHESE
FA PARTE DEL CIRCUITO DEI MUSEI IN COMUNE DI ROMA CAPITALE.
NASCE NEL 2006 A SEGUITO DI UN ACCORDO TRA IL COMUNE DI ROMA,
ChE FINANZIA IL RESTAURO DELL’EDIFICIO, E IL COLLEZIONISTA CALABRESE CARLO BILOTTI ChE DONA ALLA CITTà UNA PARTE DELLA SUA
COLLEZIONE.
LO SPAZIO MUSEALE SI ORGANIZZA INTORNO A UN NINFEO ANTICO.
Indirizzo e indirizzo web: Viale dell'Aranciera - 00197 Roma
http://www.museocarlobilotti.it/
Staff: Alberta Campitelli (Dirigente U.O. Ville e Parchi Storici), Ilma Reho (Responsabile del Museo), Antonia Rita Arconti (Responsabile mostre temporanee),
Daniela Di Chiappari (Responsabile eventi)
Budget annuo: Non dichiarato.
Finanziamenti: Comune di Roma, relativi soprattutto a Roma Capitale
Collezione: La collezione permanente consiste in 23 opere, di cui 18 De Chirico,
un olio di Gino Severini, una serigrafia di Warhol, una scultura di Manzù e una
tela tridimensionale di Larry Rivers.
Tutte le opere della collezione sono di artisti conosciuti personalmente da Carlo
Bilotti ai quali il collezionista commissionava i lavori. è il caso di Andy Warhol, che
realizza per l'amico un raro doppio ritratto.
Linee di ricerca: La collezione di Carlo Bilotti non ha un piano prestabilito e non
ha avuto un curatore. Si è formata sul gusto del collezionista, specie per le nuove
sollecitazioni del mondo americano.
Progetto espositivo: La creazione di uno spazio che sia il tempio dell'arte, sul
modello della Rothko Chapel o della Chappelle du Rosaire di Matisse.Il museo è
il raggiungimento del "sogno italiano", a lungo meditato, di riportare in patria un
segno tangibile della passione di Carlo Bilotti.
cHIOStRO dEl BRAmANtE
LA PRIMA OPERA ARChITETTONICA REALIZZATA A ROMA DA BRAMANTE è STATA PER SECOLI UN CONVENTO. NEL 1997 è STATO RESTAURATO E TRASFORMATO DALLA DART SRL IN MUSEO. SONO
APERTI AL PUBBLICO IL PORTICATO AL PIANO TERRA, IL LOGGIATO
DEL PRIMO PIANO, LE SALE INTERNE ADIBITE ALLE ESPOSIZIONI E
SPAZI DOTATI DI CAFFETTERIA, BISTROT, BOOkShOP E MUSEUM
STORE.
Indirizzo e indirizzo web: Arco della Pace, 5
chiostrodelbramante.it
Staff: Patrizia de Marco (Presidente), Mirella Panepinto, Gianni Mercurio (Curatori), Raffaele Brancato (Ufficio stampa)
Budget annuo: Non dichiarato
Sponsor: MiBACT, Roma Capitale, Ricola, Willis, Sky Arte
Presenza di Collezione: No
Linee di ricerca: Nessuna in particolare. Diffusione della conoscenza dell’arte
nella rete delle relazioni culturali nazionali ed internazionali.
Progetto espositivo: Gli obiettivi delle esposizioni hanno tutti lo scopo di rendere il Chiostro un punto di incontro sociale e uno spazio aperto al pubblico
con mostre di vasto interesse come quelle dedicate a Cleopatra, Alma Tadema, ai pittori dell'800 inglese o Brueghel.
EXIBARt 87 / 40
cENtRAlE mONtEmARtINI
Indirizzo e web: Via Ostiense 106,
www.centralemontemartini.org
Staff: Claudio Parisi Presicce (Direttore), Antonella Magagnini (Responsabile Servizio Gestione dei servizi museali e degli eventi), Lucrezia Ungaro (Responsabile
Servizio Valorizzazione del patrimonio), Emilia Talamo, Marina Bertoletti, Maria Giuseppina Bruscia (Curatori e Funzionari).
Budget annuo: non dichiarato
Presenza di Collezione: sì. Collezione di capolavori della scultura antica esposti
insieme ai vecchi macchinari produttivi.
Linee di ricerca: I progetti legati all’arte contemporanea si inseriscono nel contesto
di una mostra permanente dal titolo "Le macchine e gli dei", in cui si accostano due
mondi diametralmente opposti come l'archeologia classica e quella industriale.
Linee espositive: Il museo è aperto alla ricerca sul contemporaneo nelle diverse
forme espressive, in una collaborazione tra pubblico e privato.
SPEcIAlE ROmA/I mUSEI
mUSEO dEll'ARA PAcIS AUgUStAE
DOPO LA STORICA INAUGURAZIONE DEL 1938 AD OPERA DI MUSSOLINI, IL
MUSEO, PIù VOLTE RESTAURATO, VIENE RIAPERTO AL PUBBLICO NEL GIORNO
DEL NATALE DI ROMA, IL 21 GIUGNO 2006, IN SEGUITO ALLA REALIZZAZIONE
DEL PROGETTO DELL'ARChITETTO RIChARd MEyER, NECESSARIO A FORNIRE
LE CONDIZIONI PIù IDONEE ALLA CONSERVAZIONE DEL MONUMENTO ANTICO
DI AUGUSTO.
Indirizzo e indirizzo web: Lungotevere in Augusta (angolo via Tomacelli)
http://www.arapacis.it/
Staff: Claudio Parisi Presicce (
Direttore), Giovanni Caruso (Dirigente Servizio Monumenti antichi e Aree archeologiche del Centro storico). Orietta Rossigni (Curatore responsabile), Nadia Agnoli e Barbara Nobiloni (curatrici)
Budget annuo: Non dichiarato
Finanziamenti: Comune di Roma, relativi specialmente a Roma Capitale
Presenza di Collezione: Limitata al grande mosaico di Mimmo Paladino.
Linee di ricerca: Nessuna in particolare.
Progetto espositivo: Eclettico. L’Ara Pacis ha ospitato mostre di fotografia (Audrey
hepburn, Sebastiao Salgado e prossimamente h. Cartier Bresson), alcuni eventi site
specific come quello realizzato nel 2008: “Brian Eno | Mimmo Paladino", mostre di artisti
moderni: "Chagall. Il mondo sottosopra", "Avanguardie russe. Malevič, kandinskij, Chagall, Rodčenko, Tatlin e gli altri" nonché installazioni di Roberto Pietrosanti con il suo
monolite nero e l'omaggio a Fabrizio De Andrè nel suo 70esimo anniversario.
Il cOmPlESSO mONUmENtAlE SANtO SPIRItO IN SASSIA
RAccONtAtO dAllA cURAtRIcE VAlENtINA cIARAllO
«CI SI AnnOIA tALvOLtA A ROMA IL SECOndO MESE dI SOggIORnO, MA
gIAMMAI IL SEStO, E, SE SI REStA SInO AL dOdICESIMO, SI è AFFERRAtI
dALL'IdEA dI StABILIRvISI».
Stendhal, Passeggiate romane, 1829
mUSEO ROmA IN tRAStEVERE
ORIGINARIAMENTE LA SEDE ERA UN CONVENTO DEL XVII SECOLO DELLE
CARMELITANE SCALZE. ENTRA TRA LE PROPRIETà DEL COMUNE DI ROMA
NEL 1875. NEL 1973 VIENE RESTAURATO PER OSPITARE IL MUSEO DEL
FOLkLORE E DEI POETI ROMANESChI ChE APRE I BATTENTI I PRIMI DI
FEBBRAIO DEL 1977. SEDE DI MOSTRE, SPETTACOLI E CONVEGNI, DAL
2000 ASSUME LA NUOVA DENOMINAZIONE DI MUSEO DI ROMA IN TRASTEVERE.
Indirizzo e indirizzo web: Piazza Sant'Egidio 1/b - 00153 Roma
http://www.museodiromaintrastevere.it/
Staff: Pier Luigi Mattera (Dirigente), Silvana Bonfili (Responsabile coordinamento)
Budget annuo: Non dichiarato
Finanziamenti: Comune di Roma, relativi in particolare ai fondi di Roma Capitale
Presenza di Collezione permanente: Si, divisa tra testimonianze di vita popolare
romana dalla fine del Settecento alla seconda metà del Novecento: dipinti (in particolare di Ettore Roesler Franz), presepi, statue parlanti, stanza di Trilussa e fotografie), donazioni di materiali e archivi del noto poeta dialettale Trilussa e
fotografia centrata sulle trasformazioni urbane, sociali e culturali di Roma, dagli
anni Cinquanta agli anni Novanta.
Linee di ricerca: Presentare documenti e materiali relativi alle tradizioni popolari
romane provenienti dalla precedente collezione del Museo di Roma di Palazzo
Braschi.
Progetto espositivo: Offrire nel cuore di Roma una stretta connessione tra museo
e territorio con l'obiettivo di valorizzare costumi e usi della cultura romana più rappresentativa. Arricchendo l’offerta delle esposizioni temporanee, dei convegni su
temi e personalità strettamente legati alla vita della città, con particolare attenzione
al cinema, al multimediale, alla fotografia, alla poesia.
Roma rimane una delle mete più ambite e una grande opportunità per gli artisti di
tutto il mondo che desiderino confrontarsi con un passato denso di storia, ma
anche arricchire il loro curriculum con un’esperienza che rappresenti una sfida
alla loro produzione artistica. Oggi anche i siti storici stanno esplorando questo
nuovo terreno del contemporaneo, cercando nuovi modi per rendere le loro storie
uniche e riconoscibili. Ciascun sito richiede ovviamente approcci diversi: da semplice contenitore espositivo, il luogo storico può diventare fonte di ispirazione per
interventi artistici capaci di incorporare nuove voci, idee, interpretazioni e rinnovarne l’immagine .
L’incontro tra il contemporaneo e i siti storici diventa una formula vincente per rivitalizzare la proposta culturale di questi luoghi, come dimostra l’attività del Complesso Monumentale Santo Spirito in Sassia che, insieme a Giubilarte Eventi,
promuove dal 2008 a Roma un ciclo di iniziative rivolte all’arte contemporanea dal
titolo SP I R I t O dUE (già SPIRITO), facendo rete con le altre realtà artistiche
della città.
Il progetto coinvolge gli artisti più significativi nel panorama creativo nazionale e
internazionale, mettendoli a confronto con uno spazio espositivo di assoluto valore
storico artistico: il complesso ospedaliero risalente al 727 d.C. e definito nel suo
attuale aspetto monumentale nella seconda metà del Quattrocento, sotto Papa
Sisto IV. Ogni artista è chiamato a realizzare un progetto strettamente connesso
allo spazio e alla sua storia. Una riflessione sul rapporto fra la persistenza dei
valori del passato e la proposta viva di quelli del presente.
Caratteristica che contraddistingue l’unicità del format S P I R I T O DUE è la breve
durata delle singole iniziative che, assumendo carattere per lo più performativo,
si aprono ad una molteplicità di interventi, linguaggi e tecniche espressive diverse:
visive, musicali, teatrali.
Gli artisti sono invitati a proporre, confrontandosi con la ricchezza storico-artista
del sito, anche interventi su scala monumentale che diventano progetti site specific
unici nella loro produzione, tali da segnare una tappa importante per la loro ricerca
e sperimentazione; come è stato, per esempio, per Christian Jankowski e l’opera
Casting Jesus e Miltos Manetas con il suo progetto innovativo Blackberry Paintings.
Tra gli altri artisti nazionali e internazionali che hanno partecipato al progetto negli
ultimi anni, si segnalano Loris gréaud, Ian tweedy, Wilfredo Prieto, Francesco
Simeti, Mat Collishaw, Arthur duff, Matthieu Laurette, domenico Mangano,
Stefano Arienti, vedovamazzei e Cyprien gaillard. Progetti dal carattere effimero, ma che diventano un’occasione di sfida e ricerca continua per ogni artista.
EXIBARt 87 / 41
Dal 2 luglio al 16 febbraio
Palazzo Venezia, Roma
LE LEGGENDARIE TOMBE
DI MAWANGDUI
Arte e vita nella Cina del II secolo A.C.
opo la “Cina Arcaica”, approda a Roma l’epoca della dinastia Han (206
a.C. – 220 d.C.) attraverso i tesori provenienti dalle tombe rinvenute a
Mawangdui e custoditi dal Museo provinciale dello Hunan, una delle
istituzioni più importanti del sistema museale cinese. La selezione di
opere in mostra al Museo di Palazzo Venezia consente di far riemergere
una un’antica civiltà attraverso una grande scoperta archeologica,
riflettendo l’essenza stessa di un popolo che già all’epoca veniva riconosciuto come
“il Paese della seta e delle porcellane”.
La mostra si colloca nell’ambito del Memorandum d’Intesa sul Partenariato per la
Promozione del Patrimonio Culturale siglato il 7 ottobre 2010 tra il Ministero dei
Beni e delle Attività Culturali e del Turismo della Repubblica Italiana e la State
Administration of Cultural Heritage della Repubblica Popolare Cinese, il quale
prevede lo scambio di spazi museali permanenti dedicati alle rispettive culture.
Il rinvenimento delle tombe di epoca Han a Mawangdui, nella città di Changsha,
rappresenta una delle grandi scoperte avvenute nel XX secolo in Cina. Tra il 1972 e
il 1974 gli archeologi cinesi portarono alla luce un insieme di sepolture appartenenti
alla famiglia di Li Cang, Marchese di Dai e primo ministro dello Stato di Changsha.
Una scoperta che ebbe inizio in maniera del tutto fortuita, in seguito ad una serie di
scavi per un rifugio ospedaliero, e grazie al manifestarsi di quelli che vengono
definiti “fuochi fatui”. Le tre tombe ritrovate, contenevano al loro interno più di
3000 oggetti, tra cui lacche, ceramiche, bronzi, sete, giade, etc., i quali, tutti insieme,
sono in grado al contempo di testimoniare degli eccellenti risultati raggiunti a livello
artistico e culturale e di offrire uno spaccato della società cinese in epoca Han.
L’immenso valore dei reperti svelati e soprattutto il ritrovamento di una salma
completamente integra ha fatto sì che gli esperti paragonassero questa scoperta alla
“tomba di Tutankhamon” in Egitto. La salma della Marchesa di Dai è la prima e la
più antica salma al mondo ritrovata ancora completamente integra, non completamente disidratata e con i tessuti non ancora del tutto rigidi.
Veste in mussola a tinta unita, sfoderata con risvolto diagonale
Lunghezza dell’intera veste 138 cm, larghezza con le maniche aperte 181,5 cm
Rinvenuta nella tomba n. 1
La mostra mette insieme per la prima volta in Italia un’importante selezione di
questi reperti archeologici, raccontando l’intera vicenda legata alle tombe di
Mawangdui e mostrando al grande pubblico i principali risultati ottenuti dal loro
rinvenimento, così da far comprendere, in maniera organica, lo splendore che
caratterizzava la civiltà Han. Suddivisa in tre sezioni, “Antiche leggende su
Mawangdui”, “Segreti millenari disvelati da antiche tombe” e “Gli splendidi reperti
archeologici rinvenuti all’interno delle tombe”, l’esposizione si offre come un racconto
a più livelli, in grado di unire le tappe del ritrovamento archeologico con le leggende
ad esso collegate.
L’esposizione prende le mosse da tutti quegli aspetti che hanno contribuito a creare
un alone di mistero intorno a Mawangdui. Dalle antiche leggende, come quella del
“Tumulo del re Ma” o della “Tomba delle due donne”, fino all’inaspettata comparsa di
un “fuoco fatuo” che ha dato il via alla serie di scavi archeologici, a partire dagli
anni 70. In una Cina in piena “Rivoluzione Culturale”, persino il Primo ministro
Zhou Enlai si occupò di coordinare i lavori, per i quali vennero coinvolti anche i
militari dell’Esercito Popolare di Liberazione. Per rendere conto di questo straordinario racconto la mostra mette insieme 58 oggetti tra cui lacche, tessuti in seta,
manoscritti e dipinti su seta, affiancati da una serie di approfondimenti tematici e
da installazioni multimediali.
Mawangdui era il luogo di sepoltura della famiglia del Marchese di Dai. Qui furono
sepolti Li Cang, il primo marchese di Dai, sua moglie Xin Zhui e uno dei loro figli.
Le opere esposte ricompongono l’universo privato di una famiglia aristocratica
dell’epoca, dal contenitore per cosmetici ad uno specchio in bronzo, dal pettine in
legno a denti fitti alle pinzette in osso. Ma oltre a ricostruire uno spaccato di vita
quotidiana, i reperti in mostra rimandano l’eco di una realtà storica e filosofico-religiosa straordinaria. Lo Stendardo funerario in seta dipinta a forma di T ci restituisce
infatti l’immagine cosmogonica che avevano a quel tempo i cinesi, descrivendoci
quella che doveva essere la vita dopo la morte e quello che era il desiderio di
immortalità che li guidava. Diviso in tre zone, raffiguranti i piani di esistenza
celeste, terrena e infera, presenta al centro la Marchesa di Dai appoggiata ad un
bastone, in una raffigurazione pittorica dove realtà, fantasia e mitologia si
armonizzano tra loro.
Di particolare importanza in questo senso sono i manoscritti su listelli di bambù che
trattano degli argomenti più disparati, dalle tecniche e rimedi per l’ottenimento di
una vita sessuale appagante alla pratiche sessuali per mantenersi in una buona
condizione psico-fisica, fino ad una serie di consigli pratici per salvaguardare la
propria salute. Filosofia, politica, storia e religione si fondono in questi manoscritti
unici ritrovati in quella che si può ritenere una vera e propria “Biblioteca
sotterranea”.
Le sete più pregiate, i manoscritti più antichi, gli oggetti più rari; Le leggendarie
tombe di Mawangdui, oltre a comprendere i risultati raggiunti dall’archeologia cinese
nel XX secolo, ci pone davanti agli occhi l’alto livello di progresso che caratterizzava
più di duemila anni fa la civiltà di epoca Han.
Stendardo funerario in seta
dipinta a forma di T
Lunghezza 205 cm,
larghezza dell’orlo superiore
92 cm,
larghezza dell’orlo
inferiore 47,7 cm
Bacinella laccata con disegni di nuvole (dettaglio)
Altezza 13 cm, diametro maggiore 72,2 cm
Rinvenuto nella tomba n. 3
Rinvenuto nella tomba n.1
pubbliredazionale a pagamento
ROmA/lE FONdAzIONI/l’INtERVIStA/IlARIA BOzzI
Negli ultimi anni nella Capitale sono nate molte fondazioni, spesso legate al collezionismo privato, sebbene questo rimanga per lo più sullo sfondo a favore di un’offerta di attività che avvicina le fondazioni
a centri per l’arte. Vi proponiamo una mappatura delle più attive realtà presenti sul territorio e un
focus sull’ultima arrivata
l’ARtE è UNA FONdAzIONE
FONdAtA SUl lAVORO!
AL MANDRIONE, QUARTIERE SPESSO RACCONTATO DAL CINEMA, DA PASOLINI A SORRENTINO,
È APPENA NATA UNA NUOVA FONDAzIONE PER L’ARTE. CHE PUNTA ALLE RESIDENzE COME
OCCASIONE DI LAVORO CONCRETO PER GLI ARTISTI. E CHE GUARDA ALL’ITALIA
di Alessandra Angelucci
on il progetto “Ah, si va a
Oriente!”, curato da Daniela
Bigi, la Fondazione per l’Arte di
Roma, nata nel 2011 e presieduta da Ilaria Bozzi, ha inaugurato la sua sede in via del
Mandrione 105. Uno spazio dedicato ai giovani
artisti, che si ingloba in un’area storica della
Roma del dopoguerra edificata negli anni Cinquanta. In quello che si presenta come un vero
e proprio “cantiere di lavoro”, Giuseppe Buzzotta, Gianluca Concialdi, Andrea Kvas, Vincenzo Schillaci sono stati i primi quattro
artisti che lo scorso 3 giugno hanno presentato
i propri lavori nello spazio del Mandrione: un
open space di 260 mq, privo di barriere architettoniche. Ecco come racconta questa nuova
avventura romana la Presidente della Fondazione, Ilaria Bozzi.
C
La “Fondazione per l’Arte” è un ente no profit, fondato a Roma il 17 novembre 2011.
Una realtà storicamente giovane che si presenta come un’occasione diversa di promuovere l’arte contemporanea a Roma. Perché
dare vita ad un’altra Fondazione proprio in
questa città?
«Due anni fa abbiamo deciso, insieme a mio
marito Flavio, di costituire una Fondazione per
promuovere l’arte e la cultura con l’intento di
stabilire un dialogo aperto e di scambio con il
circuito internazionale. Questa decisione ha
origine dal desiderio di contribuire concretamente a confermare nella capitale il ruolo di
epicentro artistico-culturale, con l’apporto di
una collaborazione sempre più solida tra l’Italia e l’estero».
Quali sono gli intenti e le strategie che distinguono la “Fondazione per l’Arte” da
altre istituzioni analoghe già presenti a
Roma?
«Roma vanta già serissime Fondazioni che operano da anni e con le quali abbiamo una comunione di intenti essenziale: promuovere l’arte
e la cultura. Caratteristica fondamentale dell’identità della nostra Fondazione, direttamente connessa alla parola chiave “lavoro”, è
quella di presentarsi come un centro di ricerca, produzione e dialogo sui temi dell’arte.
L’obiettivo è quello di coinvolgere un pubblico
sempre più vasto, invitandolo ad esplorare un
Ilaria Bozzi
EXIBARt 87 / 43
contenuto ricco di tutti quei preziosi processi
di pensiero, progettazione e creazione che fermentano nel mondo dell’arte».
La Fondazione mira al sostegno degli artisti, specialmente i giovani italiani. Un dato
molto interessante, in un momento in cui
tutto sembra fermo e poco votato alla scoperta dei “nostri” talenti.
«Con questo primo progetto vorremmo restituire alla scena artistica italiana una nuova
piattaforma di visibilità e di valorizzazione,
che rappresenti al contempo anche una concreta possibilità di incontro con la nuova scena
europea. Il progetto prende le mosse da una riflessione sul clima determinatosi negli ultimi
anni anche intorno agli spazi autogestiti dagli
artisti. Spazi che, con coraggio e determinazione, hanno reso possibile il procedere della
ricerca in un Paese stretto nella morsa della
crisi economica, nonché di quella dei modelli e
dei valori. Lo spazio espositivo, come luogo dinamico di formazione e crescita, si trasforma
di volta in volta in un laboratorio e in
un’arena: gli artisti invitati si misurano per
enfatizzare queste connessioni e per colmare
alcune lacune del nostro panorama culturale.
In questo modo si favoriscono nuove interazioni e soprattutto l’espansione delle idee».
«Il PROgEttO PRENdE lE
mOSSE dA UNA RIFlESSIONE SUl
clImA dEtERmINAtOSI NEglI
UltImI ANNI ANcHE INtORNO
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PROcEdERE dEllA RIcERcA
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mORSA dEllA cRISI
EcONOmIcA. NONcHé dI
qUEllA dEI mOdEllI
E dEI VAlORI»
Novità dell’anno 2014 è l’apertura della
sede in via del Mandrione 105 a Roma: uno
spazio che profuma di storia e letteratura,
tanto amato da Pasolini. Perché proprio questo luogo?
«Lo spazio è parte di un complesso industriale
post bellico edificato negli anni ’50. Il Mandrione è una zona urbana in costante mutazione fin dal bombardamento di San Lorenzo
nel 1943, citato in tante opere letterarie e cinematografiche, fra tutte, come lei ricordava,
quelle di Pier Paolo Pasolini. Il Mandrione è la
testimonianza di una città che ha continuato a
trasformare se stessa e il suo patrimonio. La
scelta di questo luogo ha provocato anche un’indagine di tipo esplorativo sul rapporto che gli
artisti instaurano con il contesto di riferimento
in cui lavorano - in questo caso Roma e nello
specifico quest’area - che mira a favorire anche
una riqualificazione del territorio».
La sede della Fondazione si presenta come
un vero e proprio “cantiere di lavoro operativo ed intellettuale”: può descriverlo?
«L’idea di aprire un “cantiere”, contestualmente all’apertura dello spazio, nasce dalla parola chiave attorno alla quale verranno
impostati tutti i progetti della Fondazione: il lavoro. Così, quando durante l’inverno 2013, a
via del Mandrione 105 a Roma, sono cominciati i lavori di ristrutturazione, è nato anche
un “cantiere di lavoro intellettuale”, per ideare
una serie di progetti e prima ancora per riflettere sull’identità complessiva da dare al programma della Fondazione: guardare, oltre alle
arti visive, anche al teatro, alla musica, all’architettura. Il progetto curato da Daniela Bigi
“Ah, si va a Oriente!” è il primo attraverso il
quale il “cantiere di lavoro intellettuale” della
Fondazione si trasforma in “cantiere di lavoro
operativo”».
Come ente no profit, come verranno inserite
le opere degli artisti all’interno delle finalità della Fondazione?
«Fondazione per l’Arte ha, tra gli altri obiettivi,
quello di creare una collezione di opere - realizzate nel cantiere di lavoro - da donare ad
una Istituzione Museale».
EXIBARt 87 / 44
Particolare della mostra Ah, si va a Oriente
ROmA/lE FONdAzIONI
a cura di Alessandra Caldarelli, Anna De Fazio Siciliano e Roberta Pucci
FONdAzIONE gIUlIANI
NOmAS FOUNdAtION
FONDATA NEL 2010 DAI COLLEZIONISTI VALERIA E GIOVANNI GIULIANI,
è UN’ORGANIZZAZIONE NO PROFIT DEDICATA AL SOSTEGNO, ALLA RICERCA E ALL’ESPOSIZIONE DELL’ARTE CONTEMPORANEA.
FONDATA NEL 2008 DAI COLLEZIONISTI STEFANO E RAFFELLA SCIARRETTA. SUO OBIETTIVO è L’APPROFONDIMENTO DELLA RICERCA E
DELLA SPERIMENTAZIONE NELL’AMBITO DELL’ARTE CONTEMPORANEA
Indirizzo: Via Gustavo Bianchi, 1
www.fondazionegiuliani.org
Indirizzo: Viale Somalia, 33 - 00199 Roma
www.nomasfoundation.com
Orari: martedì – sabato 15-19.30 e su appuntamento
Staff: Adrienne Drake (Direttrice), Giulia Lopalco, Antonio Libero Savoia
Budget: 100.000 Euro complessivo (budget operativo insieme al budget espositivo)
Sponsor: Bioera sostiene la Fondazione con un contributo annuale. Ulteriori
sponsor vengono ricercati di volta in volta a seconda dei progetti.
Collezione: Sì, dei coniugi Giuliani, ma nin presente in Fondazione
Rapporti con altre istituzioni italiane e straniere: Sviluppo di partnership e
di collaborazioni con altre istituzioni sia in Italia che all’estero.
Nel caso di un progetto specifico, a seconda della nazionalità degli artisti, si
cerca di coinvolgere le istituzioni straniere sul territorio, quali accademie o centri culturali. Se il progetto ha una valenza internazionale si creano collaborazioni lavorando sullo scambio e la condivisione del progetto.
Linee di ricerca: Nelle tre mostre presentate durante l’anno, l’attenzione viene
focalizzata soprattutto sugli artisti – nazionali e internazionali – che non hanno
mai esposto prima a Roma.
Proprio questi ultimi sono invitati a realizzare una mostra personale, le cui
opere verranno prodotte dalla Fondazione assieme ad un catalogo monograficoPur essendo un’entità distinta dalla Collezione Giuliani, la Fondazione offre
anche agli artisti la possibilità di realizzare un progetto partendo dalle opere
della Collezione, utilizzandola come archivio, materiale di ricerca ed esperienza, per stimolare letture multiple di una singola opera d’arte, e arricchendo
e approfondendo il contesto del display attraverso più livelli di significato e interpretazione.
Fino ad ora le linee di ricerca si sono focalizzate sulla scultura contemporanea
e in futuro sono già in programma aperture a differenti ambiti espressivi.
Progetto espositivo: Attualmente partecipa al progetto PIANO – piattaforma
preparata per l’arte contemporanea Francia-Italia, promossa da d.c.a / association française de développement des centres d’art, in partnership con l’Institut français d’Italie, l’Ambasciata di Francia in Italia e l’Institut français.
La mostra “The Registry of Promise”fa parte di un ciclo di esposizioni che indagheranno la nostra relazione con l’ignoto che il futuro rappresenta.
Orari: martedì – venerdì 14.30-19
Staff: Cecilia Canziani e Ilaria Gianni (Curatrici), Michela Tornielli di Crestvolant (assistente curatrice), Orsola Mileti (Registar).
Budget: 40mila euro
Sponsor: Sì, relativamente a singoli progetti. Pubblici, come ad esempio Mondrian Stiftung, Amasciata del Regno d’Olanda, Bristish Council, Accademia di
Francia Villa Medici, Fonds BkVB, e sponsor tecnici privati come Casale del
Giglio, Whisper sistemi di audioguide, Azienda Agricola Camillo Aldobrandini.
Collezione: Sì, di Raffaella e Stefano Sciarretta, ma collezione e programmazione seguono due percorsi e autonomi e indipendenti.
Rapporti con altre Istituzioni italiane e straniere: Da tre anni abbiamo una
partnership con kadist Foundation e David Roberts Foundation con cui abbiamo sviluppato il progetto Collecting Matters, collaboriamo con International
Music Festival Foundation per progetti legati all’arte pubblica, e sempre a seconda dei singoli progetti abbiamo attivato collaborazioni con istituzioni presenti sul territorio come GNAM, Macro, MAXXI, Accademia di Belle Arti di
Roma, Teatro Valle, e alcuni licei di Roma. Infine abbiamo collaborato in occasione delle residenze con altre realtà non profit italiane come Nosadella
due, Progetto Isole, care/of, Progetto Diogene, etc.
Linee di ricerca: La sua natura in continua evoluzione è espressa già dallo
stesso nome: “nomas”. Che rimanda all’identità nomade di questa realtà no
profit, impegnata ad attivare nuove collaborazioni e a creare spunti di riflessione. Si caratterizza per una spiccata curiosità nei confronti dei linguaggi più
recenti . Nell’incontro fra artisti, curatori e critici, così come nella (ri)messa in
discussione di tematiche come la pittura, il teatro, la scultura o la performance,
la Fondazione sottolinea l’importanza di domandarsi, ancora oggi, quale sia il
senso di queste espressioni artistiche.
Programma espositivo: Spazia da mostre monografiche a reading room, attività di ricerca e formazione in collaborazione con istituzioni e accademie, università e istituti d’arte, un complesso programma di residenze per artisti,
curatori e critici, cicli di mostre che riflettono su temi attuali per il linguaggio
dell’arte contemporanea (A theatre cycle, A performance cycle, A film cycle, A
painting cycle, To continue. Notes towards a Sculpture cycle).
EXIBARt 87 / 45
EX PAStIFIcIO cERERE
FONdAzIONE mEmmO
UBICATA ALL’INTERNO DELL’EX PASTIFICO CERERE, DOVE NEGLI ANNI
OTTANTA LAVORANO GLI ARTISTI NOTI COME “GRUPPO DI SAN LORENZO” (BRUNO CECCOBELLI, GIANNI DESSì, GIUSEPPE GALLO, NUNZIO, PIERO PIZZI CANNELLA E MARCO TIRELLI). NEL 2004 DIVENTA
FONDAZIONE PER PROMUOVERE L’ARTE CONTEMPORANEA
SI TROVA NELLO STORICO PALAZZO RUSPOLI DI VIA DEL CORSO,
NEGLI ANNI NOVANTA SI è CARATTERIZZATA COME UNA DELLE ISTITUZIONI CULTURALI ITALIANE DI MAGGIOR SUCCESSO GRAZIE A MOSTRE IMPORTANTI COME “NEFERTARI”, “L’ALTARE DI PERGAMO”,
“FAyUM”. DAL 2012 ORGANIZZA MOSTRE DI ARTE CONTEMPORANEA.
Indirizzo e sito web: Via degli Ausoni 7
www.pastificiocerere.it/fondazione/
Orari: dal lunedì al venerdì dalle 15 alle 19 e il sabato dalle 16 alle 20.
Staff: Flavio Misciattelli (presidente), Marcello Smartelli (direttore artistico),
Claudia Cavalieri e Emanuela Pigliacelli (coordinamento progetti):
Budget: Da 10000 a 50000 euro.
Sponsor e rapporti con altre Istituzioni italiane e straniere: La Fondazione si avvale del sostegno di sponsor pubblici e privati che variano a seconda dei singoli progetti o attività: Camera di Commercio di Roma, Civita,
Fondazione Elsa Peretti, Fondazione Nando Peretti, Fondazione Roma, Regione Lazio.
Collezione permanente: No
Linee di ricerca: La Fondazione realizza progetti formativi (6Artista) e programmi di residenze dedicati a giovani artisti e a curatori. Il programma, che
comprende mostre, conferenze, workshop e studio visit, si pone lo scopo di
proseguire il discorso culturale che, sin dalla fine degli anni Settanta, ha animato gli ambienti dell’ex-semoleria del quartiere San Lorenzo. La carta d'identità della Fondazione si delinea nel dialogo diretto con gli studenti (programma
CINTA) che vivono nel quartiere. Inoltre, la Fondazione è impegnata nella
realizzazione di progetti europei, come Up Skilling cultural managers: matching skills needs by improving vocational training, che approfondisce il tema
delle competenze chiave per gli operatori del settore creativo e culturale.
Progetto espositivo: La programmazione intende riaffermare l'interesse nei
confronti della formazione e della sperimentazione, offrendosi come un luogo
aperto alla città e agli artisti e a tutti coloro che vi operano. Alla base delle attività promosse c'è la convinzione che l'arte contemporanea, in quanto attivatrice di pensiero, contribuisca a rompere i paradigmi tradizionali del sapere
comune.
EXIBARt 87 / 46
Indirizzo: Palazzo Ruspoli, Via del Corso, 418
www.fondazionememmo.it
Staff: Roberto Memmo (presidente onorario), Daniela Memmo d'Amelio e Patrizia Memmo Ruspoli (presidenti), Anna d'Amelio Carbone e Fabiana Marenghi Bond (direttori), Cloè Perrone (curatrice)
Budget: Finanziamenti privati
Sponsor: No
Presenza di Collezione: No
Rapporti con altre Istituzioni italiane e straniere: Partecipa annualmente
al Global Private Museum Summit a Londra per mantenere rapporti con tutte
le istituzioni straniere con finalità similari.
Progetto espositivo: Dal 1990 realizza mostre di arte antica e moderna. Solo
dal 2012 è iniziata la programmazione di arte contemporanea, con la mostra
personale di Sara VanDerBeek, a cui è seguita quella di Sterling Ruby.
Linee di ricerca: Le finalità statutarie : “favorire e sviluppare lo studio dell'arte
e della cultura”.
Con il passaggio all'arte contemporanea, la mission della fondazione si è ampliata puntando a far conoscere agli artisti il nostro Paese e in particolare
Roma. La Fondazione invita oggi artisti di fama internazionale in residenza
per un periodo di ricerca. Promuove, inoltre, la produzione delle opere d'arte
in città per stimolare la loro creatività e sostenere il tessuto sociale locale.
ROmA/lE FONdAzIONI
FONdAzIONE VOlUmE!
FONdAzIONE ROmAEUROPA ARtE E cUltURA
UBICATA A TRASTEVERE, è LA PRIMA DELLE FONDAZIONI PRIVATE ROMANE DEDICATE ALL’ARTE CONTEMPORANEA, NATA NEL 1997.
LA “NON-PROGRAMMAZIONE” è AL CENTRO DELLA MENTALITà DEI
CREATORI E COLLABORATORI DELLA FONDAZIONE, I CUI APPUNTAMENTI NON SONO MAI SCANDITI DA DATE PREFISSATE.
NATA NEL 1986 COME ASSOCIAZIONE DEGLI AMICI DI VILLA MEDICI PER
UNO SCAMBIO ESCLUSIVAMENTE ITALO-FRANCESE, è OGGI UN
CROCEVIA DI SCAMBI CULTURALI CON IL MONDO
Indirizzo: Via San Francesco di Sales, 86/88
www.fondazionevolume.com
Orari: martedì – venerdì 17-19.30 e su appuntamento
Staff: Francesco Nucci Presidente, Daniela Nucci vice-presidente, Silvia Marsano, Responsabile Ufficio Mostre, Silvano Manganaro Assistente del presidente, Sabrina Nucci Segreteria organizzativa.
Budget: Non dichiarato
Sponsor: la Fondazione è supportata da sponsor tecnici ed accademie straniere per la produzione delle mostre.
Collezione: Il patrimonio della Fondazione è costituito dalle opere donate dagli
artisti e prodotte in occasione delle mostre.
Rapporti con altre Istituzioni italiane e straniere: RAM, Accademia di Francia, Accademia Belga, Accademia d’Ungheria, Museo di arte contemporanea
di Saint-Étienne, GAM Torino.
Linee di ricerca: Proporsi come centro di creazione ed esposizione svincolate
dall’aspetto puramente commerciale. In particolare il focus di questo spazio è
offrire la possibilità a studenti di istituti d’arte e università di dialogare direttamente con artisti e addetti ai lavori. Da qualche anno si è aggiunto il progetto
Parco Nomade: nella riserva naturale della Tenuta dei Massimi (circa 40 ettari
di estensione), Fondazione Volume! ha deciso di rilanciare un territorio periferico, come quello di Corviale, attraverso l’Arte Pubblica in una prospettiva di
riqualificazione urbana.
Programma espositivo: Artisti di fama nazionale e internazionale si sono alternati con opere, installazioni realizzando sempre progetti specifici, che cambiano di volta in volta modificando la struttura stessa della Fondazione.
Accanto all’attività espositiva, si segnala l’attenzione all’archivio – nel quale
rientra un progetto di documentazione fotografica, video e libri – e il diretto
confronto con gli artisti attraverso cicli di conferenze ed incontri.
Indirizzo: Via dei Magazzini Generali 20/A
www.romaeuropa.net
Staff e Membri fondatori: Monique Veaute (Presidente), Giovanni Pieraccini
(Presidente Onorario), Guido Fabiani (Vice Presidente), Fabrizio Grifasi (Direttore Artistico e Generale), Jean Marie Drot, Federico Sposato - Giunti Editore, Regione Lazio (in attesa di nuova nomina)
Budget: costi produzione euro 3.506.669
Sponsor: Ministero per i Beni, le Attività Culturali e il Turismo, gli Assessorati
alle Politiche culturali di Regione Lazio e Comune di Roma, la Camera di Commercio di Roma, la Fondazione Roma Mediterraneo, il Gioco del Lotto
Linee di ricerca: Ricostituita come Fondazione nel 1990, mira a creare un
ponte tra diversi linguaggi del contemporaneo: teatro, danza, arte e musica,
con uno sguardo attento alle sperimentazioni. Produce spettacoli e mostre in
occasione dell’annuale festival giunto alla sua 29ma edizione. Dal 2010 si affaccia al mondo dell’arte contemporanea in senso più stretto con “Digital Life”,
mostra che indaga le possibilità aperte dalle tecnologie digitali nel campo dell’arte visiva
Rapporti con altre istituzioni: Accademia Di Francia – Villa Medici, Auditorium Conciliazione, Carrozzerie N.O.T., Istituto Svizzero, La Pelanda, Lanificio, MAXXI, Opificio Romaeuropa, Teatro Argentina, Teatro Brancaccio, Teatro
della Pergola (Fi), Teatro Eliseo, Teatro dell’Orologio, Teatro Piccolo Eliseo,
Teatro Vascello.
EXIBARt 87 / 47
Il mondo
in una stanza
SECONDO IL DIRETTORE DEL MAXXI, HOU HANRU, A ROMA SI POTREBBE FARE UNA
BIENNALE SENzA SPENDERE TROPPI SOLDI ED ENERGIE. COME? GRAzIE ALLA
PRESENzA DELLE 34 ISTITUzIONI CULTURALI STRANIERE, DIVISE TRA ACCADEMIE,
CENTRI E CIRCOLI. NEL 2012 L’ARTISTA MILANESE VALERIO ROCCO ORLANDO HA
REALIzzATO UN PROGETTO A ROMA FOCALIzzATO PROPRIO SULLA RESIDENzA
IN ACCADEMIA. ECCO IL SUO RACCONTO
di Valerio Rocco Orlando
l mio viaggio è iniziato anni fa, quando
da Milano sono partito per New York, e
per la prima volta mi sono ritrovato a
lavorare all'interno di un programma di
residenza. Un edificio di quattro piani a Brooklyn,
al limite tra Williasmburg e Bushwick, con una
quarantina di studi destinati ad artisti provenienti da tutto il mondo, in cui ognuno, quotidianamente, con tempi e modalità differenti, ha la
possibilità di dedicarsi alla propria ricerca. In
quell'occasione ho iniziato a interrogarmi sulla
relazione tra l'artista e il suo studio. Qualche
anno dopo, a Roma, un po' per caso e poi sempre
con maggiore frequenza, ho iniziato a imbattermi
in artisti di diversa nazionalità residenti nelle
varie accademie straniere della città. Prima alcuni americani, poi un gruppo di svizzeri e infine
una squadra di spagnoli. In questo modo è nato
un crescente interesse e, confrontandomi con
amici e storici dell'arte locali, ho realizzato che
proprio nella Capitale, con l'istituzione dell'Accademia di Francia nel 1666, è nato il modello di residenza d'artista che ora tanto è in voga dal
Giappone alle Americhe. Così ho immaginato e
realizzato un Grand Tour al contrario, quattro secoli dopo la sua nascita, per attraversare, pur ri-
I
EXIBARt 87 / 48
dall'istituzione
dell'Accademia di Francia nel
1666 è nato il modello di
residenza d'artista che ora
tanto è in voga dal giappone
alle Americhe. così ho
immaginato e realizzato un
grand tour al contrario,
quattro secoli dopo la sua
nascita, per attraversare, pur
rimanendo nella stessa città,
diversi Paesi
manendo nella stessa città, diversi Paesi e allo
stesso tempo intessere e analizzare dinamiche e
relazioni tra istituzioni straniere, artisti e il territorio. Un'esperienza mai avvenuta prima che mi
ha permesso di osservare e vivere dall'interno un
sistema formativo unico al mondo.
Punto di partenza Villa Ludovisi, l'Istituto Svizzero di via Boncompagni, tra piazza Barberini e
Piazza di Spagna, nel centro storico di Roma. Qui
l’allora direttore generale Christoph Riedweg e
quello culturale, Salvatore Lacagnina, hanno
compreso fin da subito la natura del progetto e mi
hanno destinato una stanza con bagno al quarto
piano, nell'edificio principale, con cucina in comune con gli altri membri, scientifici e umanistici. E giusto nelle ore del pranzo e della cena ho
avuto modo di entrare in contatto con la quotidianità, le difficoltà e i privilegi dei borsisti svizzeri,
invitati a vivere a Roma per un anno con uno stipendio di ricerca. Proprio a tavola mi hanno insegnato che, come in Svizzera, per consuetudine si
è abituati a parlare tutte e quattro le lingue ufficiali dei diversi Cantoni, compreso l'italiano.
Prima di partire per questa avventura pensavo
che nelle diverse accademie l'inglese sarebbe
stata la koinè comune a tutti gli artisti e invece
mi sbagliavo; per lo meno a livello linguistico, le
nazionalità vengono rispettate.
Di quei primi mesi ricordo, al tramonto, la vista
del Pantheon dalla finestra, la grande nevicata, il
bar dove finivamo a parlare fino a tardi, le grigliate sul tetto, le colazioni negli studi, la vista panoramica dal punto più alto della città. E proprio
dalla torretta osservavo gli altri palazzi, le successive tappe del viaggio. Con la primavera mi
sono trasferito alla Real Academia de España, al
Gianicolo, diametralmente dalla parte opposta ri-
ROmA/lE AccAdEmIE
spetto al centro, tra l'ambasciata e il Chiostro del
Bramante, appena sotto il Fontanone, dove Sorrentino ha girato la scena d'esordio de La Grande
Bellezza. La città è letteralmente ai piedi, bisogna
scendere parecchi scalini per ritrovarsi a Trastevere, di colpo, dall'isolamento al caos. I becarios
spagnoli sono in assoluto gli artisti più giovani, e
anche quelli più disposti a investire tutti quei
mesi in una vita comunitaria. La cucina è anche
qui il regno dell'Accademia e il suo carattere peculiare è che si cucina sempre tutti assieme, per
tutti. Nello studio puoi ritrovare la tua concentrazione, ma quando hai bisogno di confrontarti con
gli altri sai dove trovarli. Ugualmente la sera si
esce in gruppo, si attraversa il Ponte Sisto fino a
Campo de' Fiori e poi si torna sempre nella burbuja, in quella bolla da cui si può continuare a
contemplare la città, a distanza.
Continuamente cerco di creare ponti con le altre
accademie, vengo invitato a un pranzo, piuttosto
formale, all'American Academy, in cui anche il
buffet e la conversazione seguono una ritualità
precisa. Con sorpresa scopro che i fellows vincitori nelle diverse discipline del prestigioso Rome
Prize non sono neppure a conoscenza delle vite
parallele degli artisti delle altre accademie, pur
vivendo per un anno intero a poche centinaia di
metri di distanza.
Maggiore apertura al confronto ritrovo invece
nelle lunghe e intense colazioni a Trastevere al
Circolo Scandinavo, un programma di residenza
creato dal sodalizio degli stessi artisti del Nord
Europa a metà Ottocento e non, come per le altre
istituzioni, per volere di un re o di un governo.
Differente ancora è l'esperienza della Deutsche
Akademie Rom che, grazie alla presenza di una
figura curatoriale nel suo organico, si propone
proprio di facilitare l'incontro tra gli artisti tedeschi e la città. Durante la mia residenza a Villa
Massimo, sulla Nomentana, a due passi da Villa
Torlonia, ho vissuto una quotidianità radicalmente diversa. Qui gli artisti si trasferiscono con
la propria famiglia, mariti, moglie e figli. Lo spazio dedicato alla privacy è maggiore, e forse io, artista italiano, straniero e ospite, mi sono sentito
in una condizione di maggiore isolamento, anche
per via di quelle lunghe mura che costeggiano il
parco, per cui anche gli abitanti della zona si ritrovano a circumnavigare parecchie vie per approdare da una parte all'altra del quartiere.
Singolare è certo l'incontro con ogni individuo,
tanto che con la maggior parte dei partecipanti al
progetto si è creato un rapporto di sincera fiducia, senza sovrastrutture, cosa che avviene di
rado, almeno tra gli artisti del nostro Paese.
In ogni caso, a distanza di tempo, devo ammettere che proprio durante le Promenades a Villa
Borghese, a Valle Giulia, nel luogo dove, in occasione dell'Esposizione Internazionale di Roma del
1911, la maggior parte delle Accademie Nazionali
sono state costruite, grazie a quelle conversazioni in movimento, attraverso il parco, ogni confine è caduto, e lo scambio di idee ha trovato un
terreno più fertile.
In tutti questi mesi, fuori e dentro le accademie,
mi sono convinto che la condivisione non è solo
legata al dialogo e all'ascolto ma anche al fare, insieme, ogni giorno.
Valerio Rocco Orlando, Vedute, 2012
Valerio Rocco Orlando (Milano, 1978) attualmente è impegnato nella realizzazione di un
nuovo film intitolato Interfaith Diaries. Una coproduzione internazionale realizzata con il supporto di Artport Tel Aviv e del MMCA National
Museum of Modern and Contemporary Art
Korea.
www.valerioroccoorlando.com
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Dei trentaquattro Istituti stranieri di Cultura presenti in città, abbiamo selezionato quelli che ci
sembrano più significativi, i più attivi. Purtroppo con qualche assenza evidente, come quella
dell’Istituto Svizzero, che non dipende da noi
a cura di Eleonora Minna
AccAdEmIA tEdEScA ROmA VIllA mASSImO
Largo di Villa Massimo, 1-2
www.villamassimo.de
Staff: Joachim Blüher (direttore), Dagmar Fröhlich (direttrice amministrativa e
vice direttrice), Beatrice Di Buduo (amministrazione), Floriana Donati,(vice-direttrice amministrativa), Julia Trolp (relazioni artistiche), Allegra Giorgolo (stampa e
comunicazione), Agnese Picari (organizzazione eventi), Dennis Päschel (amministrazione Web, allestimento mostre), Ornella Aiello e Franziska Fenner (segreteria), Franziska Fenner (biblioteca).
Budget: 2.100.000 € (comprensivo delle dieci borse di studio).
Sponsor: L’Accademia Tedesca Roma Villa Massimo rientra nell’ambito delle
competenze dell’Incaricato del Governo Federale per gli Affari Culturali e i Media
della Repubblica Federale di Germania. Non abbiamo sponsor in Italia.
Attività: Per dieci anni si è svolta la serie espositiva Soltanto un quadro al massimo, che metteva a confronto l’opera di un artista tedesco con quella di un artista
italiano (terminata nel 2013); Grandi eventi come la Festa dell’Estate, la Presentazione Finale e gli Open Studios e la presentazione al Martin-Gropius-Bau a Berlino, tutti con le opere dei borsisti (mostre, letture, concerti e performance);
Festival di musica elettronica electric campfire; Concerto annuale all’Auditorium
Parco della Musica; Lettura annuale alla Villa Magistrale del Sovrano Ordine di
Malta all’Aventino; Da settembre 2014 e per i cinque successivi anni: mostra annuale di fotografi tedeschi come contributi alla storia della fotografia (nel 2014
sarà August Sander); Dal 2015 annualmente mostra delle grandi collezioni tedesche di proprietà pubblica (a partire dalla collezione della Nationalgalerie di Berlino).
Collaborazioni con altre istituzioni: Sì, con Accademia di Santa Cecilia; Auditorium Parco della Musica; MACRO; MAXXI.
La cartolina da Roma di Joachim Blüher: Campo de’ Fiori, l’incontro fra Fabrizio Roscioli, proprietario del Forno Campo de’ Fiori, e Josef Wagner, nostro borsista e fornaio dalla Baviera, che fu invitato nel Forno.
Prima hanno cotto il pane italiano e poi hanno cotto il pane tedesco. Il pane e il
metodo non potevano essere più diversi, ma entrambi erano buoni allo stesso
modo. Questa è anche la massima di quest’Accademia: solo se ci distinguiamo
e apprezziamo le particolarità dell’altro siamo ricchi.
AccAdEmIA dI FRANcIA A ROmA - VIllA mEdIcI
Via Trinità dei Monti 1
www.villamedici.it
Staff: Éric de Chassey (direttore), Claudia Ferrazzi (segretaria generale), Annick
Lemoine (responsabile del dipartimento di Storia dell’Arte).
Budget: 3.100.000 euro (di cui 1.800.000 destinati alla programmazione culturale
e 1.300.000 al programma di residenze artistiche).
Sponsor e partner: Amundi, Fondation Jean-Luc Lagardère, Académie des
Beaux-Arts, Air France, Total E&P Italia e Fondation Total, Fondation du Patrimoine, Fondazione Nando Peretti, Fondazione Nuovi Mecenati, Institut français,
Maison Astier de Villatte, Groupama Assicurazioni, Fonds de dotation agnès b,
Palazzetto Bru Zane, Centre de Musique Baroque de Versailles, Ernst&young.
Attività: Programma di residenze per artisti e ricercatori di tutte le nazionalità, che
parlino francese e operino nelle seguenti discipline: architettura, arti visive, composizione musicale, design e mestieri d’arte, scrittura di sceneggiature, letteratura,
fotografia, scenografia, regia, coreografia, storia e teoria dell'arte, restauro delle
opere d'arte e dei monumenti. La programmazione culturale durante il corso dell’anno comprende mostre d’arte moderna e contemporanea, concerti, proiezioni,
incontri letterari, colloqui. Una sezione a parte è quella della tutela del patrimonio
storico-artistico e visite guidate a Villa Medici e ai suoi giardini.
Collaborazioni con altre istituzioni: Molti musei, centri d’arte, fondazioni, gallerie, biblioteche, scuole di diverso ordine e grado, università, istituti culturali stranieri
a Roma, in Italia, in Francia e nel resto del mondo.
La cartolina da Roma di Éric de Chassey: Roma è una città che offre ad artisti
e ricercatori la possibilità di avere un rapporto vivo con una storia lunga e complessa, di ripensare le relazioni tra passato, presente e futuro attraverso una riflessione resa più che mai necessaria dal presentismo della nostra società. Ma
Roma non è soltanto la città emblema dell’Antichità e del Rinascimento, è una
città in movimento, situata nel cuore dell’Europa.
EXIBARt 87 / 50
ROmA/lE AccAdEmIE
BRItISH ScHOOl At ROmE
Via Antonio Gramsci 61
www.bsr.ac.uk
Staff: Christopher Smith (direttore), Marco Palmieri (consulente per le Belle
Art), Jacopo Benci (ricercatore in Studi Moderni e Cultura Visiva Contemporanea).
Budget: Non dichiarato.
Sponsor: Non dichiarati.
Attività: Dalla sua fondazione The British School at Rome ha attratto artisti
visivi e architetti del più alto valore- Per sviluppare questa comunità unica e
multidisciplinare, l’Istituto dispone di sette studi e offre residenze dai 3 ai 12
mesi, previsti per tutti i livelli di carriera e differenti media. Oggi, coloro che
vincono un premio di residenza rappresentano il meglio della pratica artistica
inglese e dei Paesi del Commonwealth, sia nascente che affermata. I residenti
attingono e contribuiscono allo stesso tempo, all’ambiente intellettuale unico
e vivace dell’istituto, per migliorare la loro pratica di ricerca. Le esposizioni del
lavoro dei residenti si tengono tre volte l’anno, a dicembre, marzo e giugno.
Collaborazioni con altre istituzioni: Sì con American Academy in Rome;
Galleria Nazionale d’Arte Moderna; John Cabot University; Università LUISS
Guido Carli; MACRO; MAXXI; Rhode Island School of Design; Royal College
of Art; Ruskin School of Drawing and Fine Art.
La cartolina da Roma di: Credo che in questo momento, le Accademie internazionali a Roma contribuiscono decisamente alla scena culturale della città
attraverso letture, conferenze e mostre, fornendo un potenziale e futuro luogo
di interazione e di scambio. Sarà interessante vedere come, nel corso dell’attuale crisi economica, politica e del clima culturale in Italia, queste Accademie
saranno in grado di fornire ad artisti, curatori e ricercatori uno spazio raro e
decisamente particolare per sviluppare le loro pratiche. E sarà ancora più interessante vedere il modo in cui queste "Accademie" (e ciò che accade al loro
interno), si fonderanno con la città.
AmERIcAN AcAdEmy IN ROmE
Via Angelo Masina, 5
www.aarome.org
Staff: Christopher S. Celenza, FAAR’94 (direttore) alla fine di giugno lo sostituisce kimberly Bowes, Peter Benson Miller e Andrew heiskell Arts (direttori
artistici), Andrew W. Mellon (professore in carica per gli Studi Classici), Anne
Coulson (funzionario del Senior Programs), Lexi Ebserspacher (addetta ai Programs).
Budget: Non dichiarato.
Sponsor: Non dichiarati.
Attività: Mostre, conferenze, concerti, open studios.
Collaborazioni con altre istituzioni: Sì, con Roma Capitale; MAXXI; Istituto
Nazionale della Grafica; Archivio Storico Capitolino; Archivio di Stato di Roma;
Depart Foundation; Casa delle Letterature; Scharoun Ensemble, Berlin; Casa
Italiana Zerilli-Marimò, New york University; Galleria Nazionale d’Arte Moderna.
La cartolina da Roma di Peter Benson Miller: Quest’anno l’American Academy in Rome festeggia il centenario della sua sede progettata da McKim,
Mead & White che ospita da cento anni un laboratorio intellettuale e creativo,
sempre più aperto al pubblico.
IStItUtO POlAccO dI ROmA - PAlAzzO BlUmENStIHl
Via Vittoria Colonna 1
www.istitutopolacco.it
Staff: Paweł Stasikowski (direttore), Marek Szczepanowski (vicedirettore), Jolanta
Cichecka Speranza (segreteria), Bogumila Serwinska (Storia & Letteratura), Magdalena Widlak Avolio, (Musica),Marta Sputowska (Media & Cinema), Anna Jagiello
(Arte & Spettacolo), Eliza Olszanska (Grafica).
Budget: Non dichiarato.
Sponsor: Non dichiarati.
Attività: Presentazione di mostre e film, organizzazione di conferenze, incontri, spettacoli e concerti. Alcuni importanti appuntamenti dell’Istituto sono le Giornate della
Memoria e del Dialogo nonché il Festival del Cinema Polacco CiakPolonia. L’Istituto
ospita una biblioteca di oltre 15mila volumi che mette a disposizione libri in lingua
polacca ed italiana. Presente anche una galleria per l´allestimento di mostre ed esposizioni, di una sala concerti e di una sala di lettura.
Collaborazioni con altre istituzioni: Sì. Ogni anno in vari luoghi di Roma, e in collaborazione con le sue istituzioni culturali, l’Istituto organizza il Festival della Cultura
Polacca. L’Istituto collabora inoltre con diverse organizzazioni culturali e festival in
tutta Italia e offre il proprio patrocinio ad eventi e progetti che valorizzano la cultura
polacca. Un importante campo di attività è l’editoria, ovvero la collaborazione con le
case editrici italiane attente alla letteratura polacca.
La cartolina da Roma di: Nessuno ha spedito cartoline.
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Street e Urban Art sono fenomeni in crescita, soprattutto nei quartieri Ostiense e Testaccio.
Li abbiamo apparentati agli spazi no profit, che sarebbe meglio definire “tra profit e no profit”, perché,
in mancanza di donatori, come succede anche a Milano e in altre città, gli spazi indipendenti hanno
bisogno di fare qualche profitto, sia pure esile, per continuare ad esistere. Ecco quello che rimane di
una stagione che qualche anno fa sembrava promettere molto
a cura di Mariangela Capozzi e Sabrina Vedovotto
Il NO PROFIt cHE NON c’è
TRISTE AMARCORD? NON PROPRIO. ANCHE SE LA MANCANzA SI SENTE. SOPRATTUTTO PERCHé,
PER ALCUNI ANNI A ROMA, SONO SUCCESSE ALCUNE COSE DAVVERO STRAORDINARIE. MENTRE
I GRANDI MUSEI ERANO IN CANTIERE, APRIVANO DIVERSI SPAzI NO PROFIT CHE
SCOMMETTEVANO SULL’INCONTRO TRA CURATORI E ARTISTI, ITALIANI E INTERNAzIONALI.
REALIzzANDO ARCHIVI IMPORTANTI, OGGI CONSERVATI AL MACRO, E PROGETTI INEDITI.
ECCO UNA BREVE STORIA DI QUEGLI ANNI
è stato un momento in cui a Roma credevamo fossimo diventati davvero internazionali. Ci abbiamo creduto tutti.
Un vento di grande entusiasmo e voglia di fare,
un viatico che ha portato idee progetti, entusiasmo e desiderio di mettersi in gioco. Siamo intorno al 2005, 2006, anni in cui molte gallerie dal
nord aprivano anche a Roma, quando gli artisti
credevano ancora di poter (giustamente) cambiare le cose, quando lavoravano alla realizzazione del Macro e del MAXXI, quando tutto
insomma sembrava realizzabile. In questo momento nascono degli spazi no-profit, che in pochi
anni cambiano la visione della città. 1:1 project,
26cc, CondottoC. Tre spazi, tre realtà di assoluto
interesse, che in pochi anni hanno creato progetti
nuovi, di cui oggi si sente molto la mancanza.
1.1project, fondato da Maria Alicata, Daniele
Balit, Cecilia Canziani, Chiara Compostella, Benedetta di Loreto, Adrienne Drake, Andrea Fontemaggi, Athena Panni e Francesco Ventrella, ai
quali nel corso dei tre anni di attività nella sede
di San Giovanni si sono aggiunti Ilaria Gianni, Davide Franceschini e Stefano Campana, aveva
nella sua mission quella di promuovere progetti
d’arte contemporanea, collaborando con curatori
italiani ed internazionali. Ma soprattutto, è grazie a 1:1 se ancora oggi, negli spazi del Macro Testaccio, Roma ha un archivio di artisti di grande
interesse, curato attualmente da Maria Alicata,
Daniele Balit, Cecilia Canziani, Rosa Ciacci, Benedetta di Loreto, Adrienne Drake, Valentina Gasperini. Il progetto 1.1archive era, nelle idee dei
fondatori dello spazio che si trovava nel quartiere
Appio, il punto di forza della piattaforma, che in
questo modo, in maniera ben strutturata e ottimamente fruibile, dava la possibilità a curatori,
italiani e non (tra gli altri: Marina Sorbello e
Marko Stamenkovic),di conoscere il lavoro di
moltissimi artisti. Un archivio di artisti contemporanei, un progetto di grandi ambizioni. Lo
stesso vale per 26cc - di cui sono stata co- fondatrice insieme a Cecilia Castrati, Gabriele Gaspari,
C’
EXIBARt 87 / 52
Gianmaria Tosatti, L’Hotel sur la lune, 2011
«A RIPROVA cHE Il NO-PROFIt
IN qUEglI ANNI VIVEVA UN
mOmENtO dI gRANdE
VIgORE, NAcqUE ANcHE AdA,
UN NEtWORK PER lE ARtI
cONtEmPORANEE. lUOgO
UtOPIcO dI gRANdISSImO
INtERESSE INtEllEttIVO
E cUltURAlE, cHE AVEVA
tRA I SUOI PARtEcIPANtI
REAltà dI BOlzANO,
dI ROmA, dI mIlANO
E dI BOlOgNA»
Valentina Noferini, Luana Perilli e Andrea Liberati - che invece negli anni ha cercato di realizzare progetti con contenuti, tentando ogni volta
di spostare l’attenzione degli spettatori verso tematiche meno banali e ricorrenti.
Oltre alle mostre, direi che ciò che caratterizzava
questo spazio, nel cuore del Pigneto, fossero i talk,
momenti di incontro, di dialogo, di riflessione,
dove sono passati a lasciare la loro testimonianza
artisti come Clemens Von Vedemeyer, Keren
Cytter, Margherita Moscardini, Chiara Fumai,
tanto per citare qualche nome. C’era poi CondottoC, un luogo anche questo fuori dal centro storico, precisamente al Quadraro, dove anche qui si
è cercato di realizzare qualcosa di poco legato al
sistema. Condottoc ha sempre dato assoluta libertà agli artisti, che in uno spazio complesso,
come un condotto appunto, hanno realizzato nel
tempo lavori di grande interesse.
Spazi no-profit che negli anni si sono creati una
rete di contatti con Paesi stranieri, per dialogare,
supportarsi, per scambiarsi progetti. A riprova
che il no-profit in quegli anni viveva un momento
di grande vigore, nacque anche Ada, un network
no-profit per le arti contemporanee, luogo utopico
di grandissimo interesse intellettivo e culturale,
che aveva tra i suoi partecipanti realtà di Bolzano, di Roma, di Milano e di Bologna. Ada realizzò anche una “Carta Etica”, dove furono
sottoscritti, dopo giorni di incontri e dibattiti entusiasmanti e sfiancanti, argomenti di interesse
culturale, sottolineando quanto la cultura fosse
importante ed avesse un ruolo fondamentale in
un Paese che vuole definirsi moderno.
Altro momento importante è stato un focus sui
no-profit e gli spazi improduttivi, RELOAD, realizzato nel 2011 dall’artista Gian Maria Tosatti,
che ideò una serie di interventi, mostre, talk, luoghi di aggregazione dove la parola parlata aveva
ancora un senso.
A rileggere tutto ciò che è stato, e che non è più,
si sente un dolore viscerale. Non solo perché chi
scrive ne ha fatto parte, ma anche perché sembrano passati secoli da quando tutto ciò accadeva, nella città in cui viviamo ora, che sembra
ferita mortalmente con scarse possibilità di recupero.
I no-profit non sono realtà economiche, senza un
sostegno, un aiuto che sia però libero da richieste,
non ce la fanno, non sopravvivono. La libertà di
idee si paga, sempre, ed in questo caso ci hanno
rimesso certamente coloro che ci hanno creduto
ma anche chi in questi luoghi andava cercando
qualcosa di diverso. (S.V.)
ROmA/ I lUOgHI/glI SPAzI NO PROFIt
AlbumArte
Indirizzo: Via Flaminia, 122 Roma
www.albumarte.org
Staff: Cristina Cobianchi (presidente), Maria
Rosa Sossai (direttore artistico), Nicoletta Guglielmucci (project manager).
Budget annuo: Non dichiarato, deciso a progetto
Sponsor Per l’ultimo progetto: Yapı Kredi Cultural Activities Arts and Publishing, Camera di
Commercio Italiana in Turchia e IRI Real Estate.
Presenza di Collezione: No
Linee di ricerca: AlbumArte si impegna attraverso un’approfondita ricerca a sostenere e diffondere l'arte contemporanea in Italia e
all’estero, anche attraverso un programma di residenze d’artista arrivato alla quarta edizione.
Linee espositive: Dall’autunno 2014 produrremo
mostre anche nel nostro spazio espositivo di Via
Flaminia, scegliendo ogni anno un tema conduttore che le caratterizzerà.
Partecipazioni a fiere: Finora no.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì, con
il MAXXI, gli Istituti Italiani di Cultura di Istanbul, di Ankara e di Praga, l’Ambasciata d’Italia in
Turchia, l’Istituto Francese di Cultura in Italia,
l’Ufficio Affari Culturali del Comune di Parigi, la
Citè Internationale des Art di Parigi, il Ministero
dei Beni Culturali, il Dipartimento Cultura di
Roma Capitale. AlbumArte ha inoltre realizzato
progetti in molti spazi pubblici e privati, tra gli
altri l’Accademia di San Luca, l’Accademia di Romania, il Museo Chiostro del Bramante e l’Auditorium Conciliazione a Roma, il Museo Civico a
Viterbo, il Columbus Center a Toronto, l’Elgiz Museum of Contemporary Art, l’Istituto Italiano di
Cultura, la Bilgy University, lo SpazioX e la Galata
Rum Okulu-Scuola Greca di Galata, a Istanbul.
Il post di Cristina Cobianchi: Abbiamo grandi
progetti! In una vecchia stalla di Villa Poniatowsky, diventato in seguito deposito per carrozze
del trasporto pubblico e usato finora dall'associazione come laboratorio per giovani artisti, da settembre 2014 AlbumArte accoglierà un
programma di talk, mostre, performance, workshop indipendenti o collegati ai progetti di residenze di artista.
sguardo contemporaneo
Indirizzo:
www.sguardocontemporaneo.it | www.nuovagestione.net
Staff: Claudia Cavalieri, Chiara Ciucci Giuliani,
Valentina Fiore, Nicoletta Guglielmucci, Fabrizio
Manzari, Simona Merra, Antonio Pizzolante,
Francesco Rao, Carmela Rinaldi, Saverio Verini
(direzione, amministrazione e curatela)
Budget annuo: Non c’è, essendo un’associazione
culturale no profit
Sponsor: Si cercano dei partner a seconda dei
progetti, ma non c’è un “sostenitore” in particolare
Presenza di Collezione: No
Linee di ricerca: Il collettivo sguardo contemporaneo è nato nel 2007, inizialmente riunito attorno a un sito internet di informazione e critica
d’arte. Costituitosi associazione culturale nel
2010, ha successivamente esteso la propria attività all’ideazione e all’organizzazione di mostre e
progetti artistici. L’associazione ha un’attitudine
“nomade”: non avendo uno spazio proprio,
sguardo contemporaneo opera di volta in volta all’interno di contesti diversi, dalle strade delle
città (con il progetto Nuova Gestione, per esempio) fino a spazi più istituzionali come gallerie e
fondazioni. Gli artisti vengono scelti in base alle
esigenze progettuali cercando di coinvolgere profili che possano dialogare con la memoria e l’identità dei luoghi nei quali operiamo.
Partecipazioni a fiere: No
Rapporti con altre gallerie italiane straniere e
istituzioni: nel 2012/2013 sguardo contemporaneo ha curato la programmazione di
Pastificio_lab, piattaforma culturale multidisciplinare con base all’interno del Pastificio Cerere,
qwatz, artist in residency programme - ROME
Via della Camilluccia 418
www.qwatz.it
Staff: Benedetta di Loreto (direttrice e curatrice), Mauro Scali (direttore amministrativo),
Rosa Ciacci (ricerca e sviluppo progetti),Virginia
Moniaci (relazioni esterne)
Budget: Non dichiarato
Sponsor: A progetto
Presenza di Collezione: No
Linee di ricerca: qwatz è una residenza per artisti con base a Roma che ospita artisti e curatori
per un periodo al fine di realizzare mostre e progetti di arte contemporanea.
Progetto espositiveo: Relazione con il territorio
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Ha organizzato mostre presso la Galleria Nazionale
d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma, il
Museo Canonica di villa Borghese a Roma, la galleria Extraspazio, la sede di Romaeuropa Festival
a Testaccio. Ha collaborato ed è stata sostenuta
dalla galleria 1/9unosunove, dalla Danish Art
nel quartiere San Lorenzo, a Roma. Tra le altre
collaborazioni, si segnala: cartabianca_roma, mostra curata presso il Museo di Villa Croce di Genova, in collaborazione con Nero e Carla Subrizi
(2012); cura dei testi critici e degli allestimenti
della programmazione espositiva 2010/2011
della galleria Whitecubealpigneto; organizzazione
di alcuni appuntamenti di “Wi-Fi Art”, eventi di
una giornata legati alle arti visive, presso il Circolo degli Artisti (2009/2010). Partecipazione a
due edizioni di Fotografia. Festival Internazionale di Roma (2011 e 2012).
Il post del collettivo: L’esperienza culturale può
essere efficace anche se non avviene nei “luoghi
di rappresentanza”. Nei nostri progetti cerchiamo di creare relazioni anche con chi non appartiene al cosiddetto “sistema dell’arte”; anche
quando abbiamo lavorato in contesti istituzionali
abbiamo cercato di stabilire un contatto con i cittadini dei luoghi in cui ci siamo trovati ad agire.
Da questo punto di vista il progetto Nuova Gestione, del quale abbiamo organizzato due edizioni, nel 2012 e nel 2014, dimostra quanto la
fruizione della cultura in generale, e dell’arte contemporanea in particolare, possa assumere una
traiettoria realmente orizzontale e aperta anche
a chi abitualmente non frequenta il mondo dell’arte.
Agency for Culture, dallo studio di architettura
Art & Space Marketing, dalla Japan Foundation,
dal Cultural Affair Department, New Taipei City
Government, da ROMA CONTEMPORARY, dall'Agi Verona, da ROMA CAPITALE, da BAO Atelier,
da
O’A.I.R.,
da
Archiviazioni,
da
RESIDENzAITALIA, da cura.books, da Ines Musumeci Greco, dalla Fondazione Giuliani, da
NERO magazine, da VIR Viafarini-in-residence,
da Fondazione Bevilacqua, dalla Yoshino Gypsum
Art Foundation, da Cittadellarte Fondazione Pistoletto, dalla Fondazione Brodbeck, dal Global
Art Programme, dalla Fondazione Romaeuropa
Arte e Cultura, dal Goethe-Institut Italien, dalla
DFB-Kulturstiftung, dal Tekfestival.
Il post di Benedetta di Loreto: Nata nel 2007, la
residenza ha tracciato una storia piccola ma significativa, attraverso cui esprime il suo interesse a funzionare come un network che mette
realmente in contatto operatori dell’arte, editori,
collezionisti, imprese e un pubblico misto tra
esperti del settore e non.
EXIBARt 87 / 53
l’INtERVIStA/JESSIcA StEWARt
UN PHOtOBlOg
PER lA cIttà EtERNA
UN RAzzO VERSO
lA lUNA.
Ed è SUBItO mAAm
L’URBE VISTA CON GLI OCCHI DELLA GIOVANE
FOTOGRAFA AMERICANA JESSICA STEWART,
APPASSIONATA DELLA LUCE E DEL PAESAGGIO
METROPOLITANO DELLA CAPITALE. DOVE NON
A CASO HA SCELTO DI VIVERE
QUALCUNO DICE CHE È IL VERO
MUSEO DI ROMA. ALTRI NON CI
VANNO PERCHé LO PERCEPISCONO
ANCORA MOLTO PERIFERICO, NON
SOLO GEOGRAFICAMENTE. DI SICURO
IL MAMM È UNA REALTà DA CUI NON
SI PUò PRESCINDERE. ECCO UN
BREVE RITRATTO
di Mariangela Capozzi
er essere felici bisogna essere coraggiosi”. È questo il motto che ha caratterizzato il punto di incontro tra il mondo
dell’arte e i Blocchi Precari Metropolitani, organizzazione di occupanti per l’emergenza
abitativa, seduti faccia a faccia per parlare del
MAAM, il museo politico, situazionista e relazionale nato all’interno dello spazio occupato nel
2009 e chiamato Metropoliz_città meticcia, per
la varietà di popolazione che ospita, sulla via Prenestina. Una chiamata alle armi del sistema dell’arte, da parte dell’antropologo Giorgio De Finis
che ha avuto l’intuizione di costruire una barriere artistica intorno a quelli che vengono considerati diritti inalienabili delle persone. Il MAAM
(Museo dell’Altro e dell’Altrove di Metropoliz)
prosegue un discorso di immaginazione e speranza nato con la costruzione di un razzo verso
la luna, dall’idea di De Finis e dell’antropologo e
film maker Fabrizio Boni che ha portato alla realizzazione del film Space Metropoliz. Da quel momento l’arte è diventata un elemento centrale
nella ex fabbrica della Fiorucci, che da luogo produttivo è diventato luogo creativo e di vita quotidiana. Nel corso del tempo sono stati realizzati
eventi che hanno coinvolto artisti molto diversi
tra loro come Michelangelo Pistoletto, Gian
Maria Tosatti, Sten&Lex, Franco Losvizzero,
Veronica Montanino, Danilo Bucchi, Cristiano
Petrucci, Micaela Lattanzio, Alice Pasquini,
Borondo, Francesco Petrone, Cesare Pietroiusti e tanti altri, ma anche teorici dell’arte come
Carolyn Christov-Bakargiev e Lorenzo Canova.
Tutti intorno ad un progetto che ha già una rivista propria, chiamata FART, e che conta al suo
attivo più di 300 opere, il cui valore economico
verrebbe sacrificato in caso di sgombero e distruzione dell’edificio. Un luogo che si candida a diventare cuore pulsante del quartiere e della città
e che potrebbe aprire le sue porte e la sua “collezione” nel caso in cui le istituzioni decidano di salvaguardarne l’integrità, offrendo alla proprietà
una valida alternativa. L’ultima iniziativa in ordine di tempo è Not Here dell’artista Mauro Cuppone che ha collocato una grande X con il
messaggio “Non bombardate”, visibile sulle
mappe di Google e che si appresta a diventare
simbolo di una condizione sociale e culturale, diffusa a macchia d’olio in tutta la città, attraverso
le occupazioni abitative. Un’operazione politica,
come quella di accendere questo posto di periferia
per riagganciarlo con il centro.(M.C.)
“P
«Un po’ tutte e due le cose. Sicuramente sono cresciuta in un Paese,
gli Stati Uniti, con una cultura diversa, ma ho scelto di trasferirmi
qui e non mi aspetto che tutto sia
uguale a quello che ho lasciato,
anzi. Non credo di essere particolarmente critica: vorrei il meglio
per l’Italia perché è una nazione
piena di bellezza e di persone
l suo blog per immagini (romephotoblog.com) si appresta a diventare un documento fondamentale per ricostruire il
lato meno visibile della storia della città. E per rintracciare graffiti e interventi illegali introvabili o
spesso distrutti, che raccontano degli esordi dell’arte urbana a Roma. Fino ad arrivare alla street
art legale degli ultimi tempi. Ecco come lei lo racconta.
Quando sei arrivata a Roma e cosa ti ha portata
in questa città?
«Sono arrivata nel luglio del 2005 perché ho studiato Storia dell’arte, con specializzazione sull’arte italiana del Rinascimento, e volevo cercare
lavoro nel settore, naturalmente in Italia. Poi ho
scelto la Capitale perché mi piace vivere in città e
Roma, secondo me, è la città italiana più bella».
I
Come sono nati i tuoi primi progetti fotografici?
«Ho sempre scattato foto fin da quando ero al liceo
e durante i miei numerosi viaggi. Durante l’università è diventato il mio modo per esprimermi artisticamente, visto che non so dipingere o
disegnare. Una vena creativa che ho tirato fuori
dopo un paio di anni».
Qual è il tuo rapporto con la città e quali sono i tuoi
luoghi preferiti?
«Negli anni le mie preferenze sono cambiate e
quindi anche le mie fotografie. Roma è una città
con la quale bisogna avere tanta pazienza. Spesso
le cose non funzionano come si vorrebbe, ma resta
sicuramente uno dei luoghi più affascinanti che
abbia visitato o in cui abbia mai vissuto. C’è sempre una sorpresa dietro ogni angolo e non mi
stanco mai di passeggiare e trovare nuove ispirazioni qui. Credo che ci siano fantastiche opportunità, se si ha pazienza e determinazione nel
cercarle».
Com'è lo sguardo di una "straniera" sulla nostra
città? Sei severa o tendi a perdonarci quasi tutto?
EXIBARt 87 / 54
molto in gamba».
Quando è nato RomePhotoBlog? Raccontaci di
questo tuo progetto e di come sia cambiato nel
corso degli anni.
«Il blog è nato nel settembre del 2008 dalla voglia
di utilizzare la mia passione per la fotografia e
per avere un’alternativa creativa al mio lavoro
quotidiano. Volevo raccontare la mia visione della
città e fare un blog diverso da quello degli ex-pat
a Roma (n.d.r. ex-pat come espatriati). Volevo dimostrare che Roma può essere anche un luogo
moderno e urbano. Negli anni il blog è cambiato
perché ho focalizzato sempre più il mio interesse
sulla street art e adesso, rispetto all’inizio, mi capita di scattare anche molto con lo smartphone.
Il mio resta un progetto fatto per passione anche
se ha portato l’opportunità per me di fare mostre,
scrivere libri, lavorare. Una cosa molto bella, ma
assolutamente inaspettata all’inizio di questa avventura»
Quali sono i tuoi ricordi per immagini più belli di
questa città? Quali le cose che invece non avresti
voluto vedere?
«Questa è una domanda difficile perché le foto che
scatto rappresentano fasi della mia vita e per
questo, direi, che non c’è niente che non avrei voluto vedere. Le immagini più belle sono forse
quelle che immortalano il momento in cui ho conosciuto qualcuno per la prima volta o quando
sono stata nel posto giusto al momento giusto,
come la fotografia che ho scattato a una suora con
una bomboletta spray durante un “Graffiti jam”
(n.d.r. performance estemporanea di graffiti).
Quelle foto mi fanno sorridere e mi ricordano di
come un semplice blog abbia veramente cambiato
la mia vita». (M.C.)
ROmA/ I lUOgHI/ glI SPAzI NO PROFIt
Roma/Urban Art
Museo di Urban Art di Roma (MURo)
Indirizzo: Circonvallazione Casilina 62/64
www.muromuseum.com
Staff: David Vecchiato (direttore e curatore), Serena Melandri (direttore amministrativo), Giorgio Silvestrelli (responsabile interventi urbani),
Sergio Santangelo (responsabile tecnico), Maurizio Mattana (direttore marketing), Alessandro
Bentivegna (comunicazione)
Budget annuo: 60mila euro
Finanziamenti: Comune di Roma, Provincia di
Roma, Municipio Roma V, Sky, Grandma. Ricorso
a sponsor per la realizzazione delle opere urbane
non prodotte dall’associazione che gestisce il
Museo, più partner tecnici e sponsor pubblici o
privati per interventi una tantum, legati all'acquisizione di un'opera in particolare.
Presenza di Collezione: Si. Nicola Alessandrini,
Jim Avignon, Gary Baseman, Marco About Bevivino, zelda Bomba, Alberto Corradi, Diavù, Dilkabear, Ron English, Camilla Falsini, Malo Farfan,
Massimo Giacon, Lucamaleonte, Alice Pasquini,
Paolo Petrangeli, Gio Pistone, Irene Rinaldi, Alessandro Sardella, Beau Stanton, Mr. Thoms.
Linee di ricerca: È un progetto di museo completamente integrato nel tessuto sociale, come la
forma d'arte che segue, promuove e produce: la
Street Art. È stato fondato nel 2010 dall'artista
David "Diavù" Vecchiato.
Linee espositive: MURo è un progetto site-specific di arte urbana, ideato per far relazionare gli
artisti con la conformazione e la storia dei luoghi
di convivenza sociale, ed è un progetto community-specific; mira cioè a percepire e rispettare lo
"spirito dei luoghi" in cui interviene ed è condiviso
coi cittadini.
Il post di MURo: Nessuno
Outdoor/Nufactory
Indirizzo: www.out-door.it
Staff: Francesco Dobrovich (direttore generale),
Antonella Di Lullo (curatrice), Alessandro Omodeo (responsabile di produzione), Marco della
Chiara (marketing), Antonella Bartoli (ufficio
stampa e media)
Budget annuo: 50mila euro
Sponsor: Istituzioni, imprenditori locali, multinazionali, Istituti di Cultura stranieri e Ambasciate.
Presenza di Collezione: No
Linee di ricerca: Filtriamo la nostra ricerca attraverso dei parametri che ci consentono di analizzare quali siano pulsioni che alimentano tanto
le metropoli che per noi sono d’ispirazione quanto
la scena locale della nostra città.
Progetto espositivo: Il nostro intento è portare
artisti che rappresentino le varie sfaccettature
della Urban Art, offrendo un ventaglio di proposte quanto più internazionali possibile. La centralità del nostro progetto è sempre Roma, non solo
quale centro culturale del nostro Paese, ma quale
capitale europea capace di accogliere il nuovo.
Partecipazioni a fiere: No
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: il Festival che realizziamo come Outdoor è una piattaforma aperta alla crescita della città e pertanto
accoglie con interesse nuovi partner che siano interessati ad abbracciare la nostra linea di ricerca
e curatoriale.
Il post di Francesco Dobrovich: Guarda in alto
Roma/Street Art
WALLS – Contemporary Public Art,
via Argentina Altobelli 32
http://onthewalls.it
www.sanba2014.it
Nata nel 2008 con il bagaglio dell’esperienza curatoriale nel campo dell’Urban Art di Simone Pallotta, l’associazione culturale WALLS nei primi
anni della sua nascita ha rappresentato quasi
l’unico interlocutore delle istituzioni romane per
i primi passi “legali” del writing, dei graffiti e poi
della street art, in città.
L’obiettivo dichiarato è quello di “unire arte, riqualificazione e vivibilità cittadina” stimolando
un dialogo autentico fra gli artisti, il territorio e
gli abitanti dello stesso. WALLS ha all’attivo progetti in quartieri periferici di Roma e interventi
speciali come quello nel carcere di Rebibbia. Da
questa storia progettuale nasce SANBA: portare
le cultura artistica, nelle sue diverse forme, nel
quartiere periferico di San Basilio per costruire
un dialogo con un pezzo significativo di città.
Laboratori con le scuole, incontri con le associazioni, serigrafia, scrittura creativa, architettura
e autocostruzione hanno caratterizzato SANBA,
con la partecipazione attiva dei cittadini. Tra i lavori realizzati con il territorio ci sono anche quattro facciate murali, realizzate dagli artisti Liqen
e Agostino Iacurci, che intervengono sul paesaggio lasciando una preziosa eredità da custodire
agli abitanti.
EXIBARt 87 / 55
Spesso, parlando della scena artistica romana, si guarda al passato. Come dire? “Non ci sono più
gli artisti di una volta”. E, peggio, Roma non fa bene agli artisti. La sua mollezza li fagocita, il confronto
con il passato li spiazza. E poi qui, da sempre, soffia un vento di morte, come dice Raffaele Gavarro.
Tutto vero, forse. Eppure anche a Roma, città che invece i curatori tendono ad abbandonare,
continuano a germogliare talenti. Andrea Bruciati ne ha fatto un piccolo catalogo. Buona lettura
due o tre cose
che so di loro
ANCHE RECENTEMENTE QUALCUNO CI HA PROVATO A FARE IL PUNTO SUGLI ARTISTI A
ROMA. I GIOVANI, LE ULTIME LEVE, E I GRANDI VECCHI DA CUI MOLTE COSE SONO NATE. MA
NESSUNO C’È RIUSCITO SUL SERIO. CITTà INAFFERRABILE, CHE SGUSCIA VIA? ARTISTI CHE
PASSANO IN FRETTA? NO, PIUTTOSTO È LA ROVINA, CHE AVVOLGE IL TUTTO, A RENDERE
SFOCATE ANCHE LE FOTOGRAFIE. DI GRUPPO E/O GENERAzIONALI. PROVIAMO A CAPIRE
PERCHé
di Raffaele Gavarro
gni nuova città, arrivandoci per la
prima volta, nasconde una promessa.
Che cosa può nascondere un mondo
nuovo? C’è da tremare”.
È il Signor Kunt che parla, il famoso marziano atterrato un bel giorno a Roma con la sua astronave. Ennio Flaiano scrisse questo racconto nel
1954, in realtà un testo per una commedia che
Vittorio Gassman portò in scena a Milano nel
1960, incassando un clamoroso insuccesso, proprio nello stesso anno in cui uscì sul grande
schermo, con ben altra fortuna, La Dolce Vita,
alla cui sceneggiatura aveva collaborato lo stesso
Flaiano.
Il geniale scrittore pescarese scrisse parecchio di
e su Roma, anche se non ho mai capito cosa pensasse davvero di questa città, se la odiasse o la
amasse di più, o se solo, e in modo inconfessabile,
la temesse.
Come alcuni amici possono confermare, Kunt in
questi ultimi due anni è stato per me quasi un’ossessione. Non mi riferisco al malcapitato marziano, ma a un progetto al quale appunto ho
affibbiato il suo nome, e che vorrebbe raccontare
l’arte, e non solo quella visiva, a Roma negli ultimi vent’anni. Pensato, progettato, ripensato e
riprogettato ancora, discusso, abbandonato e poi
ripreso, tenuto lì come un appuntamento che alla
fine sai che sarà inevitabile, ho deciso che fosse
arrivato il momento di dargli una prima visibilità,
facendolo diventare incipit di questa specie di
viaggio nell’arte a Roma degli ultimi, appunto e
più o meno, vent’anni.
Proprio a questo proposito, chi in questo passato
ventennio, per spirito d’iniziativa individuale o
corrispondendo a commissioni specifiche, ha tentato di trovare un qualche elemento che individuasse un denominatore comune nell’arte
italiana, ma anche più in piccolo in situazioni
nate e cresciute nelle maggiori città italiane, non
è praticamente mai riuscito nell’intento, e questo
fallimento comprende anche chi scrive.
Il quadro, che di volta in volta è emerso in analisi
e mostre simili, è sempre stato formato da una
giustapposizione di frammenti senza alcun legame forte tra di loro, e nemmeno debole per la
verità. Qual è la ragione di questa difficoltà? Tra
l’altro non accade lo stesso negli altri Paesi, dove
fare il punto sulle scene artistiche è una pratica
“O
EXIBARt 87 / 58
Sembra quasi che nella
mancata corrispondenza
a caratteri comuni
- di contenuto, formali,
di prospettiva culturale più
ampia e così via – le arti
visive nel nostro Paese
abbiano in questi anni
anticipato e accompagnato
lo sfaldamento di un’identità
condivisa che oggi è sotto gli
occhi di tutti noi. E non certo
visitando gallerie e musei
normale e decisamente efficace. Si tratta di una
questione che ho sempre trovato degna di una
certa attenzione, e che ovviamente riguarda
anche Roma. Sembra quasi che nella mancata
corrispondenza a caratteri comuni - di contenuto,
formali, di prospettiva culturale più ampia e così
via – le arti visive nel nostro Paese abbiano in
questi anni anticipato, dimostrato e accompagnato lo sfaldamento di un’identità condivisa che
oggi è sotto gli occhi di tutti noi, e non certo visitando gallerie e musei. Lo so, non si tratta proprio
di un’analisi che lascia sereni, ma dovete ammettere che è senza dubbio una notazione molto più
vicina alla realtà di quelle ipotesi che hanno altrimenti ragionato, ad esempio, sulla tendenza ironica come tratto tipico e comune dell’arte
italiana, prendendo a sostegno la nostra naturale
vocazione (?) al genere della commedia.
Così a proposito di Kunt e dell’arte a Roma, ho deciso che forse poteva essere più efficace, se non
proprio risolutivo, ragionare partendo proprio
dall’assunzione di quest’impossibilità, così mi
sono detto – Bene. Questa volta partiamo dalla
città e non da chi ci vive e lavora. Dunque: cos’è
Roma?
Non sono romano, e per una prima metà della mia
vita ho vissuto in periferia, per l’altra in centro.
Sono quindi da sempre abituato ad attraversare
il corpo di questa città, cercando di capirne anche
l’anima, forsanche solo per sentirmi meno spaesato, in qualche modo un po’ romano. Così più di
una volta mi sono fermato mentre giravo in moto
e mi sono detto – Ho capito. Finalmente ci sono. Il
segreto di questa città che vive da 2247 anni, la
sua identità e il suo irresistibile fascino, è nella
disinvolta oscenità con cui esibisce la morte: dalle
rovine del presente alla sua storia rovinosa, che
mette continuamente in scena una fine tragica
che si rinnova nel tempo senza passare mai attraverso una vera rigenerazione. Quando ho visto La
Grande Bellezza ho pensato che non ero il solo ad
averlo capito. Sorrentino attraverso gli occhi e le
parole di Jep ci mostra e ci racconta nient’altro
che questo. Ma l’avevano capito anche il nostro
Flaiano, Gadda, Fellini, Pasolini, Moravia, De
Chirico, Mafai, Schifano, Boetti, De Dominicis,
Mauri, Cerone, Mochetti, e naturalmente Kounellis; così come l’hanno capito Nicolò Ammaniti, Walter Siti, Tommaso Pincio, Cristian
ROmA/glI ARtIStI
Da sinistra:
Paolo Canevari
Micol Assael
Alfredo Pirri, Ultimi passi
Raimo, Bruna Esposito, Alfredo Pirri, Paolo Canevari, Elisabetta Benassi, Andrea Salvino,
Gioacchino Pontrelli, Goldischmied & Chiari e
anche alcuni altri, naturalmente.
Questa nostra storia comincia quindi dalla consapevolezza che la morte sia uno stato, qualcosa di
più di un sentimento, decisivo nella vita di questa
città, perdonate l’inevitabile ossimoro, e che filtri
e traspaia in modo altrettanto inevitabile nell’elaborazione dell’arte che vi si realizza.
Alla metà degli anni Novanta, finito il magno gaudio, degli Ottanta che avevano non sanato ma solo
coperto la ferita dei Settanta, Roma si presentava
come un deserto ricoperto di macerie. La differenza con Milano era siderale. Dalla metà degli
anni Ottanta la scena milanese era stata infatti
caratterizzata da riflessioni e situazioni ben altrimenti orientate da quelle della capitale: l’esperienza della Brown Boveri e il manifesto Etico,
l’insegnamento di Fabro, la mostra “Politica del,
per o riguardante il cittadino”, la rivista Tiracorrendo, Lo Spazio di Via Lazzaro Palazzi, Corrado
Levi e poi Alberto Garutti. Tutte cose che avevano contribuito alla costruzione di una nuova e
diversa consapevolezza del fare arte, che a Roma
invece nella seconda metà degli Ottanta era ancora legata ad un certo tradizionalismo pittorico
di ritorno, e che non secondariamente era sostenuto dall’arroganza di un mercato che dura fino
al 1993, l’anno del tracollo del sistema politico e
della connessa economia parassita, che naturalmente aveva uno dei suoi centri più importanti
nella Capitale.
Direi che un documento per certi versi emblematico dello stato d’animo di un artista romano nel
passaggio cruciale dagli Ottanta ai Novanta, sia
stata la lettera di Alfredo Pirri a Lia Rumma,
scritta proprio nel 1990 in occasione dell’invito
della gallerista napoletana a partecipare alla mostra “Something is Happening in Italy”. La lettera
s’intitolava Neanche la solitudine ci lega, e Pirri
vi espose la sua difficoltà a riconoscersi in quello
che stava accadendo in Italia e in una modalità
associativa di tipo unicamente generazionale.
Per inciso, questo dell’approccio generazionale,
fu una pratica che ebbe una certa fortuna per
buona parte degli anni Novanta. Una metodologia
che fu essenzialmente mutuata dal lavoro di Pier
Vittorio Tondelli con le sue antologie sugli scrittori emergenti, e che appunto fu assunta a pratica
diffusa nell’ambito dell’arte contemporanea. A
questo proposito cito ad esempio, e per tutte, la
mostra “La Scena Emergente” al Museo Pecci di
Prato, appunto del 1991, l’anno in cui morì Tondelli.
Tornando alla lettera di Pirri, si tratta di uno
scritto intenso e sincero, che racconta di una solitudine che l’artista vive innanzitutto a Roma,
prima che in Italia. Cito questo episodio perché
proprio la solitudine è uno stato d’animo che ho
riconosciuto in molti degli artisti romani con cui
ho lavorato o che ho semplicemente incontrato
dalla metà dei Novanta in poi fino ad oggi, con
davvero poche eccezioni, anche se raramente
questo stato d’animo è stato espresso con altrettanta lucidità e sincerità. Una condizione che insieme a quella della morte ispirata dalla città, ha
determinato e determina il carattere degli artisti
e dell’arte a Roma.
Faccio un rapido elenco a memoria, e per sua natura senz’altro incompleto, dei protagonisti nei
quali ho riconosciuto nel corso degli anni questa
condizione: oltre il citato Pirri, penso a Giacinto
Cerone, Cesare Pietroiusti, Bruna Esposito, Felice Levini, H.H. Lim, Paolo Canevari, Andrea
Aquilanti, gli Stalker, Alberto Di Fabio, Marco
EXIBARt 87 / 59
ROmA/glI ARtIStI
Colazzo, Cristiano Pintaldi, Pietro Fortuna,
Marina Paris, Gregorio Botta, Elisabetta Benassi, Gea Casolaro, Micol Assaël, Matteo
Montani, Andrea Salvino, Gioacchino Pontrelli, Giuseppe Pietroniro, Alessandro Piangiamore, Alessandro Sarra, Daniele Puppi,
Donatella Spaziani, Goldischmied & Chiari,
Stanislao Di Giugno, Marco Raparelli, Iginio de
Luca, Silvia Giambrone, Sandro Mele, Pietro
Ruffo, Gian Maria Tosatti, Alice Schivardi, Antonello Viola, Luana Perilli, Guendalina Salini,
Valentino Diego, Davide Dormino, Donato Piccolo, Davide D’Elia, Federico Pietrella, Giuseppe Stampone e Tomaso De Luca. Una
solitudine che per alcuni è stato un vero e proprio
isolamento, che com’è ovvio ha visto anche tentativi di superamento attraverso associazioni, accostamenti, che però non sono riusciti mai ad
andare oltre una mutua e temporanea utilità,
quasi sempre di tipo pratico.
Certo, man mano che gli anni passavano e il decennio dei Novanta lasciava il passo al nuovo millennio, Roma come sempre riusciva a rigenerarsi,
ricostruendo una scena che però continuava a
comprendere le macerie accumulate. Così alla
fine dei Novanta, cominciarono a nascere nuovi
spazi espositivi, anche se sarà appunto il decennio degli anni zero del nuovo secolo a vedere l’ondata di aperture di gallerie nuove e di seconde
sedi di gallerie più o meno illustri provenienti da
altre città, insieme alla nascita di fondazioni che
rappresentano tutt’ora un fenomeno molto caratterizzante del panorama della Capitale, insieme
di contro a pochi centri no profit e al fiorire delle
riviste online e dei free magazine. Roma appariva
e in parte era diversa, con una scena artistica più
dinamica e sganciata dalla tradizione locale,
molto più relazionata con le scene di altri luoghi,
da una parte stimolata dagli effetti della rivoluzione digitale e dall’altra dalla facilità a spostarsi
fisicamente indotta dalla mobilità low cost e dalla
diffusione della pratica delle residenze. Un decennio, quello degli anni zero, che abbiamo vissuto
con il brivido dell’apertura dei due nuovi musei,
il Macro e il Maxxi, che inaugurarono proprio nel
EXIBARt 87 / 60
la solitudine è uno stato
d’animo che ho riconosciuto
in molti degli artisti romani
con cui ho lavorato o che ho
semplicemente incontrato
dalla metà dei Novanta in poi
fino ad oggi, con davvero
poche eccezioni. che per
alcuni è stato un vero e
proprio isolamento, che ha
visto anche tentativi di
superamento attraverso
associazioni, accostamenti.
che però non sono riusciti
mai ad andare oltre una
mutua e temporanea utilità,
quasi sempre di tipo pratico
Dall’alto:
Gian Maria Tosatti
L’Attico
2010 e che promettevano la definitiva inclusione
di Roma nella serie A dell’Artworld.
Ma Roma era tutt’altro che cambiata e le nuove
architetture non potevano in alcun modo coprire
la persistenza delle rovine antiche e delle macerie recenti, come oggi alla chiusura dell’ennesimo
cerchio appare più che evidente. L’oggi si presenta dunque fatalmente non molto dissimile da
ieri. Più di qualche galleria ha chiuso, così come
la maggior parte degli spazi no profit, mentre
molti artisti si sono trasferiti in altre città europee in modo stabile o saltuario; l’agognato museo
d’arte contemporanea della città, il Macro appare
ormai destinato se non ad un vero e proprio declino, ad un drastico ridimensionamento, conseguenza di una colpevole assenza di una generale
politica culturale per il contemporaneo; il Maxxi
appare sempre più un’astronave atterrata in città
e senza nemmeno il Signor Kunt al comando;
della Quadriennale si è persa traccia e di fiere
ormai manco a parlarne.
Spero di non apparire pessimista piuttosto che
realista come vorrei, aggiungendo che non riconoscere la fisiologia della vita di Roma, la sua
eterna ciclicità, sia la prima causa di errate valutazioni della sua realtà come dei conseguenti sbagli nella gestione delle sue risorse materiali e
umane. A questo proposito, e per chi non l’avesse
ancora fatto, consiglio molto caldamente, è proprio il caso di dire, la lettura di Cinacittà (2008)
di Tommaso Pincio, uno dei romanzi più importanti e più lucidi degli ultimi anni, anche e forse
proprio per quello che dice di Roma e dei romani.
La presenza costante della morte, del disincanto
e del cinismo che ne conseguono, in cui confluiscono tutte le suggestioni narrative e cinematografiche, ma anche propriamente artistiche, che
hanno segnato questi nostri anni, rendono la narrazione di Pincio una vera e propria guida nel
corpo e nell’anima di questa città, come in noi
stessi. Un viaggio che trascorre inesorabile tra le
ombre e la bellezza di una luce davvero unica.
Una cosa, almeno quest’ultima, che non ci potrà
togliere nessuno e che continuerà ad ispirarci in
attesa dell’inizio di un nuovo ciclo.
l’INtERVIStA/lUcA lO PINtO
L'ultimo
dei fuoriusciti
VIA, ANDARE VIA. LONTANO DA CHI NON È IN GRADO DI VALORIzzARTI. SE È VERO CHE NON
C'È ARTISTA AL MONDO CHE NON VOGLIA VENIRE, ALMENO UNA VOLTA NELLA VITA,
A LAVORARE A ROMA, PER I CURATORI, LA PROSPETTIVA È QUASI OPPOSTA. LA CITTà
OFFRE POCO E NON RISCHIA NIENTE. COSì SPESSO I MIGLIORI (O MOLTI DI LORO) EMIGRANO. UN ALTRO CASO DI “CERVELLI IN FUGA” CHE RENDE IL PAESAGGIO PIù SPOGLIO.
E, ANCHE SE NON SEMPRE SI SONO FORMATI QUI E QUINDI NON SONO COSTATI
PARTICOLARMENTE ALLA COLLETTIVITà E SE IL MONDO DELL'ARTE È PIù MOBILE DI
ALTRI PER CUI LAVORARE ALL'ESTERO È NORMALE, SI TRATTA PUR SEMPRE DI UNA FUGA
DI CERVELLI. CREATIVI
di Sabrina Vedevotto
asciare il campo è una resa o è il giusto
modo per lavorare serenamente, portando a termine progetti complessi con
risultati eccellenti? Luca Lo Pinto è l'ultimo dei giovani curatori che ha trovato un ruolo
al di fuori della Penisola. Prima di lui ad emigrare
sono stati altri stimati curatori, che non a caso
oggi ricoprono ruoli importanti in diverse Istituzioni straniere. Per limitarci ai soli romani: Lorenzo Benedetti oggi dirige De Appel, prestigiosa
Scuola curatoriale e Centro espositivo con sede ad
Amsterdam, Chiara Parisi è direttrice dei programmi culturali del museo La Monnaie di Parigi,
Francesco Stocchi è curatore al Boijmans van
Beuningen di Rotterdam.
La scelta di Lo Pinto non è stata una predeterminata, è avvenuta in maniera quasi casuale, rispondendo, per la prima volta, ad una application su
internet.
Luca Lo Pinto è sicuramente un curatore sui generis, spesso ha unito discipline diverse come la musica, le arti visive, cercando di rendere il suo
approccio originale e fuori dagli schemi tradizionali. Gli abbiamo fatto qualche domanda.
Piuttosto che investire soldi in costose architetture che rimangono dei contenitori senza contenuto, sarebbe più utile utilizzare spazi
preesistenti di dimensioni più ridotte ed economicamente più sostenibili e darle in mano a professionisti giovani, preparati e in grado di
impegnarsi per darli un’identità.
Le risorse economiche sono importanti, ma ancora più importante è sapere come usarle e con
quali finalità ovviamente all’interno di un’autonomia gestionale non vincolata alla politica».
L
Cosa vai a fare esattamente all’estero?
«Sono stato nominato curatore alla Kunsthalle
Wien. Mi occuperò del programma espositivo e
delle varie attività collaterali (conferenze, festival,
pubblicazioni). In realtà non cercavo un lavoro
all’estero. È uscita fuori quest’opportunità e ho
pensato di provare. Rispetto ad un museo, un’istituzione come la Kunsthalle rappresenta una piattaforma dove operare in modo più snello e
sviluppare una programmazione con maggiore libertà. È il tipo di istituzione che in questo momento sarebbe più utile al sistema artistico
italiano, vista la situazione critica in cui versano
i musei».
Credi che le istituzioni italiane sarebbero
pronte per una realtà di questo tipo? Come te la
immagineresti ed in quale città? Roma, Milano, Napoli?
«Più che essere pronte, credo risponda meglio alle
necessità di un sistema politico-economicoburocratico che evidentemente non ha la forza né
l'interesse di investire sulle istituzioni museali.
Se ti affidassero la direzione di uno spazio romano o, meglio, uno spazio nuovo, diverso,
cosa faresti per avvicinare la città all'arte contemporanea? Credi che il pubblico sarebbe più
curioso se a dirigere uno spazio museale ci
fosse un giovane?
«Non ho mai creduto che l’età in sé possa rappresentare un vantaggio a priori, né per l’istituzione
né per il pubblico.
Prima di tutto mi interrogherei su che ruolo
possa avere quello spazio in un sistema culturale
allargato e cercherei di dargli un’identità il più
possibile specifica e personale. Roma, in termini
di pubblico, ha un potenziale enorme. Sono convinto che esistano molti modi per coinvolgerlo in
maniera intelligente senza dover per forza applicare quel modello di museo-parco giochi che oggi
va di moda. In generale cercherei di lavorare ad
un programmazione con una concezione di arte
il più possibile ampia senza cadere né in una noiosa auto-referenzialità né in una vuota inter-disciplinarietà».
EXIBARt 87 / 61
Vive e lavora a Roma.
Ed è giovane
ABBIAMO CHIESTO AL CURATORE ITALIANO CHE FORSE PIù DI ALTRI SEGUE I GIOVANI
ARTISTI DI SELEzIONARE QUELLI CHE RITIENE PIù RAPPRESENTATIVI DELL’ATTUALE
SCENA ROMANA. NATI NELLA CAPITALE O ROMANI D’ADOzIONE, E CHE HANNO SCELTO
DI VIVERCI. GLI ABBIAMO ANCHE CHIESTO CHE FOSSERO GIOVANI SUL SERIO:
SOTTO I 33 ANNI. ECCO LA SUA SELEzIONE
di Andrea Bruciati
Tomaso De Luca, An Incomplete portrait of Anchises e
Love is Soft but Hard Sometimes, 2013,
veduta dell'installazione presso VanHorbourg, zurigo,
CH, Courtesy l'artista e Monitor, Roma
olo tre anni fa rilevavo come la Capitale, assieme al Nordest, fosse una
piattaforma piacevolmente inedita
nel panorama italiano, una realtà che
sapeva costruire un sistema alternativo e pulsionale, avendo per di più dalla sua una vetrina internazionale. Consigliavo allora a
molti artisti di trasferirsi nell’Urbe perché
speravo, e ne sono ancora fermamente convinto, che Roma avesse il dna per rielaborare
il linguaggio occidentale, per risollevare le
sorti italiche dell’arte contemporanea e per
suscitare problematiche cogenti con i nostri
tempi.
In questa breve disamina gli artisti interpellati mi hanno confermato invece di vivere una
situazione asintomatica, tipica del resto della
Penisola, in una città dove i riflettori non si
accendono che per brevi eventi altisonanti e
dove l’arte contemporanea non ha creato quel
tessuto tanto auspicato di sensibilizzazione
verso la ricerca. La sensazione è quella di un
continuo rinnovamento epiteliale perché
nulla cambi nella struttura, con la comparsa
di improvvisi fuochi fatui, personalismi ancestrali o dell’ultima ora, ma nulla più. Tutto so-
S
EXIBARt 87 / 62
pravvive in ordine sparso e si avverte la mancanza di una regia. È indubbio che il fascino
molle e corrosivo della Città Eterna sia rimasto intatto e troppe sono le responsabilità
della politica, ma sono sufficienti ad emendare i protagonisti accreditati della scena romana da ulteriori responsabilità?
Ricominciamo dalle fondamenta: voglio dare
voce agli artisti dell’ultima generazione.
Ho rivolto le seguenti domande a dodici artisti
che ho selezionato assumendone interamente
la responsabilità:
a) Se ci sono e quali sono i segni di un genius
loci all'interno del tuo lavoro
b) Che percezione hai del contesto romano attuale
c) Mi parli del tuo prossimo progetto?
Romina Bassu (Roma, 1982)
a) Il concetto di luogo nel mio lavoro non descrive l’identità di un paesaggio o di un territorio in particolare, assume più una
sfumatura introspettiva, di luogo della memoria, in cui un semplice cassetto pieno di oggetti
usurati dal tempo e foto di famiglia diventa lo
spazio metafisico del ricordo.
b) Quest’anno Roma è stata celebrata dalla
Grande Bellezza, film che restituisce un omaggio quasi felliniano di una Roma che non mi è
mai appartenuta. Cresciuta in periferia, ho
sempre percepito il centro storico come un nucleo quasi inaccessibile, già le difficoltà del
semplice attraversamento per raggiungere
determinati quartieri testimoniano quanto
l’identità sia quella di una realtà urbana caotica e policentrica. Ho sempre avuto l’impressione, abitando al di fuori del Grande
Raccordo Anulare, di vivere in un’altra città,
come se periferia e centro storico fossero completamente scollegati e non parte di un continuum.
c) Il mio prossimo, ancora in fase embrionale,
parte dalla scelta di oggetti di seconda mano
affiancati da dipinti, che suggeriscono con il
loro accostamento una storia.
Carola Bonfili (Roma, 1981)
Nei miei lavori esistono degli elementi con cui
mi relaziono costantemente, per esempio al-
SPEcIAlE ROmA/glI ARtIStI
cuni ambienti che tornano spesso come sogni
ricorrenti; possono essere reali, idealizzati, o
riproduzioni di ricordi sovrascritti dalla memoria. Si uniscono a dei luoghi reali, ricostruendone le sembianze percettive. Per
esempio nel disegno ogni dettaglio diventa importante perché si estende in uno spazio
astratto, che ha una durata diversa da quella
che stai vivendo e ne toglie i punti di riferimento. Una linea è simultaneamente all'interno e all'esterno del posto che descrive;
esiste nel momento un cui viene tracciata, ma
è la riproduzione di un oggetto o di un tempo
distante, in una successione simultanea di ricordi indotti, che confluiscono in unico movimento.
Sto lavorando ad un progetto che ruota attorno ad un autore importante della letteratura moderna.
Tomaso De Luca (Verona, 1988)
Ho smembrato e lavorato più che potevo su
ogni singolo aspetto di questa città, tutti i paesaggi che incontravo, in modo diretto o anche
solo carpendone la “temperatura”: la bellezza
classica, a volte paradossalmente timida, i piccoli locali con fantastica musica techno, l'architettura di regime, i cruising e le piante
morenti nei parchi. Abitando qui si ha la vaga
sensazione di un panico generalizzato, con
un'intensità palpabile, come se tutto (la famosa eternità), potesse finire da un momento
all'altro. Così non solo i miei lavori parlano
della città, ma in qualche modo assumono le
logiche di Roma nel loro svilupparsi: la precarietà, la praticità-non-pratica, la moltitudine,
la tensione panica. Ne Il mondo dell'oggetto
evocativo, Christopher Bollas ricorda che
Freud provò a tracciare una connessione tra
la costruzione dell'Io e la costruzione di una
città, prendendo ad esempio proprio Roma.
Purtroppo rinunciò dopo poco all'impresa perché troppo complicata. In questo senso Roma
è realmente la matrice del mio lavoro: non
solo per la relazione possibile tra architettura
e interiorità, ma proprio perché in qualche
modo produce e sfugge a questo stesso paragone. Ci siamo in qualche modo scelti, Roma e
io.
Sull’attuale situazione? Sono molto contento
che ci siano sempre più programmi di residenza, permettono di dare molto “ossigeno”.
Sono comunque in un periodo intensivo di studio e lavoro incentrato sulle relazioni tra spazio e desiderio, un percorso iniziato in
Germania all'inizio di quest'anno e che sto proseguendo in Italia.
Gabriele De Santis (Roma, 1983)
a) Il lavoro.
b) C'è molta gente con tanta passione e talento. Speriamo sempre meglio. Vieni a trovarci più spesso Andrea.
c) Tra le altre, sto lavorando ad una personale
a Los Angeles presso la Depart Foundation. E
non vedo l'ora!
Silvia Giambrone (Agrigento, 1981)
Sono siciliana e sono stata adottata da Roma
da più di 10 anni: queste due realtà, apparentemente molto diverse, mi hanno entrambe
educata alla monumentale dignità delle macerie ed all'abuso silenzioso del potere sulla bellezza che nonostante tutto (o forse proprio in
virtù di questo abuso) si ostina a sopravvivere. Questo mi ha dato il sospetto che bellezza e violenza si accompagnino spesso e
volentieri. Inoltre, l'ineluttabile eredità di un
immaginario in cui l'archeologia, così grave e
così sublime, gioca un ruolo tanto centrale, mi
ha sempre indotta a riflettere, sull'archeologia di segni e pratiche che compongono le stratificazioni culturali su cui la contemporaneità
si poggia e che si possono leggere come si leggono le rocce o gli anelli degli alberi.
Sono d'accordo nel dire che Roma sia una città
sempre a gambe aperte e che ti mette sempre
di fronte alla profonda differenza tra Cronaca
e Storia. Roma è una città spietata, ed è un
gran privilegio per un artista viverci, perché
non ti abbandona e non si lascia sedurre mai
completamente.
Prossimamente effettuerò una residenza di 6
mesi all'ISCP di New York, un progetto per il
Teatro Valle, la Biennale di Kaunas …
Marta Mancini (Roma, 1981)
Ho sempre vissuto e lavorato a Roma, di conseguenza direi che ciò che intercorre tra il mio
lavoro e la città sia qualcosa di naturale e
spontaneo. Il mio medium è la pittura, potrei
riconoscere tratti di un genius loci come elementi che si manifestano fisiologicamente
perché ci sono cresciuta in mezzo, sicuramente c'è qualcosa già a partire dalla tavolozza che uso. Anche il senso di immanenza, il
tempo che si cristallizza.
Non sono una assidua frequentatrice del sistema dell'arte romano, ma mi nutro di alcune
piccole realtà con cui mi sento più affine, di
rapporti consolidati nel tempo con artisti di
diverse generazioni con i quali mi è indispensabile incontrarmi.
In questo periodo sto attraversando una fase
di ricerca approcciandomi a un nuovo progetto ancora in fase embrionale. Da una parte
ci sono dei nuovi interessi, nel sacro come
nella contemplazione, che si riflettono sulla
metodologia di lavoro e sulla tecnica. Come un
esercizio quotidiano di 'sola' pittura, senza disegno fondi o riferimenti. Questo metodo come
flusso di coscienza mi permette di individuare
dei cambiamenti in me che si ripercuotono
nella pittura.
Diego Miguel Mirabella (Enna, 1988)
a) Ogni paesaggio, in fondo, partecipa alla riconfigurazione di uno sguardo alle cose e io sicuramente non sarò esente da questa piccola
regola. Ho però una certa difficoltà nel tenermene fuori. Apprezzo la suggestione, la forza
che un luogo può avere sul mio sguardo ma rifuggo nel rintracciare quello che mi chiedi. Ti
rispondo comunque: la consapevolezza lucida
e sfrontata che in fondo tutto è in balia di una
non sorprendente contraddizione. Questo
luogo ne è saturo: è nel suo genio.
b) Chiuso, lucidamente autoreferenziale. C'è,
da qualche parte in questo momento, un tentativo di far relazionare (non solo al bar) la
nostra generazione romana con artisti “altri”.
Guardiamo e speriamo.
c) “Non è che”. È ancora nella sua fase iniziale.
Per adesso preferisco tenerlo a studio, approfondirlo, dargli da leggere.
Marco Morici (Genzano di Roma, 1985)
a) Sicuramente ci sono, anche se inconsci. Mi
sono laureato in architettura a Roma, questo
ha evidentemente influito sulla mia formazione estetica. Credo che l’opera finalista al
Talent Prize questo inverno (studio per il fallimento di un’architettura) possa essere vista
come un relitto borrominiano. La tradizione
fonda i luoghi di Roma e del suo intorno,
l’energia che se ne può prelevare deve essere
benefica e liberatoria, non opprimente. Credo
che molti si lascino soccombere, o peggio ancora la negano del tutto scopiazzando uno
stile internazionale che poi risulta abbastanza
vuoto.
b) Sto per trasferirmi a Berlino. Roma potrebbe essere splendida, ma è difficile lavorarci, sotto svariati punti di vista.
c) Una doppia personale, insieme ad un’artista che vive a Berlino, il tema della mostra
sarà il concetto di rustico.
Luana Perilli (Roma, 1982)
Roma è una città diseguale e frammentata, le
lunghe attese degli autobus e i lenti percorsi
danno il tempo della narrazione, il paesaggio
stimola memorie ed esiste un grande spazio
per forme naturali di resistenza trai ruderi, le
borgate, le periferie. Mi sono allontanata
spesso, ho origini teutoniche e partenopee, eppure credo che forse qualcosa mi sia entrato
sotto pelle.
Il grande problema di Roma è un’insoddisfazione di fondo che serpeggia tra le generazioni
e ingombra le discussioni. La città è dispersiva, variegata e manca di un sistema organizzato, forse più per questa sua caratteristica
disomogenea che per l’indolenza che spesso le
si attribuisce.
Mi aspetta un’estate tra tornio e giardino, ma
della ceramica mi innamora proprio l’aspetto
meditativo, lento e ancestrale.
Andrea Polichetti (Roma, 1989)
All'interno del mio lavoro i segni distintivi del
genius loci sono due. L'interazione con altri
artisti e l'interazione tra materiali industriali
e pittura. Considero la rete come luogo, non la
città. Roma é un punto di incontro di artisti
nazionali ed internazionali. Non solo artisti visivi, ma anche e soprattutto producers e djs.
Un luogo di passaggio in cui chi "ospita" può
apprendere e capire come dare trasversalità
al proprio lavoro. Prossimamente mi concentrerò sulla produzione di una nuova serie pittorica e sulla creazione di una buona
documentazione fotografica.
Mauro Vitturini (VOID), Roma 1985
a) Ho sempre lavorato per liberarmi da segni
di un eventuale genius loci. Ma nello stesso
modo in cui il tutto e il nulla coincidono, potrei
riconoscere in questo radicale bisogno il segno
che esiste.
b) Ho molta stima di quegli amici che si mettono in gioco per tentare di sensibilizzare chi
ancora ha sensibilità, che cercano di portare
un modo di pensare, fare e relazionarsi all’arte che possa donare sincerità ad un luogo
e un ambiente che ha cancellato questa parola
da quasi tutti i dizionari. Missione molto impegnativa in un Paese di conservatori come
questo.
c) Quello attuale, la collaborazione con Arnaud Eeckhout, artista belga, dalla quale è
nato il progetto VOID, che di giorno in giorno
prende forma in maniera decisa e libera.
Carlo Gabriele Tribbioli (Roma, 1982)
a) Ho diversi ricordi di una educazione privata raccolta a ridosso dei moltissimi palinsesti e indicatori di grandezza che il pacifico
vivere post-mortem di questa città custodisce
ed offre.
b) Mi pare che in molti si diano da fare: l'identità del contesto ad ogni modo mi sfugge, così
come la sua portata o i suoi obbiettivi.
c) Il film Frammento 53, appunti liberiani,
realizzato con Federico Lodoli: il film presenta
i risultati di una sorta di indagine sui valori
che trovano espressione nel fenomeno della
guerra. Verrà presentato a Settembre nel contesto nell'edizione 2014 della Biennale de
l'Image en Mouvement a Ginevra.
EXIBARt 87 / 63
ROmA/StUdIO VISIt
La giovane artista romana Michela De Mattei non ha ancora esposto in una personale, ma già gode
in città di un discreto credito. Il suo lavoro parte dal disegno e arriva alla scultura.
Con tratti minimalisti. E una certa dose di visionarietà
di Ludovico Pratesi
Da sinistra:
Michela de Mattei
14 anelli d’olmo, 12 anelli d’olmo,
2012 dimensioni naturali. Courtesy Ex Elettrofonica, Roma.
o studio di Michela De Mattei è un
piccolo appartamento nel cuore di
Trastevere, non lontano da via della
Lungara, in quegli edifici senza età
che punteggiano le pendici del Gianicolo. Nata
a Roma nel 1984, non ha al suo attivo nessuna personale, ma partecipazioni a interessanti progetti come la collettiva Nuova
Gestione in alcuni spazi di Casal Bertone, curata da Sguardo Contemporaneo, un collettivo
di giovani curatori. Così, in attesa del suo
esordio sulla scena romana previsto per l’autunno nella galleria Ex Elettrofonica, vivace e
dinamico laboratorio per artisti italiani e internazionali delle ultime generazioni, siamo
andati a trovarla tra libri, modellini, un cucinino e alcune opere, realizzate per lo più con
la fibra dei fichi d’India: una fitta e magica
trama che ricostruisce le forme di oggetti
come bottiglie o piccole tele. «Lavoro sulla memoria degli spazi - spiega Michela - come l’appartamento dove ho vissuto da bambina, di
cui ho riprodotto la planimetria intagliandola
nel rame, e poi l’ho battuta su alcune rocce
per ottenere questa forma». Un vissuto fondamentale per la ricerca della De Mattei, che ha
studiato filosofia a Roma per poi entrare nello
studio di Giuseppe Gallo, dove ha lavorato
come assistente, dopo aver svolto questa mansione per un mese l’assistente da Pietro
Ruffo: «Un’esperienza molto formativa perché
Gallo lavora con grande disciplina, ed ha una
grande manualità: a conti fatti un ottimo maestro». Le chiedo da dove prende avvio la sua
ricerca. «Parto dal disegno per arrivare alla
L
EXIBARt 87 / 64
scultura, che mi pone il problema dell’ingombro. Uno dei lavori a cui tengo di più è questo
tronco che ho trovato, dove ho inciso la planimetria del palazzo di Festo a Creta. Due tipi di
disegno che si incrociano: la natura del tronco
e l’architettura antica. Per me il disegno è legato alla misura dello spazio», risponde Michela. Intaglio ma anche trama, grazie al fico
d’India, che l’artista ha scoperto a Linosa:
«Con questa fibra, che in periodi di siccità si
riempie d’acqua, la pianta sopravvive».
Una rete sottile che circonda l’assenza e si fa
presenza, come è accaduto nella mostra alla
sala Santa Rita, dove Michela ha ricostruito
l’antico orientamento della chiesa attraverso
Innesto 6, una scultura in ferro che ripropone
le colonne interne dell’architettura della
chiesa. «Una volta realizzata ho voluto portarla fuori, perché si riempisse del paesaggio:
sulla scalinata dell’Ara Coeli, a piazza Vittorio
o nel parco della Caffarella e in altri posti
della città. Volevo far rivivere l’architettura,
e ho notato che si comportava ogni volta in
modi diversi, e così ho documentato le diverse
tappe con un video, esposto in mostra insieme
alla scultura e ad un pavimento dove le piastrelle seguivano l’orientamento originario
della chiesa». Ma mi interessa sapere anche
del progetto di Casal Bertone. «L’iniziativa riguardava gli spazi sfitti del quartiere. Ho deciso di non fare un progetto storico sul
quartiere, ma di andarci in vacanza per qualche giorno, e mi sono fatta ospitare da alcuni
abitanti per riflettere sul paesaggio».
Mentre Michela parla, osservo alcune piccole
sculture, ottenute con foglie di piante sostenute da sottili impalcature di metallo, che comunicano un senso di fragilità consapevole,
che mi fa pensare ad una specie di leggerezza
felice, simile a quella di cui parlava Calvino
nelle sue profetiche Lezioni Americane. In un
angolo c’è una gabbia da uccelli, con una
struttura antica ed elegante, quasi ottocentesca. Fa parte di una collezione di gabbie, tutte
realizzate in epoche diverse, che Michela ha
cominciato qualche anno fa. «Mi piace molto
come oggetto perché è uno spazio particolare.
Questa è vecchia e l’ho trovata in un mercatino in Svizzera. Quando ho iniziato la mia collezione ho scritto ad un collezionista di gabbie
che ho trovato su Internet, che ne ha 1700: la
collezione era stata avviata da sua madre e
l’ha ereditata. Mi ha scoraggiato dicendo che
era difficile trovarle e costavano tanto, ma
non è vero». Come mai proprio gabbie? «Il mio
sogno è riempire una stanza di gabbie: una
specie di incubo, dal momento che sono claustrofobica. Le gabbie mi attirano molto».
Sulle piastrelle bianche della cucina Michela
ha scritto con un pennarello nero la sua
agenda settimanale. Vedo che un appuntamento riguarda una lezione di ballo. «Ballo il
liscio in un locale che ho trovato a Casal Bertone, mentre ero in vacanza lì. Da allora non
ho più smesso». Dalla finestra entra la luce
morbida e obliqua del tramonto, e mi rendo
conto che devo andare. Mentre scendo le
scale, penso che piacerebbe anche a me una
vacanza di qualche giorno a Casal Bertone,
ma non so nemmeno dove si trova.
Demusealizzare
Demusealizzar
e l’arte
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dai cavalli
in galleria
alle fondazioni fatte
in casa
I COLLEzIONISTI IN CITTà NON SONO MAI STATI TANTI. MENTRE, INVECE, DI COSE,
NE ACCADEVANO MOLTE. POI, PERò, ROMA È CAMBIATA. ED È NATO UN COLLEzIONISMO
A VOCAzIONE PUBBLICA
ittà strana, per il collezionismo, Roma.
In due epoche (tanto sembrano lontane
che viene da parlare di “epoche”) è
stata al centro dell’arte. Non italiana,
ma del mondo. Eppure, anche allora, negli anni
Cinquanta e poi nei Settanta, di collezionisti ce ne
erano pochi. Gli annali ricordano il celebre barone Giorgio Franchetti, estroso e volitivo,
amico per la pelle di Tano Festa, e soprattutto collezionista militante, che vendette gli artisti americani, pur essendo stato il primo a comprarli (lo
riconosceva anche l’ineffabile Panza di Biumo)
perché fu anche tra i primi a capire che l’arte
americana stava colonizzando l’Europa, Italia
C
EXIBARt 87 / 66
compresa. E questo, per un patriota come lui, era
inaccettabile. Via quindi Pollock, Rothko addirittura, Rauschenberg, Twombly no, per fortuna,
anche perché ne diventa il cognato. Gli eredi ancora non se ne sono fatta del tutto una ragione.
Ma dopo il barone Franchetti c’è un bel vuoto. Che
gli anni Settanta, l’altra grande felicissima stagione romana, non contribuiscono a colmare.
L’arte, in quegli anni, con performance, happening, flussi di varia natura, era decisamente poco
produttiva, si sottraeva programmaticamente al
commercio. Cosa potevano acquisire i collezionisti, un cavallo di Kounellis, una betoniera di Mattiacci o un’improvvisazione di Simone Forti? Oggi
non ci sarebbero tanti problemi, Anche un performer intransigente come Tino Sehgal ha i suoi acquirenti. Gli vende un foglio di carta con le
istruzioni per la performance e il divieto assoluto
di riprodurla.
Ma allora le cose erano agli esordi, non c’erano
foto e video di default delle performance. E l’arte
era buona se era radicalmente politica, oppure
era invenzione pura, come è stato con “Contemporanea”, la storica mostra che nel 1973 A.B.O.
cura nel parcheggio sotterraneo di Villa Borghese
e, tre anni prima, “Vitalità del Negativo” a Palazzo delle Esposizioni. Roba per collezionisti?
Ma neanche per sogno, quasi si vergognavano a
SPEcIAlE ROmA/I cOllEzIONIStI/ l'INtERVIStA/ANNA d'AmElIO
comprarla. A Torino o a Milano no, era diverso.
Ma qui, a Roma, si pensava ad altro. C’era la
“Poppe Arte sul Tevere”, certo, e gli artisti la vendevano a pacchi. Vera (falsa), fatta lì su due piedi.
Ma niente a che vedere con il sistema e il mercato
dell’arte di oggi. Chissà se uno come Schifano starebbe oggi nella scuderia Gagosian. E chissà che
combinerebbe.
E poi non è solo questione della natura dell’arte e
di artisti ribelli. A Roma il collezionismo è mancato anche prima, per esempio negli anni Quaranta, quando a Milano era già discretamente
florido. Ma lì c’era una borghesia imprenditoriale
che guardava all’arte come a un investimento culturale. Discorso che a Roma era pressoché estraneo.
Oggi, però, le cose si sono un po’ riequilibrate. Al
nord rimane una borghesia colta e piuttosto ricca,
a volte un’imprenditoria molto ricca - vedi Prada,
Maramotti - che investe nell’arte e nel collezionismo, e lo fa con passione e determinazione.
Mentre in altri luoghi, come Torino, si è consolidata una tradizione di collezionismo contemporaneo che si è coagulata intorno a un fenomeno
artistico specifico: l’Arte Povera, cosicché oggi in
Piemonte e dintorni ci sono fior di collezioni e
nuovi collezionisti che, pur essendosi affacciati
dopo sulla scena, si sono alfabetizzati partecipando a un mondo vivace e stimolante.
A Roma non c’è niente di tutto questo. La borghesia non ha mai fatto vero tessuto sociale. Vi sono
dei picchi, come sempre, come in tutto, come all’epoca del papato. Ma il collezionismo medio è
poca roba. Ne sanno qualcosa le gallerie che, sebbene Rome based, spesso vendono fuori città.
Ma nella Capitale sono nate le fondazioni, non
proprio costole del collezionismo privato, perché
spesso la raccolta del privato non entra nelle
mura e nel programma della fondazione, quanto,
quasi, agenzie per l’arte, centri culturali dove
l’arte realizza il destino che le si è teso a dare
negli ultimi decenni: strumento culturale, ponte
tra linguaggi diversi, possibilità di articolare altri
saperi e altre pratiche. E da questo punto di vista,
e per ragioni non sempre comprensibili, Roma è
in prima fila. A Milano agiscono grandi fondazioni, come Prada o Trussardi (diversissime tra
loro) o legate ad artisti: Fontana, Rotella, anche
a Roma c’è la Fondazione Baruchello, ma è ben
altra cosa. A Roma, insomma, c’è meno potenza
di fuoco, ma dal collezionismo privato sono nate
ben cinque fondazioni: Volume!, Giuliani,
Nomas, Depart (appena fuori città, a Grottaferrata, e che opera soprattutto negli Usa), che magari negli ultimi anni se la passano un po’ peggio,
come tutti e, ultima arrivata, la Fondazione per
l’Arte.
Infine, un punto d’aggregazione per molti collezionisti sono state (e sono) le membership dei
musei. Istituzioni importanti, non solo perché
portano soldi (e non è poco) – Macroamici, fino a
che c’era Bartolomeo Pietromarchi al Macro,
dava al museo 150mila euro all’anno – ma perché
consentono allo stesso collezionista di fare un
salto qualitativo, inserendolo in una relazione
condivisa verso l’Istituzione. Al momento Macroamici si è “ritirato” per protesta contro la
mancata nomina del direttore del Macro. La
Membership del MAXXI invece è attiva e in crescita. (A.P.)
I love museum
NEGLI STATI UNITI, DOVE IL FENOMENO È NATO, NON SONO TANTO
UNA POTENzA QUANTO UNA CERTEzzA. IL MUSEO, SENzA I SUOI
“AMICI” (TRA I QUALI SI CONTANO DONORS A VARIO TITOLO),
FORSE NON ESISTEREBBE NEANCHE. MA OLTREOCEANO IL
SISTEMA MUSEALE È PRIVATO E I PRIVATI NE SONO L’ANIMA. DA
NOI, È MOLTO DIVERSO, SOPRATTUTTO PIù RECENTE. EPPURE,
ANCHE QUI LE MEMBERSHIP COMINCIANO A MUOVERE PASSI PIù
O MENO SIGNIFICATIVI. ABBIANO FATTO UN BREVE COLLOQUIO
CON ANNA D’AMELIO, GIOVANE E INTRAPRENDENTE PRESIDENTE
DELLA MEMBERSHIP DEL MAXXI.
ECCO COME VEDE LEI L’AMICIzIA PER UN MUSEO
C
ominciamo col chiarire come è strutturata la membership del MAXXI, accoglie
solo collezionisti?
«Il MAXXI è un laboratorio artistico che incrementa le sue collezioni attraverso
progetti di committenza, concorsi tematici, premi rivolti alle giovani generazioni, donazioni
e affidamenti. Grazie al programma di membership del Museo, oggi i privati, le aziende, gli
enti e le fondazioni possono contribuire in maniera attiva allo sviluppo delle arti del XXI secolo. Gli Amici del MAXXI sono collezionisti, mecenati, appassionati di arte contemporanea
e filantropi illuminati uniti dalla passione dell'arte e in particolare dell'arte contemporanea».
Come interviene la membership nella vita del museo e quali sono le sue attività principali?
«Il MAXXI conta su di una rete di sostenitori, sia in Italia che all’estero, per incrementare la collezione permanente,
per continuare a sviluppare la programmazione, per tutelare la conservazione
delle opere e degli archivi e infine per
aggiornare la biblioteca e la mediatica
specializzate. Gli Amici del MAXXI
hanno la possibilità di decidere la destinazione dei loro fondi destinati alle acquisizioni. Nel 2013, ad esempio,
abbiamo arricchito la collezione del
Museo con sei opere di Luigi Ghirri. Inoltre sono sempre aggiornati in anteprima
sulla programmazione e sistematicamente gli viene data la possibilità di conoscere gli artisti e di vedere le loro
mostre prima dell'apertura al pubblico,
insieme a molte altre iniziative mirate
per i loro interessi».
Qual è il tratto più significativo di
un'istituzione simile, i suoi punti di
forza. Personalmente penso che sia per il collezionista che per il semplice sostenitore,
essere "amico" di un museo significhi superare la soglia strettamente privata ed entrare
in una relazione con il museo collettiva e strutturata. È d’accordo?
«A mio avviso il privato che decide di sostenere un Museo, in questo caso il MAXXI, sente
innanzi tutto il bisogno di condividere la propria passione. Sente la necessità di fare sistema,
di fare rete, di cercare una condivisione intellettuale. Il nostro Paese è un proliferare di piccole realtà che si occupano di contemporaneo: fondazioni, associazioni o musei di provincia.
Questo è senza dubbio un bene, ma se non ci fosse un museo importante, un'istituzione che
sia il faro, la guida che indichi la direzione, ecco, gli sforzi e le passioni di ognuno di noi per
promuovere l'arte sarebbero vane. Si rimarrebbe ad avere realtà frastagliate che non riuscirebbero ad attrarre visitatori, creare movimento e soprattutto a cambiare il nostro tessuto sociale. Sostenere il MAXXI, il Museo Nazionale del XXI secolo, è un dovere di ognuno
di noi».
Vi ispirate a dei modelli già in uso all'estero?
«Sicuramente, un po’ tutti».
EXIBARt 87 / 67
In questa sezione abbiamo cercato di mappare le gallerie maggiormente presenti sulla scena, dividendole per zone,
Si noterà qualche assenza dovuta a nostre scelte e a mancate risposte da parte delle dirette interessate
centro Storico
Partecipazione a fiere: Artissima (Torino), Fiac (Parigi),
Liste (Basilea), Art Basel hong kong.
Il post di Paola Capata: Ne ho diversi. In questo caso però
mi fa piacere prenderlo in prestito da uno dei supporter più
cari alla galleria e che mi ha accompagnato in questi anni:
"Avanti". Mi sembra appropriato per il momento che si sta vivendo
Linee di ricerca: Fino ad ora la galleria si è mossa in modo
coerente verso artisti di taglio minimale e concettuale, spaziando in campi pittorici e installativi.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. Gallerie: Richard
Saltoun (Londra)
Istituzioni: Museo MACRO, Museo della Calcografia, Museo
delle Mura di Roma, Accademia Tedesca, Museo CIAC di Genazzano.
Partecipazione a fiere: Artefiera /(Bologna), Artissima (Torino), Dubai Art Fair, Art International Istanbul e Art Brussels.
Il post di giacomo guidi: Sono alla costante ricerca di qualità
e coerenza
mAgAzzINO
VIA DEI PREFETTI 17
www.magazzinoartemoderna.com
Staff: Mauro Nicoletti, (fondatore), Gabriele Gaspari (direttore), Liat Piazza (coordinatrice).
Linee di ricerca: La promozione degli artisti italiani all’estero
e della promozione di artisti stranieri sul panorama italiano.
Artisti presentati: Elisabetta Benassi, Massimo Bartolini, Alberto Garutti, Domenico Mangano, Alessandro Piangiamore,
Daniele Puppi, Mircea Cantor, Pedro Cabrita Reis, Jonas Dahlberg, Jan Fabre e Serge Spitzer.
Rapporti con gallerie e istituzioni: Si, joint venture per progetti e partecipazioni a mostre internazionali per cui è necessario il supporto, economico e produttivo di più soggetti
(Massimo Bartolini per Documenta, Mircea Cantor per la personale al MACRO di Roma e al Pompidou, a Pedro Cabrita
Reis per la mostra personale a Palazzo Falier durante la
Biennale di Venezia del 2013). Con le Istituzioni italiane, vista
la difficile situazione economica dei Musei, la galleria si trova
spesso a supportare direttamente le produzioni delle mostre.
Ciò nonostante la collaborazione con un’istituzione è vissuta
sempre come un’occasione importante e che qualche volta
(come nel caso delle mostre di Elisabetta Benassi alla Fondazione Merz o al Castello di Rivoli) ha portato a grandi risultati.
Partecipazione a fiere: Art Basel (Basilea), Art Basel Miami
Beach (Miami), Artissima (Torino), MiArt (Milano).
Il post di Mauro nicoletti: Mi fa piacere citare una frase rivolta a Samuel Morse (che tra l’altro ha soggiornato, per un
periodo, proprio nel palazzo dove si trova la galleria) alla dimostrazione finale del funzionamento del telegrafo. Il suo
principale finanziatore, nonostante i ritardi nella consegna e
i dubbi sulla validità dell’investimento, quando vide in funzione il macchinario che avrebbe cambiato la storia delle comunicazion,i ebbe ad affermare, inviandolo via telegrafo a
Morse: “A patient waiter is no loser”.
FEdERIcA ScHIAVO gAllERy
PIAZZA MONTEVECChIO, 16
www.federicaschiavo.com
Staff: Federica Schiavo (direttore e curatore). Occasionalmente su singoli progetti il curatore è esterno, come Chris
Sharp e Shane Campbell
Linee di Ricerca: Artisti emergenti italiani e internazionali.
Progetto Espositivo: Cinque/sei mostre l'anno delle quali
almeno una è un group show.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì.
gallerie: Marianne Boesky, hauser & Wirth, Essex Street e
Lisa Cooley (New york), Shane Campbell e Rhona hoffmann
Gallery (Chicago), Arróniz Arte Contemporáneo (Città del
Messico), Maureen Paley,Vilma Gold, Corvi-Mora, Londra,
Selma Feriani e Timothy Taylor (Londra), Gisela Capitain
(Cologna), Misako & Rosen (Tokyo). Istituzioni: Centre d'Art
Contemporain e Biennal of Moving Images (Ginevra), kunsthalle di Vienna; Museo Tamayo (Città del Messico), hayward Gallery (Londra), MAXXI (Roma), Dublin Contemporary
(Dublino), Spacex ad Exeter in Inghilterra.
Partecipazioni a fiere: Nada Miami Beach; Artissima (Torino), Frieze Art Fair (Londra), Miart (Milano), Art Rotterdam,
Zona Maco (Città del Messico), Artefiera (Bologna), Art
Athina (Atene).
Il post di Federica Schiavo: Il mio interesse è rivolto principalmente alla ricerca, allo sviluppo e alla promozione di artisti che affrontano le problematiche dell’arte contemporanea
con un approccio originale e al contempo rispettoso della tradizione.
z2O gAllERIA dI SARA zANIN
VIA DELLA VETRINA 21
www.z2ogalleria.it
Staff: Sara Zanin (fondatrice), affiancata da due o tre collaboratori scelti per l’entusiasmo e la passione per l’arte.
Linee di ricerca: Proporsi come detonatore culturale sul territorio per provocare una riflessione sull’arte e sulla cultura
come elemento centrale della vita individuale e sociale. Ricerca di artisti “nuovi”, non obbligatoriamente giovani, quasi
sempre alla loro prima personale. Altre volte affermati all’estero ma mai presentati in Italia, senza porre limiti al mezzo
espressivo, inteso come mero contenitore: la differenza sta
nel contenuto.
Rapporti di collaborazione con altre gallerie e istituzioni:
Sì, pur non avendo collaborazioni formalizzate z2o ha condiviso artisti, mostre, progetti con varie gallerie italiane ed
estere. Istituzioni: MAXXI e Pastificio Cerere (Roma), Collezione Maramotti (Reggio Emilia), Centro Pecci per l’Arte Contemporanea (Prato).
Partecipazione a fiere: Artefiera (Bologna), Miart (Milano),
Art Basel Miami Beach
Il post di Sara Zanin: Come dice Immanuel Kant, l’arte è
una specie di rappresentazione che ha il suo scopo in se
stessa, e che, pur senza scopo, promuove la cultura delle facoltà dell’animo in vista della comunicazione in società
gAllERIA AlESSANdRA BONOmO
VIA DEL GESù, 62
www.bonomogallery.com
direttore Amministrativo e curatore: Alessandra Bonomo
(fondatrice), Silvia D’Ippolito, Caterina Manfredi e Lucrezia
De Fazio (assistenti).
Linee di ricerca: In questo momento attenzione su progetti
di artisti stranieri che visitano l'Italia e realizzano lavori site
specific, come Elger Esser, Barry Mcgee e Claire Rojas.
Rapporti con gallerie e istituzioni: Si. MAXXI e Macro
(Roma), Biennale di Venezia.
Partecipazione a fiere: Artefiera (Bologna).
Il post di Alessandra Bonomo: Far entrare l'arte contemporanea a Roma è un progetto talmente ambizioso che ogni
giorno ti sorprende
gAgOSIAN
VIA FRANCESCO CRISPI 16
www.gagosian.com
mONItOR
VIA SFORZA CESARINI, 43
www.monitoronline.org
Staff: Paola Capata (fondatore e direttore), Manuela Contino
e Marta Pellegrini con ruoli variabili.
Linee di ricerca: Ad oggi Monitor mantiene ancora le linee
guida dei suoi esordi (2003), privilegiando l'aspetto legato alla
sperimentazione e alla scoperta di nuovi talenti.
Progetto espositivo: Negli ultimi anni, l'impegno nel sostenere la ricerca di artisti italiani legati alla galleria è cresciuto
sempre di più, portando ad intraprendere anche una piccola
iniziativa Oltreoceano, che ha già visto partecipi Francesco
Arena e Claudio Verna (la collaborazione con quest'ultimo classe 1937- rappresenta per la galleria un'ulteriore scarto all'interno del proprio progetto di ricerca).
Rapporti con altre gallerie e con le istituzioni: Sì. Molte mostre o iniziative sugli artisti sono organizzate collaborando con
colleghi stranieri, a seconda del nome che si condivide. I rapporti di collaborazione con le istituzioni, invece, si concretizzano in prestiti di opere, coordinamento delle stesse e degli
artisti, inserimento delle opere nelle collezioni istituzionali.
EXIBARt 87 / 68
gIAcOmO gUIdI
PALAZZO SFORZA CESARINI
CORSO VITTORIO EMANUELE II, 282-284
www.giacomoguidi.it
Staff: Giacomo Guidi (fondatore), Marco Rovacchi (direttore
della sede romana) con Costanza Mazzonis Di Pralafera e Flavia Lo Chiatto (organizzazione degli eventi, gestione dei rapporti con artisti e collezionisti).
Staff: Pepi Marchetti Franchi (direttrice)
Linee di ricerca. Gagosian ha gallerie in otto città del
mondo: tre a New york, due a Londra e Parigi, e una a Los
Angeles, Roma (dal 2007), Atene, hong kong e Ginevra. ha
organizzato importanti esposizioni con i principali artisti internazionali tra i quali: Bacon, Beuys, Baselitz, Basquiat,
Alighiero e Boetti, Brancusi, Cecily Brown, Walter De Maria,
Fontana, Giacometti, Douglas Gordon, Arshile Gorky, Richard hamilton, Damien hirst, howard hodgkin, Edward
hopper, Mike kelley, Anselm kiefer, yves klein, Willem de
kooning, Jeff koons, Roy Lichtenstein, Piero Manzoni, Mario
Merz, Claude Monet, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Pablo
Picasso, Ed Ruscha, Jenny Saville, Richard Serra, Cindy
Sherman, David Smith, Philip Taaffe, Robert Therrien, Cy
Twombly, Piotr Uklanski, Francesco Vezzoli, Andy Warhol,
Franz West, Rachel Whiteread, and Christopher Wool.
Collaborazione con altre gallerie e istituzioni: Non risponde
Partecipazione a fiere: Art Basel (Miami Basel, hong kong
Basel) Frieze London e New york, Fiac (Parigi).
Il Post di Pepi Marchtetti Franchi: Nessuno
perché alcune di queste costituiscono ormai dei veri e propri art district.
SPEcIAlE ROmA/lE gAllERIE
garolli, Bruna Esposito.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. American
Academy di Roma e gallerie sia italiane che straniere.
Partecipazioni a fiere: The Solo Project, Basilea; Artefiera,
Bologna.
Il post di Ursula hawlischka: La mia scelta, che si rispecchia negli artisti che espongono nella mia galleria, è quella
di ricercare la bellezza, purché faccia anche riflettere. Sperimentazione ed indagine sono le mie parole chiave nel
mondo dell'arte.
1/9UNOSUNOVE
EmmEOttO
VIA DI MONTE GIORDANO, 36
www.emmeotto.net
VIA DEGLI SPECChI 20
www.unosunove.com
Staff: Fabio Ianiello (direttore), Isabelle Sciamma (co-direttrice).
Linee di ricerca: Un palazzo seicentesco per uno spazio dedicato all'arte emergente e contemporanea, nazionale e internazionale, senza distinzioni tra generi quali pittura,
scultura e fotografia. Mat Collishaw, Raffaella Crispino, PerOskar Leu, Carla Mattii, Dan Shaw-Town, Jamie Shovlin, Jonathan VanDyke gli artisti presenti.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Si.
Istituzioni: Galleria Borghese (per la mostra di Mat Collishaw nel 2014); MACRO (per la mostra di Jamie Shovlin nel
2011).
Partecipazioni a fiere: ARCO (Madrid), Nada (Miami), Volta
(New york), Artissima (Torino), Artefiera (Bologna), Art Verona e Roma The Road to Contemporary Art.
Il post di Fabio Ianiello: Tutto muove dallo spirito di ricerca,
per supportare e diffondere l'arte contemporanea emergente
mARIE-lAURE FlEIScH
gAllERIA l’OPERA
VIA DI MONSERRATO 40
www.gallerialopera.com
Staff: Andrea Iezzi (direttore e curatore)
Collezione: Si. Opere di Mauro Maugliani, Gonzalo Orquín, Luis Serrano, John Ratner, James Philip Thompson,
Santo Alligo
Linee di Ricerca: Arte contemporanea, in particolare a carattere figurativo.
Progetto espositivo: Dare agli artisti in mostra grande rilievo, anche attraverso la pubblicazione di cataloghi di pregio curati da storici e critici d’arte.
Eventuali rapporti con altre gallerie italiane straniere e
istituzioni: No
Partecipazioni a fiere: No
Il post di Andrea Iezzi: Lo spazio è quello di chi pensa che
l’arte non sia morta, di chi pensa che l’arte contemporanea
si faccia non solo ed esclusivamente con gli alfabeti dell’arte concettuale; di chi pensa, infine, che concettuale sia
tutta l’arte supportata da un qualche pensiero, pittura compresa.
Staff: Roberta Buldini (direttore e curatore), Valentina Luzi
(assistente) e il supporto di consulenti esterni in base ai progetti da realizzare.
Linea di ricerca: Emmeotto non è solo spazio espositivo,
ma sta portando avanti un nuovo ciclo progettuale che mette
in comunicazione differenti ambiti culturali legati all’arte
come la musica, la moda, la cucina e l’art design.
Progetto espositivo: Oltre a proporre artisti italiani del dopoguerra, la galleria spazia dalla pittura di Danilo Bucchi, fino
alle sculture del newyorkese Justin Peyser, passando per la
fotografia digitale di Serafino Maiorano.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. gallerie: Antonio Nardone (Bruxelles). Istituzioni: Museo Carlo Bilotti –
Aranciera di Villa Borghese (Roma), l’Accademia Filarmonica
Romana e l’Accademia Belgica (Roma).
Partecipazione a fiere: Negli scorsi anni ha partecipato ad
alcune delle principali fiere italiane (ArteFiera, Mia, Miart e
ArtVerona), ma ha attualmente sospeso la partecipazione
per investire su progetti espositivi.
Il post di Roberta Buldini: La Galleria Emmeotto incarna la
mia volontà di creare un posto dove sostare e vivere il tempo
della propria esperienza artistica. Una fucina creativa in continua evoluzione, il luogo dove critici, collezionisti e artisti si
confrontano con me e il mio staff, dando linfa al concetto di
living
VICOLO SFORZA CESARINI 3°
www.galleriamlf.com
Staff: Marie Laure Fleisch (fondatrice e direttrice), Gianluca Brogna, Valentina Di Cesare, Sara Falanga e Eleonora
Filiputti, per l’organizzazione delle mostre e delle fiere, segreteria e ufficio stampa.
Linee di ricerca: Principale orientamento verso artisti che
utilizzano la carta come medium espressivo, accostata
spesso a materiali e tecniche eterogenee che ne esaltano
le caratteristiche. In particolare l’attenzione si focalizza su
artisti non rappresentati da altre gallerie in Italia, come Etti
Abergel, Sergio Breviario, Nikolaus Gansterer, Alain huck,
Jorinde Voigt, tra gli altri.
Partecipazione a fiere: Una media di quattro fiere l’anno,
tra Miart (Milano) Art Brussels, Artissima (Torino), ArteFiera
(Bologna), Volta (Basilea) e Art Dubai.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Avere una rete di
collaborazioni nazionali e internazionali tra gallerie è ritenuto fondamentale per imparare, sostenersi e crescere culturalmente ed economicamente. Così come le
collaborazioni con musei, biblioteche e altri spazi pubblici,
instaurate con l’intento di contestualizzare in maniera appropriata il lavoro dei propri artisti e renderli visibili a un
pubblico più ampio.
Il post di Marie-Laure Fleisch: Determinazione e coerenza per la promozione di un modello artistico in equilibrio
tra contenuto ed estetica.
mONtORO12
VIA MONTORO, 12
www.m12gallery.com
Staff: Ursula hawlitschka (fondatrice e direttrice), Valentina
Micucci (assistente), Massimo Micucci (consulente).
Linee di ricerca: La galleria propone artisti italiani e internazionali, sia emergenti che affermati, che conducono una
ricerca in linea con la visione dell’arte contemporanea della
galleria. Tra gli artisti: Emmanuele De Ruvo, Christian Fo-
dOROtHy cIRcUS gAllERy
VIA DEI PETTINARI 76
www.dorothycircusgallery.it
28 PIAzzA dI PIEtRA - FINE ARt gAllERy
PIAZZA DI PIETRA, 28
www.28piazzadipietra.com
Staff: Francesca Anfosso (direttore e curatore). Su progetti
occasionali il curatore può essere esterno.
Collezione: Sì. Opere di Claudio Andreoli, Leonardo Nobili,
Carla Manco, Mario Fani.
Linee di Ricerca: Giovani artisti emergenti, fotografia e pittura contemporanea, commistione e fusione tra diverse
forme di espressione artistica.
Progetto espositivo: Allestimenti minimali che privilegiano
l’unicità delle singole opere esposte e la coerenza dell’intero
progetto espositivo nel suo insieme.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: No
Partecipazioni a Fiere: No
Il post di Francesca Anfosso: La vera missione dell’arte,
specie in momenti di crisi di valori e di riferimenti come gli attuali, consiste nel trasmettere messaggi e aiutare a riflettere
e plasmare le sensibilità umane.
Staff: Alexandra Mazzanti (fondatrice e direttrice)
Linee di ricerca: Le nuove tendenze dell'arte figurativa,
come il nuovo Surrealismo Pop Made in USA, gli Art Toys e
la Street Art internazionale. La galleria ha portato per la prima
volta in Italia artisti come Sas & Colin Christian, Camille Rose
Garcia, Joe Sorren, Tara McPherson, Ron English, Miss Van,
Scott Musgrove.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. Istituzioni: Palazzo Collicola (Spoleto), Casa del Conte Verde di Rivoli (Torino).
Partecipazione a fiere: Swab, Barcellona
Il post di Alexandra Mazzanti: Un circo magico dal carattere unico, abitato da surreali contaminazioni, ai confini tra
New York e il paese delle Meraviglie.
gAllERIA dEl cORtIlE
E ARcHIVIO SANtE mONAcHESI
VIA DEL BABUINO, 51
www.ilcortile.it
Staff: Luce Monachesi (direttrice), Mirtilla Rolandi Ricci (curatrice)
Collezione Permanente: Sì, opere di Sante Monachesi
Linee di Ricerca: Giovani artisti, maestri dell'arte contemporanea (dagli anni '60 al 2014): Boetti, Fabro, Flavin, kounellis, kosuth, Mochetti, Tano Festa e molti altri.
Progetto espositivo: tendenzialmente si espongono in mostra le opere più recenti create dall'artista.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì.
EXIBARt 87 / 69
PREMIO INTERNAZIONALE
D’ARTE CONTEMPORANEA
artisti internazionali
a confronto sul tema
BANDO SETTEMBRE/DICEMBRE
info/iscrizioni www.premiocomel.it
2014
ALLUMINIO
dell’
SPEcIAlE ROmA/lE gAllERIE
Istituzioni: Galleria Nazionale d’Arte Moderna (Roma), Fondazione Roma e Museo di Roma, Museo di Stato Russo di
San Pietroburgo, Museo d'Arte Contemporanea di Seul, Gallery of Australian Design di Canberra, Neue Gallerie di kassel.
Partecipazioni a fiere: Tre edizioni di RipArte Residence a
Roma
Il post di Luce Monachesi: Cosa sta accadendo e accadrà
nel campo dell'arte del terzo millennio?
trastevere
gAllERIA RUSSO
VIA ALIBERT, 20
www.galleriarusso.it
ERIcA FIORENtINI
VIA MARGUTTA 17
www.ericafiorentini.it
Staff: Erica Fiorentini (direttrice), cui si aggiungono curatori
esterni a seconda dei progetti.
Linee di ricerca: Dal 1992 la galleria ospita i maggiori
esponenti dell'Informale, dell'Arte Povera, dell'Arte Concettuale e della Minimal Art.
Progetto espositivo: Mostre di tipo tematico, per costituire, attraverso linguaggi contemporanei, uno spazio per il
confronto e il dialogo tra l'arte e la cultura italiana e quelle
internazionali.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Si. Gallerie: Lisson Gallery (Londra) per il progetto romano di Spencer
Finch (2012).
Istituzioni: Palazzo delle Esposizioni (Roma) per la mostra
Anni '70 a Roma, Galleria Nazionale d'Arte Moderna
(Roma) per la mostra “Emilio Isgrò: modello Italia (2013 –
1964)”, Fondazione Albers (USA), Sharjah Art Foundation
(EAU).
Partecipazione a fiere: Artefiera (Bologna)
Il post di Erica Fiorentini: L'esplorazione dell'arte è un attitudine, afferma l'idea di cultura come spinta a coltivare lo
spirito e la propria umanità.
StUdIO gEddES
VIA DEL BABUINO 125
www.silviageddes.it
Staff: Silvia Geddes (direttrice), Federica Panella (assistente).
Linee di ricerca: Lo studio di via del Babuino non è una
galleria, ma uno spazio sui generis, fuori dalle regole del
white cube. Si racconta come una dimensione privata e
ospitale, come un salotto d'incontro e scambio culturale,
prima di ogni altra cosa.
Progetto espositivo: Progetti e non semplici mostre, lo
studio invita gli artisti a sperimentare seguendo ogni volta
una nuova idea.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: No, solo collaborazione diretta con gli artisti.
Partecipazioni a fiere: No
Il post di Silvia geddes: Riconciliare l'ospitalità di un salotto con la ricerca artistica, per riportare l'arte ad un tempo
e uno spazio più familiare.
Staff: Fabrizio Russo (direttore), cui si aggiungono curatori
esterni
Linee di Ricerca: Novecento storico-moderno e giovani proposte di arte contemporanea.
Progetto espositivo: Le esposizioni si sviluppano secondo
un ordine cronologico delle opere, sia per gli artisti storici che
per i contemporanei, tenendo sempre in considerazione
eventuali proposte del curatore.
Rapporti con gallerie e istituzioni: Si. Palazzo delle Esposizioni, Roma; Palazzo Giureconsulti, Milano; Biblioteca Angelica, Roma; Palazzo della Ragione, Mantova.
Partecipazioni a fiere: Artefiera (Bologna), Contemporary
Istanbul, Art Point (Monaco), Art Factory (Catania).
Il post di Fabrizio Russo: É evidente uno scollamento fra
linee culturali ufficiali e un pubblico sempre più smarrito. Occorre dimostrare che esiste un compromesso fra avventate
fughe in avanti e passatismo.
gAllERIA mUccIAccIA
LARGO DELLA FONTANELLA DI BORGhESE, 89
www.galleriamucciaccia.it
Staff: Massimiliano Mucciaccia (direttore), Fabio Mucciaccia
(conservatore), Giulia Abate (curatrice) cui si aggiungono curatori a seconda dei progetti.
Linee di Ricerca: Una mostra all'anno centrata sui grandi
nomi dell'arte contemporanea, esponenti della scuola di San
Lorenzo, artisti affermati e quotati sul mercato globale.
Progetto espositivo: Prediligiamo mostre personali, favorendo le recenti produzioni degli artisti. In caso di artisti storicizzati, si cerca di presentare un'ampia retrospettiva
coprendo un maggiore arco temporale.
Rapporti con gallerie e istituzioni: Sì.
Istituzioni: Rotella Institute, Museo Scientifico e di Ricerca
dell’Accademia Russa di Belle Arti (San Pietroburgo), Museo
di Villa Torlonia (Roma), Peggy Guggenheim Collection (Venezia), Estorick Collection of Modern Italian Art (Londra).
Partecipazioni a Fiere: No
Il post di Massimiliano Mucciaccia: Ricerco la bellezza
nelle radici e nei nuovi stimoli dell’arte contemporanea italiana.
gAllERIA Il SEgNO
VIA CAPO LE CASE, 4
www.galleriailsegno.com
Staff: Francesca Antonini (direttrice), cui si aggiungono curatori
esterni, variabili a seconda dei progetti
Linee di Ricerca: Artisti italiani e stranieri di recente generazione. Tra i nomi presentati Francesco Bocchini, Gregorio
Botta, Simone Cametti, Guglielmo Castelli, Marco Delogu,
Alessanda Giovannoni, Paolo Picozza, Femke Schaap, Enrico
Tealdi, Gianluigi Toccafondo, Antonello Viola, Alberto Zamboni.
Progetto espositivo: Allestimenti e percorsi semplici e diretti,
atti a cogliere e valorizzare al meglio l'essenza del lavoro di
ogni artista.Rapporti con gallerie e istituzioni: Sì.
gallerie: Ron Lang Art (Amsterdam), Galleria Montoro12
(Roma). Istituzioni: MACRO, Roma.Partecipazioni a Fiere:
Artefiera (Bologna), The Solo Project (Basilea).
Il post di Francesca Antonini: Per far ripartire il mercato c’è
bisogno di serenità, elemento indispensabile per indurre il collezionista all'acquisto.
EX ElEttROFONIcA
VICOLO SANT’ONOFRIO 10
www.exelettrofonica.com
Staff: Benedetta Acciari e Beatrice Bertini (Direttrici), Chiara
Bertini (Curatore esterno)
Linee di ricerca: La galleria è interessata a sostenere artisti
che, per mezzo del proprio lavoro, offrano occasioni di ricerca
sui temi delle trasformazioni e delle transizioni sociali, politiche e territoriali in atto. Non analizzate attraverso la mera attualità, ma con uno sguardo ai modelli di espressione nella
loro complessità.Progetto espositivo: Per le inusuali caratteriste spaziali della galleria, la linea espositiva è affidata al
progetto inedito che l’artista presenta con il costante ausilio
dei responsabili dello spazio. Artisti presentati: Leonid
Tsvetkov. Margherita Moscardini, Davide D’Elia, Alis/Filliol,
Marco Raparelli, Anna Franceschini, Angela Marzullo, Rui Toscano, Guendalina Salini, Marinella Senatore, Marco Bernardi, Cyril Blažo, Tomáš Džadoň, Eva koťátková, Pavla
Sceránková, Giorgio Andreotta Calò, ha Za Vu Zu, Asli
Sungu, Jakup Ferri, Cristelle Lheureux, Sharon hayes, Nicoline Van harskamp, Joanne Richarson, Pia Roenicke, Rossella Biscotti, Danilo Correale, Ali kazma, Bettina Wind &
Alexandra Ferreira.Rapporti con altre gallerie e istituzioni:
Sì. gallerie: Studio SALES di Norberto Ruggeri (stand condiviso ad Istanbul Art International, 2014).
Istituzioni: Istituti di cultura e Accademie straniere di Roma,
sponsorship con l’Ambasciata di Portogallo, l’Ambasciata
Slovacca e l’Istituto Svizzero. Partecipazioni a fiere: MIA Art
Fair (Milano) Il post di Beatrice Bertini e Benedetta Acciari: Ex Elettrofonica, nata nel 2009 come spazio no profit,
dal 2012 ha assunto la forma e la sostanza di una galleria
d’arte. le modalità di lavoro conservano un approccio sperimentale, la galleria opera infatti, in collaborazione sinergica
con gli artisti, come supporto, ideazione e produzione di progetti d’arte. Inoltre approfittiamo di questa sede per fare un
appello ad un’altra galleria che volesse fare un cambio sede
di due mesi con noi.
lORcAN O’NEIll
VICOLO DEI CATINARI 3
www.lorcanoneill.com
Staff: Laura Chiari (direttrice), Serena Basso (direttore associato), Joanne hosking (gallery manager), David Da Silva
(tecnico), Cristina Meregaglia (assistente), Laurita Parrilla (ufficio stampa)
Linee di ricerca: Nata nel 2003 come spazio per l’arte contemporanea internazionale, la galleria lavora con molti importanti artisti, tra Martin Creed, Tracey Emin, Anselm kiefer,
Richard Long, kiki Smith, Jeff Wall, Rachel Whiteread, & Cerith Wyn-Evans. Molti di questi hanno esposto per la prima
volta in Italia proprio qui. Il programma espositivo comprende
anche nomi italiani come Emilio Prini, Francesco Clemente
e Luigi Ontani. Dall’apertura si è anche sostenuta una nuova
generazione di artisti: Manfredi Beninati, Pietro Ruffo, Eddie
Peake. Nel 2008 si è aperto uno spazio per lavori site specific e si sono portati a Roma artisti come Carsten Nicolai e
hanna Liden. A luglio la sede si trasferisce in un nuovo
grande spazio nel cuore di Roma, ex scuderie del Rinascimento ristrutturate, dove ci sarà anche un bookshop.
Partecipazioni a fiere: Art Basel, Art Basel hong kong,
hong kong; Frieze (New york), Zona Maco (Mexico City),
Armory Show e Independent Art Fair (New york), Re-Map
(Atene), Artissima (Torino), MiArt (Milano).
Il post di Laura Chiari: Nessuno
EXIBARt 87 / 71
l’intervista/Fabio Sargentini
Incredibili quegli anni! E ora?
ha cambiato tre sedi. Ma l’Attico di Fabio Sargentini rimane scolpito nella memoria
per quei dodici cavalli che Kounellis fece entrare nel garage di via Beccaria nel ’69.
Qui il suo fondatore ci racconta quegli anni. guardando però al presente
di Anna De Fazio Siciliano
Cosa è stato l'Attico di Fabio Sargentini negli anni '70?
«Di recente ho fatto alcune interviste video in cui ho cercato di far capire il clima di quegli anni irripetibili.
Ma è difficile riuscire anche per me, che li ho vissuti in prima linea,
farne sentire la potenza innovativa.
Roma è stata importante, il garage di via Beccaria ha rappresentato
una svolta epocale per la concezione dello spazio espositivo. In galleria
sono entrati corpi dei danzatori e i cavali di Kounellis, tanta fisicità,
movimento, spettacolarità, gli americani sono stati importanti per me e
io per gli americani».
Cosa aveva in testa quando ha portato il mare di Pascali a via Beccaria? C’entra il mare di Pascali con l’allagamento del garage di via
Beccaria?
«Certo!Ho sempre detto che il mare con l’acqua vera di Pascali, che
nella sua immobilità geometrica fa sembrare acqua un’altra materia,
gelo, plastica, mi ha ispirato l’allagamento del garage. Soltanto che io
realizzavo l’allagamento come atto di chiusura della galleria. Trasparenza e silenzio in quello spazio in cui si erano scatenate le energie di
molti.
Occasioni come questa mi pongono in conflitto con gli artisti, che si sentono depositari esclusivi della creatività. Sono entrato in collisione con
Kounellis, con De Dominicis, meno con Ontani, sempre meno con Pizzi
Cannella e Nunzio. Il mio psicanalista mi disse che molto probabilmente
avrei litigato pure con Pascali!».
Ha mai immaginato come potrebbe essere la sua uscita di scena?
EXIBARt 87 / 72
Un allagamento? Un'ultima mostra non stop?
«No, l'ho già fatto. Spero di restare sulla breccia ancora per qualche
anno. Devo sentire che quello che propongo ha un’incidenza, una ricaduta nel concreto. Non ho la pretesa di spostare il mondo come
quando avevo 29 anni, ma da vecchio leone posso ancora discretamente ruggire».
Che senso ha, oggi, fare arte?
Non sono più anni di contestazione politica.
«La politica non mi ha mai interessato. Devo incidere, far discutere.
Il mio linguaggio politico è l’arte».
In quale mostra, artista o espressione artistica si riconosce di
più?
«Ho sempre trasferito la mia forza creativa nell’artista con cui sceglievo di lavorare, da Pascali a De Dominicis, da Ontani a Pizzi Cannella, da Nunzio a Limoni.
Poi ho sentito che questa istanza creativa doveva emergere da sola,
così mi sono dedicato al teatro.
A questo punto della mia carriera la maggiore soddisfazione la
traggo proprio dall’espressione teatrale.
Ma anche l’invenzione di mostre collettive tematiche mi gratifica.
Non prediligo una forma d’arte piuttosto che un’altra.
In questi giorni inauguro una mostra di pittura, Miraggio di mare,
una personale di Mario Nalli. È la prova regina che il mezzo pittorico, oggi svilito e relegato in un canto, è impareggiabile nel creare
bellezza».
SPEcIAlE ROmA/lE gAllERIE
Volevamo intervistare l'altro storico gallerista romano, Pio Monti,
ma lui - estremamente contemporaneo -ci ha risposto come vedete qui sotto.
Solo con immagini. Perché...
StUdIO StEFANIA mIScEttI
VIA DELLE MANTELLATE, 14
www.studiostefaniamiscetti.com
Staff: Stefania Miscetti (fondatrice e direttrice), Pia Lauro (assistente).
Linee di ricerca: Installazioni e performances di artisti italiani
e stranieri appositamente progettate per la città di Roma. La
galleria ha invitato, in spazi pubblici o privati, romani e non,
grandi protagonisti della scena internazionale, legati alle
esperienze delle avanguardie storiche degli anni '60 e '70,
tra i quali: Marina Abramovic, yoko Ono, Ben Vautier,
ORLAN, Wolf Vostell, Maria Lai, Nancy Spero, hermann
Nitsch, Doris Bloom, Valie EXPORT, Michal Rovner, Gianni
Piacentino, Alberto di Fabio, Alfredo Jaar. Inoltre, tra i tanti
artisti promossi con mostre organizzate in Italia ed all’estero
vi sono, tra gli altri, Paolo Canevari, Adrian Tranquilli, Manuela Filiaci.
Rapporti di collaborazione con altre gallerie e istituzioni:
Sì, con diverse gallerie italiane e internazionali, con ambasciate e accademie straniere tra cui: British Council, American Academy, Goethe Institut, Ambasciata Francese,
Ambasciata Reale dei Paesi Bassi, Ambasciata Sudafricana,
Ambasciata Danese, Ambasciata Australiana, Japan Foundation, Istituto Polacco. Ed ancora con il Comune di Roma,
il Palazzo delle Esposizioni, Museo Barracco, MACRO,
GNAM.
Partecipazione a fiere: la galleria ha partecipato solo su invito ad Arco, Madrid.
Il post di Stefania Miscetti: Immaginare lo spazio per condividere il piacere dell'arte
ghetto
ANNA mARRA
VIA SANT’ANGELO IN PESChERIA 32
www.annamarracontemporanea.com
Staff: Anna Marra (fondatrice), curatori esterni tra cui: Achille
Bonito Oliva, Lorenzo Respi, Giulia Calò.
Linee di ricerca: Organizza mostre avvalendosi dell’apporto
scientifico di curatori esterni. Pubblica il catalogo in doppia
lingua e documenta le opere esposte. Durante il corso delle
mostre organizza eventi culturali connessi con il tema proposto.
Progetto espositivo: Promozione dell’arte contemporanea
emergente, in una logica di scambio culturale tra Italia ed
estero.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Si. Artughet con
Ermanno Tedeschi, Valentina Bonomo, Pio Monti e Edieuropa; Museo Andersen, Roma (per la mostra Claudia Peill e
kaisu koivisto, 2013); Macro, Roma (per la mostra di Licia
Galizia e Michelangelo Lupone, 2014)
Partecipazione a fiere: Set Up, Bologna
Il post di Anna Marra: La mia galleria ha continuato il percorso di Mara Coccia dove sono stata assistente e co-direttrice per molto tempo. La sua presenza ha plasmato a fondo
la mia vita professionale e umana
PIO mONtI
ERmANNO tEdEScHI
PIAZZA MATTEI 18
www.piomonti.com
VIA DEL PORTICO D'OTTAVIA 7
www.etgallery.it
Staff: Pio Monti (fondatore), Nicola Monti (direttore), Egle
Adami, Carolina Mariani, (assistenti)
Linee di ricerca: Collaborazione con i nomi illustri dell'arte
contemporanea, sopratutto concettuale. Artisti: Gino De Dominicis, Vettor Pisani, Emilio Prini, Alviani, Pedriali, Montesano, Carlo Maria Mariani, kaufmann, Bartolini, Cannistrà,
Mochetti, Salvo, Itto.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Si. Artughet, Galleria Campagne Première di Berlino, Permariemonti di Civitanova Marche, MADRE di Napoli per la retrospettiva Vettor
Pisani eroica/antieroica, Museion di Bolzano per la mostra
Soleil Politique di Prini.
Partecipazione a fiere: Artissima (Torino), Miart (Milano),
Artefiera (Bologna), FlashBack (Torino).
Il post di Pio Monti: Quando la Galleria non funziona, diventa un tunnel.
Staff: Ermanno Tedeschi (fondatore e direttore), Ilaria Bianco
di San Secondo e Joseph Matalon (collaboratori).
Linee di ricerca: Con le sue sedi di Roma, Torino, Milano e
Tel Aviv, la galleria segue da sempre la direzione del contemporaneo internazionale prediligendo la molteplicità di tecniche e approcci.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Artughet, Comune
di Roma.
Partecipazione a fiere: The Road to Contemporary Art
(Roma), Fresh Paint Art fair (Tel Aviv), Flash Art Fair e MIA,
(Milano).
Il post di Ermanno tedeschi: Arte come ambasciatrice di
pace, che porta dialogo tra artisti di culture diverse.
EXIBARt 87 / 73
Esquilino labicano
t293
VAlENtINA BONOmO
VIA G. M. CRESCIMBENI 11
www.t293.it
VIA DEL PORTICO D'OTTAVIA 13
www.galleriabonomo.com
Staff: Valentina Bonomo (fondatrice).
Linee di ricerca: Una realtà che ospita nomi illustri, artisti
consolidati e giovani emergenti. Artisti: Sol Lewitt, Carla Accardi, kounellis, Paladino, Cucchi, Cerone, Franz West, Liliana Moro, Giuseppe Caccavale, Isola e Norzi. La galleria
ha presentato a Roma talenti internazionali come Jean-Jacques Du Plessis, Marie hartnett, Moshekwa Langa.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. Macro, in occasione della mostra Giacino Cerone 2014; Galleria Nazionale Arte Moderna per la mostra Mimmo Paladino e Sol
Lewitt; Museo dell'Ara Pacis in occasione di Brian Eno /
Mimmo Paladino Opera per L'ara Pacis; Mamba (Buenos
Aires), Estorick Collection (Londra).
Partecipazione a fiere: Artissima (Torino), Artefiera (Bologna), Miart (Milano).
Il post di valentina Bonomo: La ricerca della galleria ha
come obiettivo la qualità dell'opera, a prescindere dalle tendenze e dalle mode
StUdIO SAlES dI NORBERtO RUggERI
(gIà SAlES)
PIAZZA DANTE 2
www.galleriasales.it
Staff: Norberto Ruggeri (direttore), Andrea Vancheri e Elena
Tardivo (assistenti).
Linee di ricerca: Proposta di personalità, spesso inedite,
scelte nel panorama internazionale, senza alcuna preclusione al genere espressivo, ma selezionando sempre lavori
che stimolassero un’originale riflessione sulla contemporaneità, aprendosi al confronto con il lavoro di altri artisti o la
linea culturale di alcune gallerie internazionali. Artisti della
galleria: Airò, Arienti, Avery, Botto & Bruno, Braun, Dobliar,
van Eeden, Favelli, kartscher, khebrehzadeh, Macdonald,
Marisaldi, Nashat, Pecoraro, Schäfer, Tillmans, Toderi, Donald Urquhart, Wermers, Wieser, Woods.
Rapporti con altre gallerie e con istituzioni: Sì. Con gallerie per la realizzazione di mostre e per partecipazioni fieristiche. Istituzioni: Prestito per mostre e acquisizione di opere.
Partecipazione a fiere: Artissima (Torino), Miart (Milano),
Artefiera (bologna), Art Basel, Art Basel hong kong , Art
Brussels e Art international Istanbul.
Il post di norberto Ruggeri: Ciò che continua ad alimentare
quella che per me - più che un lavoro - è una passione, è la
curiosità verso tutto ciò che, artisticamente parlando, non mi
è noto o che ritengo la maggioranza del pubblico ancora non
conosca. Così continuo ad informarmi fino a che non trovo
ciò che mi interessa e lo seleziono, con l’intenzione di far conoscere e ovviamente anche incrementare il collezionismo.
Alle volte riscontro un responso ottimo di vendite e critica,
alle volte meno. Ma non sono mai guidato da un principio
economico.
Staff: Marco Altavilla e Paola Guadagnino (direttori), Vittorio
Visciano e Alessia Volpe (gallery manager delle sedi di Roma
e Napoli), Eugenia Carabba e Vanessa Saraceno (assistenti
di galleria).
Linee di ricerca: Scoprire, promuovere e rappresentare artisti emergenti della scena nazionale e internazionale, focalizzando la propria ricerca esclusivamente sulla qualità del
loro lavoro. T293 rappresenta, tra gli altri, helen Marten, Sam
Falls, Patrizio di Massimo e Tris Vonna-Michell.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. Gallerie: Recente collaborazione con la galleria Sadie Coles (Londra).
Istituzioni: numerosi rapporti con istituzioni italiane e internazionali.
Partecipazione a fiere: Miart (Milano), Frieze (Londra),
Frieze New york e Art Basel Miami Beach.
Il post di Marco Altavilla e Paola guadagnin: Nel 2002 abbiamo fondato T293 nel cuore del centro storico di Napoli e
successivamente aperto una sede a Roma per promuovere
su scala sempre più ampia il lavoro di artisti che esprimono
in maniera eccezionale le peculiarità del nostro tempo.
SAlA 1
PIAZZA DI PORTA S. GIOVANNI, 10
www.salauno.com
EdIEUROPA qUI ARtE cONtEmPORANEA
PIAZZA DEI CENCI 56
www.galleriaedieuropa.it
Staff: Lidio Bozzini (fondatore), Raffaella Bozzini (direttrice)
Linee di ricerca: Legata alla storica rivista QUI arte contemporanea, agli artisti fondatori e all'editore Lidio Bozzini. A partire dalla linea italiana del non figurativo, la galleria ha
proposto gli artisti più rilevanti dell'Astrattismo italiano e in-
RAm - RAdIOARtEmOBIlE
ternazionale: il Gruppo Forma Uno, Afro, Appel, Burri, Capo-
VIA CONTE VERDE, 15
www.radioartemobile.it
grossi, Calò, Colla, Fontana, Guerrini, kounellis, Mastroianni,
Rotella, Scialoja e molti altri.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. MACRO, Roma
(un'istallazione di Bros per la Fontana della Terrazza e con
l’intervento di Ozmo, sulla parete antistante il Museo, in occasione di “Urban Area”); Galleria Nazionale d’Arte Moderna,
Roma (con Editalia, per l’esposizione dedicata alla rivista
“QUI arte contemporanea”, pubblicata dal 1966 al 1977).
Partecipazioni a fiere: No
Il post di Lidio Bozzini: Una rivista, una galleria e una ricerca artistica, nate quasi per caso, nel fermento culturale
degli anni '70. Oggi, un luogo con una storia che si arricchisce da più di quarant'anni.
EXIBARt 87 / 74
Staff: Mario Pieroni e Dora Stiefelmeier (fondatori), Luca Vitiello (curatela e coordinamento tecnico di RAM LIVE), yamina Tavani (ufficio stampa e gestione del sito), Bujar Sali
(allestimento mostre), Daniela Lena (segreteria).
Linee di ricerca: Ricerca sonora e attività espositiva finalizzata alla creazione di un network internazionale. RAM nasce
dalla consapevolezza che l’arte contemporanea per poter rispondere alla realtà di oggi ha bisogno di mobilità e di flessibilità. RAM è dotato anche di una radio web, RAM LIVE in
streaming 24 ore http://live.radioartemobile.it. Molti sono gli
artisti proposti da RAM, tra cui: Maria Thereza Alves, Bruna
Esposito, Jimmie Durham, Alberto Garutti, Fabrice hyber,
Jannis kounellis, Felice Levini, h.h. LIM, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini, Annie Ratti, Donatella Spaziani.
Partecipazione a fiere: Fiere italiane fino al 2013.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì, con spazi pubblici e privati in tutto il mondo, coniugando arte visiva e sonora. Il post di Mario Pieroni: Indovina chi viene a cena
Staff: Tito Amodei (fondatore), Mary Angela Schroth (direttrice), Emanuela Termine (curatrice senior) Isabella Vitale,
Alessandra Migani e Michaela Tornielli (project rooms).
Linee di ricerca: Scoprire e mostrare artisti italiani ed internazionali non conosciuti al grande pubblico dell’arte. ha inaugurato le prime mostre di diversi autori mondiali, tra i quali:
William kentridge, kendall Geers, Steve McQueen, Paul
Pfeiffer. ha curato il primo padiglione del Bangladesh e dell’Iraq alla Biennale di Venezia del 2011.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Tantissime gallerie
in Italia e all’estero e collaborato con centinaia di fondazioni,
musei, enti pubblici e privati, ambasciate, comuni, regioni e
individui illuminati, senza i quali Sala 1 non esisterebbe.
Partecipazione a fiere: No. Sala 1 è uno storico no-profit.
Il post di Mary Angela Schroth: Il mio lavoro è difficilmente
classificabile, ho un approccio globale nei confronti dell’arte
contemporanea e sono perennemente alla ricerca della scoperta dell’Altro.
tRAlEVOltE
PIAZZA DI PORTA SAN GIOVANNI, 10
www.tralevolte.org
Staff: Francesco Pezzini e Cesare Sardini (fondatori e cura-
SPEcIAlE ROmA/lE gAllERIE
tori), Alessandra Scerrato (direttrice artistica).
Linee di ricerca: lnvito ad artisti che, giocando sulle le caratteristiche dello spazio, realizzano il loro intervento: Michele
De Luca, Enrico Pulsoni, Claudio Palmieri, Lucilla Catania,
Antonio Lombardi, Ignazio Gadaleta, Giuseppe Tabacco, Silvia Stucky, Roberto De Simone e Cesare Pietroiusti, Primarosa Cesarini Sforza, Alberto Timossi, Riccardo Murelli, Maria
Dompè, Marco Fioramanti.
Rapporti con altre gallerie e con le istituzioni: Sì. Istituzioni: Comune di Roma e altre istituzioni capitoline
Partecipazioni a fiere: No
Il post di Francesco Pezzini: Vogliamo favorire il dialogo
tra arte e architettura, creando una sinergia tra queste e lo
spazio
testaccio Ostiense
Staff: Fabrizio Del Signore e Armando Porcari (direttori), curatori esterni.
Linee di Ricerca: La galleria porta avanti la propria vocazione alla sperimentazione artistica e all’apertura non solo al
panorama italiano, ma soprattutto a quello di respiro internazionale.
Progetto Espositivo: Gli artisti invitati ad esporre il proprio
progetto in galleria si ritrovano a giocare con la location, sperimentando scelte di allestimento sempre nuove, volte a modificare continuamente – e considerevolmente – l’assetto
generale.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: No
Partecipazioni a fiere: Artissima (Torino), Art14 (London),
Miart (Milano)
Il post di Armando Porcari e Fabrizio del Signore: Nessuno
Appio casilino
OFFIcINE FOtOgRAFIcHE
VIA GIUSEPPE LIBETTA 1
www.officinefotografiche.org
zOO zONE ARt FORUm
VIA DEL VIMINALE 39
zoo-zoneroma.blogspot.it
Staff: Viviana Guadagno (direttrice) con la consulenza di alcuni artisti, tra cui h.h. Lim
Linee di ricerca: Si concentra su un ventaglio generazionale
di artisti, valutando il buon lavoro e la determinazione invece
dell’età anagrafica e dando voce alle idee senza discriminazione razzistica, "trendistica" e di genere. Artisti esposti finora: Fluxus, Gianfranco Baruchello, ylin Lin, Michele Zaza
e Luca Pancrazzi.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: ha individuato una
positiva collaborazione in Asia. Mentre non collabora con le
istituzioni.
Partecipazione a fiere: In fase di ricerca di varie soluzioni
realistiche e partecipative.
Il post di viviana guadagno: Tento di ricreare con il mio lavoro l'atmosfera che si poteva respirare ai tempi di ToulouseLautrec. Vorrei che le gallerie tornassero ad essere
principalmente un luogo di incontro tra artisti, per mettere in
primo piano la realizzazione di un lavoro
Staff: Emilio D'Itri (presidente e direttore artistico), Elena
Giorgieri, Laura Lolli, Marco Rapaccini (consiglio direttivo).
Linee di ricerca: Promozione e diffusione della tecnica e dell'arte fotografica, con un forte impegno nel settore didattico
e con particolare attenzione agli autori emergenti.
Progetto Espositivo: Apertura a tutti i linguaggi della fotografia, da quella documentaria a quella astratta, concettuale
o surreale, più vicina all’arte contemporanea.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. Scambio stabile con Les Boutographies - Rencontres Photographiques
de Montpellier.
Il post di Emilio d’Itri: Tra passione e professione.
WUNdERKAmmERN
VIA GABRIO SERBELLONI 124
www.wunderkammern.net
999cONtEmPORARy
VIA ALESSANDRO VOLTA 40
www.999gallery.com
WHItE NOISE
VIA DEI MARSI 20/22
www.whitenoisegallery.it
Staff: Carlo Maria Lolli Ghetti e Eleonora Aloise (fondatori e
curatori), Sofia Catoni (assistente).
Linee di ricerca: Proposte nuove accattivanti; in maggioranza
artisti giovani, inediti in Italia o disposti a sfruttare la possibilità
di lavorare insieme come gradino per far evolvere la loro produzione. Parte dell’attività di scouting è gestita tramite il web,
cercando di ottimizzare l’onnicomprensiva visione di insieme
di internet sul mondo del contemporaneo.
Rapporti con gallerie e istituzioni: Collaborazioni con altre
gallerie italiane, non rapporti significativi con le istituzioni.
Partecipazioni a fiere: ancora non c’è stato il tempo
Il post di Carlo Maria Lolli ghetti: Come suggerisce il nome
stesso della galleria, esattamente come il rumore bianco, vorremmo rappresentare ciò che succede nel mondo dell’arte
contemporanea cercando di sondare tutte le infinite frequenze
che la compongono. Qualcuno diceva che “l’acquisto di
un’opera d’arte è il primo gesto critico”, io aggiungo che il collezionismo è il desiderio di possesso di un amante verso ciò
che ama” e garantire una proposta interessante, attenta e di
qualità sono elementi necessari per propiziare quest’idillio
Staff: Francesca Mezzano (cultural manager), Stefano S.
Antonelli (curatore)
Linee di ricerca: Attività di ricerca critica e pubblicazione nel
settore delle arti visive urbane ultracontemporanee.
Progetto espositivo: 999Contemporary realizza opere in
ambito pubblico, aggiungendo un substrato curatoriale e un
apporto critico e mette disposizione degli artisti selezionati
una project room nella quale poter sperimentare in ambito
galleristico il lavoro abitualmente realizzato in ambiente pubblico.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Sì. Macro, Roma;
Mairie de Paris, Tandem, Ambassade de France en Italie,
Roma Capitale (Assessorati: Politiche Culturali, Lavori Pubblici e Periferie, Mobilità e Trasporti); Atac spa, Municipio
Roma I, Municipio Roma VIII
Partecipazione a fiere: The Others Art Fair, Torino
Il post di Francesca Mezzano: Occupy contemporary art
Staff: Alberto Milani, Franco Ottavianelli, Giuseppe Ottavianelli, Giuseppe Pizzuto, Afra Zucchi (direttori e curatori), Elisa
Montesinos (gallery manager)
Linee di ricerca: Arte Relazionale, Arte Pubblica, Street Art,
Urban Contemporary Art
Linee espositive: Wunderkammern presenta un genere di
lavoro ispirato dal rapporto tra il personale e lo spazio collettivo, sui temi relativi a: il meraviglioso, il paradosso, il collegamento tra il dentro e il fuori, il convenzionale e il non
accettato, privacy e voyeurismo.
Rapporti con gallerie e istituzioni: Si, MAXXI, MACRO,
LUISS, Institut français - Centre Saint-Louis, Institut français
Italia, Istituto Polacco di cultura, Centre Pompidou, Nufactory,
Nuovi Mecenati
Partecipazioni a fiere: young International Artists (Parigi),
OFF 2013 (Bruxelles), Slick (Parigi) Scope (Basilea) Artefiera
(Bologna) Viennafair, Artissima (Torino)
Il post di Wunderkammern: Explore contemporary art
VISIVA
VIA ASSISI 117
www.visiva.info
tHE gAllERy APARt
VIA FRANCESCO NEGRI 43
www.thegalleryapart.it
Staff: Auronda Scalera (direttore artistico) più otto professionisti che lavorano da anni nel campo dell'arte e degli eventi.
Linee di Ricerca: Le nuove frontiere dell'arte: la fusione e
l’ibridazione dei vari linguaggi. VISIVA è un progetto innovativo autosostenibile che intreccia attività integrate: scuola di
alta formazione per il cinema, la fotografia e la grafica; società di servizi per le aziende e galleria espositiva.
Progetto Espositivo: Ad ogni mostra gli spazi mutano notevolmente regalando sempre nuove prospettive ai visitatori.
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Si, con le principali
istituzioni culturali italiane ed internazionali.
Partecipazioni a fiere: no
Il post di Auronda Scalera: «L'arte è plagio o rivoluzione»,
Paul Gauguin
EXIBARt 87 / 75
l’INtERVIStA/cARlO lOllI gHEttI
L’ultima galleria nata nella
Capitale? Schizofrenica
Così la definisce uno dei due fondatori che, a 29 anni, ha aperto insieme a Eleonora Aloisi, un
nuovo spazio a San Lorenzo. L’ultimo in ordine di apparizione nell’Urbe. Perché, se in molti
hanno, chiuso c’è chi continua invece ad aprire
di Pia Lauro
Lolli Ghetti è un ingegnere specializzato nel management e nella gestione della logistica
piuttosto atipico. Grande amante dell’arte e collezionista. Più che coraggiosa, la sua scelta di
aprire la galleria White Noise pare audace. Ma vissuta con la determinazione di chi vuole
‘lasciare il segno’. Come ci racconta lui stesso in questa intervista
EXIBARt 87 / 76
SPEcIAlE ROmA/lE gAllERIE
Perché hai deciso di aprire una galleria a Roma in questo
momento?
«La decisione di aprire una galleria è venuta dall’amore per il
mondo dell’arte in genere, dalla passione per la figura del gallerista e dalla spinta edonistica data dalla speranza di riuscire,
in un modo o nell’altro, a dire qualcosa e a poter dare un valore
aggiunto all’evoluzione dell’arte. Sono un ingegnere, ho deciso
di avvicinarmi al mondo dell’arte unicamente per amore, e sicuramente non per amore dei soldi o della gloria visto il momento. Aprire a Roma è una scelta coraggiosa, si tratta di una
piazza immensa, forse numericamente la più rilevante in Italia,
eppure con ancora una gran sete di contemporaneo. Per me e
la mia socia, Eleonora Aloisi, avere la possibilità di installare
un punto che sia veramente contemporaneo, all’interno di un
contesto fortemente storicizzato come quello di San Lorenzo,
è particolarmente interessante, oltre ad essere una bellissima
sfida».
Che programma proponete?
«Il programma è sintetizzabile con la parola 'schizofrenia', apparentemente incoerente, ma in realtà è la sintesi dei gusti miei
e di Eleonora. Siamo decisi a proporre nei primi due anni una
programmazione che sia ad ampissimo spettro e basata solo
su cose che a gusto personale troviamo interessati, senza alcuna 'strategia' dal punto di vista commerciale. La definirei una
programmazione “sociocentrica”, in quanto espressione della
nostra personale visione. L’arte del domani è veramente libera,
è una sorta di sistema auto cellulare nel quale le cellule sono
in grado di auto generarsi e quindi voler seguire solo una corrente è forse interessante e fruttuoso da un punto di vista commerciale, ma riduttivo da un altro punto di vista. Lavoriamo con
artisti giovani, che non hanno mai esposto in Italia, il che ci permette di essere più attivi, di poter crescere insieme, di attivare
un percorso che nasce con la creazione della mostra per poi
proseguire anche dopo, verso un'esperienza di totale condivi
sione».
Quali sono le aspettative, gli obiettivi che siete prefissati?
«Più che di obiettivi parlerei di sogni, non abbiamo nessun
obiettivo monetario, nulla che possa essere quantificabile numericamente. Il sogno è quello di riuscire a diventare, non dico
un polo, ma un luogo nel quale si faccia cultura e in cui le persone curiose possano venire a vedere delle mostre, scoprendo
sempre qualcosa di nuovo e trovando delle proposte interessanti. Quello che vorremmo evitare è di diventare un’istituzione
noiosa, nel momento in cui diventeremo scontati saremo morti,
motivo per il quale cerchiamo di differenziare molto la proposta
espositiva».
Che tipo di investimento avete dovuto affrontare e a quale
tipo di collezionisti vi rivolgete?
«Gli investimenti variano molto a seconda di quello che si vuole
fare, è ovvio che avendo un budget illimitato si può invadere il
mercato, fare molto clamore, e probabilmente anche avvicinare
le tempistiche di guadagno, ma io credo che farsi una buona
reputazione è più importante che non spendere tanti soldi all’inizio».
Il nostro concetto di galleria è molto più assimilabile a quello
che oggi viene definito ‘galleria di ricerca’, siamo più contenti
di presentare giovani promesse piuttosto che artisti già quotati.
Ci rivolgiamo principalmente a collezionisti medio piccoli o
nuovi collezionisti, perciò creare mostre per tutte le tasche è
fondamentale, tanto quanto mostrare al potenziale collezionista
che il collezionismo non è inaccessibile, ma piuttosto la sublimazione dell’amore per l’arte: non esiste amante che non voglia avere il possesso della persona amata, non puoi amare
una persona e guardarla attraverso un vetro perché dopo un
po’ diventi matto, il possesso è implicito nell’idea di amore e se
ami l’arte prima o poi ne vuoi un pezzo. Io è la mia socia lo sappiamo bene, perché entrambi siamo dei collezionisti. Perciò ci
piacerebbe diffondere la cultura al collezionismo, l'arte dev’essere collezionata soprattutto dallo studente o dall'impiegato,
perché è molto più costoso un iPhone o una stampa di Ikea rispetto ad una serigrafia limitata d'artista. Sotto questo punto di
vista giocare su una fascia di prezzo bassa ci aiuta.
lAzSlO BIRO
VIA BRACCIO DA MONTONE 56
www.laszlobiro.it
Staff: Virginia Del Mastro (amministrazione), Jacopo Lo Faro
(curatore), Marco Baleani (conservatore).
Linee di Ricerca: Street art, Urban art e Muralismo. Non abbiamo sponsor perché non crediamo nell'arte come un meccanismo commerciale. Tutto ciò che realizziamo è il frutto del
nostro lavoro insieme a quello degli artisti. Forse proprio questo aspetto paritario è la nostra cifra distintiva. Una scelta che
ci consente di avere libertà assoluta. Le opere nascono dalla
sinergia tra artista, curatore (noi) e committente. Vogliamo
vendere commissioni e non opere già realizzate
Progetto Espositivo: Non vengono esposte e commerciate
tele, ma lo spazio viene per ogni mostra dipinto interamente
dall'artista ospite.
Rapporti con altre gallerie italiane straniere e istituzioni:
Sì, siamo sempre aperti alle collaborazioni purché siano significative e in linea con la nostra concezione dell'arte.
Partecipazioni a fiere: No
Il post di virginia del Mastro: Solo capolavori.
lA StEllINA (EX WhITECUBEALPIGNETO)
VIA BRACCIO DA MONTONE 93
WWW.LASTELLINAARTECONTEMPORANEA.COM
Staff: Antonio Martini (fondatore), Rossella Alessandrucci
(direttore artistico), Stella Bottai (curatrice).
Linee di Ricerca: Sperimentazione in ambito artistico e culturale con particolare attenzione al territorio e alla partecipazione, privilegiando lavori collettivi e site-specific di artisti
italiani e internazionali.
Progetto Espositivo: Site specific in relazione allo spazio,
un white cube
Rapporti con altre gallerie e istituzioni: Si. Municipio
Roma V, Provincia di Roma; Galleria BarcelOne, Barcellona,
azienda Casale del Giglio.
Partecipazioni a fiere: No
Il post di Antonio Martini: Nessuno
Questa sezione è stata curata da:
Mariangela Capozzi
Anna De Fazio Siciliano
Pia Lauro, Roberta Palma
Eleonora Scoccia
Martha Ter Horst
Sabrina Vedovotto
EXIBARt 87 / 77
l’INtERVIStA/mARIO PIERONI E dORA StIEFElmEIER
RAM, in ascolto del nuovo
Incontrare Dora Stiefelmeier e
Mario Pieroni, che a Roma sono
da anni un riferimento per il
dialogo con le più spregiudicate
innovazioni, è come entrare in un
cantiere. Si fa prima ad elaborare
il nuovo, che a registrare ciò che è
già stato fatto, anche se sono stati
pionieri, tra l’altro, delle interviste
sul campo degli eventi artistici e
della raccolta di opere sonore
create dagli artisti. Al momento la
loro attività si raccoglie attorno a
RAM (radioartemobile), che ha
uno spazio espositivo in cui le
ricerche sul sonoro convivono con
la produzione visiva, e a Zerynthia
Associazione di Arte Contemporanea diventata onlus. Per farsi
raccontare qualcosa dei tanti
artisti che sono transitati per
Roma e per entrare nella
dimensione operativa della ricerca
artistica, abbiamo organizzato
questa intervista.
Un po’ sui generis
e molto a ruota libera
di Paolo Aita
Quando è cominciata la vostra avventura col sonoro?
Mario Pieroni: «è cominciata con Dmitri Prigov, nostro ospite per la mostra Rosa e Giallo della Galleria
Pieroni, che tutta la notte lavorava cantando nella sua
stanza. Questo suono evocava l’immagine, anzi,
sembrava venire direttamente dalle chiese ortodosse.
RAM cominciò con la diretta di eventi europei, che
seguivamo viaggiando con un pulmino».
Dora Sstiefelmeier: «Il computer che usavamo pesava 25 kg., e Skiype neanche si immaginava».
nel frattempo come vi ponevate nei confronti del
visivo?
D.S.: «C’è stato una specie di risucchio. Il visivo è
stato trascinato, senza essere abbandonato, dal sonoro, anche attraverso l’incontro con nuovi artisti, poiché i due ambiti sono differenti».
M.P.: «Un artista come Franz West ha sempre grande
attenzione per la poesia e la musica nelle sue installazioni»
D.S.: «Franz portava sempre con sé dei musicisti, ma
ci sono stati artisti che da sempre si sono voluti avvicinare al sonoro, penso ad esempio a Massimo Bartolini».
M.P.: «Ricordo Mario Merz che mentre era a Roma
disegnò una spirale intorno ad un microfono che divenne il simbolo della nostra web radio, un’onda che
si espande nello spazio».
EXIBARt 87 / 78
«Ricordo mario merz che mentre era a
Roma disegnò una spirale intorno ad un
microfono che divenne il simbolo della
nostra web radio, un’onda che si espande
nello spazio»
D.S.: «Con questo spirito abbiamo fatto una mostra
all’NCCA di Mosca, Arte italiana all’ascolto, e la riporteremo in agosto a Todi in occasione del Festival dedicato quest'anno a Italia-Russia».
La cultura è stata sempre fatta mettendo insieme elementi diversi in modo inedito. Oggi raccogliete i risultati del vostro lavoro pluriennale».
M.P.: «Noi siamo una galleria e proponiamo incontri
tra entità differenti. Stimoliamo i fermenti. Per la galleria la vendita è solo un supporto ai progetti. Stiamo
lavorando addirittura a un festival rock a Treviso con
Pistoletto. Aprire i gruppi chiusi dell’arte, uscire per le
piazze».
D.S.: «Che possono essere anche virtuali. Afferrare
il cambiamento. Era molto divertente discutere di ciò
con gli americani. Quando noi dicevamo che una mostra era andata bene, perché c’era tanta gente interessata e interessante, loro non capivano, e ci
chiedevano quanti quadri avessimo venduto. E nonostante ciò abbiamo formato anche grandi collezioni».
Creare nuova coscienza, spostare l’attenzione dagli
oggetti alle idee.
M.P.: «In ogni caso abbiamo ben piantati i piedi per
terra. Il nostro progetto DAC (Denominazione Artistica Condivisa) è una piattaforma sulla quale gli artisti si trovano a discutere con gli imprenditori.
Entrambi elaborano idee e l’arte se ne fa promotrice,
unendo le creatività. Non sappiamo mai cosa succe-
derà, ma occorre dare una visione positiva al cambiamento».
D.S.: «Così, per esempio, è nato il progetto che unisce yona Friedman/Jean Baptiste Decavèle e
l’azienda enologica Felluga: il Museo della Vite».
Che differenza c’è nelle varie generazioni che si sono
susseguite nell’arte degli ultimi decenni?
M.P.: «Prima c’era più tempo, ma il problema è stato
sempre incontrarsi.
Oggi avviene anche attraverso la tecnologia, ma la
cosa più importante è l’attenzione al contenuto, senza
nostalgia».
D.S.. «Il problema del tempo è fondamentale. Le
cose possono nascere anche in modo casuale, ma
occorre seguirne la crescita. Sento la mancanza della
disponibilità di tempo.
Qualche giorno fa con un musicista abbiamo fatto ripartire un progetto che sembrava arenato. Siamo
stati insieme per ore a parlare e poi alla fine è nata
una soluzione alternativa».
M.P.: «La mostra in corso da RAM - Camere XX - è
un microcosmo di differenze. La distanza oggi non
c’è più, anche tra le generazioni. Sconfinare è diventato inevitabile, è un nutrimento».
D.S.. «E poi da noi c’è sempre un cane… yona Friedman/ Jean Baptiste Decavèle e Nino Docks hanno
creato la Dog Republic. Sconfinare verso la visione
dell’animale è un arricchimento percettivo notevole».
premio giovani
2014
il bando su
www.accademiasanluca.eu
ACCADEMIA NAZIONALE DI SAN LUCA
Roma, piazza dell’Accademia di San Luca 77
06.6798848 | 06.6798850
ROmA/lA SOcIEtà/l’INtERVIStA
Albino uno e bino
A CAPO DI ZETEMA E AMMINISTRATORE DELEGATO DI CIVITA, COMUNE DA UNA PARTE
E ITALIA INTERA DALL’ALTRA. IL POTERE CHE SI CONCENTRA IN ALBINO RUBERTI NON È
ROBA DA POCO. TANTO CHE IN PARECCHI PENSANO CHE A ROMA NON SI MUOVE FOGLIA
CHE RUBERTI NON VOGLIA. SBAGLIATO, PERÒ, SECONDO IL DIRETTO INTERESSATO.
ECCO PERCHÉ
Spesso il nome di Albino Ruberti, romano, 46 anni, si confonde tra Civita e Zetema,
perché di queste due società è rispettivamente Amministratore Delegato e Presidente e AD. Il doppio incarico significa che Civita e Zetema si sovrappongono, creando a Roma un centro di potere forte e inossidabile, come sostengono in molti?
Ovviamente no, secondo Ruberti. Che in questa intervista prova a distinguere le
due società, ma soprattutto dice la sua su quello che si deve fare a Roma. A cominciare da lui stesso.
Quali sono, dunque, i rapporti tra Civita e Zetema?
«Trasparenti, nel ’98 Civita ha partecipato alla costituzione di Zetema, insieme ad
Acea e alla società genovese Costa. Nel 2005 Acea cede le sue quote, subentra il
Comune di Roma e Zetema diventa una società strumentale del Comune».
E il suo ruolo dentro le due società?
«Si tratta di due funzioni separate, perché Civita non svolge attività con il Comune
di Roma né con Zetema, a parte un contratto di locazione per gli uffici della presidenza di Zetema che si trovano nella sede di Civita, peraltro in scadenza al 30 giugno. Civita opera nello stesso settore, ma in ambito nazionale. Per le mostre,
Zetema lavora con molti operatori, ma tra questi non c’è mai Civita. Quindi, io sono
tranquillo».
Cosa manca a Roma per essere una capitale internazionale, la cui offerta culturale competa con quella di grandi città europee, come Londra e Parigi?
«Niente. La nostra offerta e le nostre potenzialità non sono inferiori a quelle delle
grandi città europee. L’Auditorium è un’eccellente istituzione di livello internazionale
e tanti nostri musei e spazi espositivi, quali i Capitolini, le Scuderie del Quirinale o
il MAXXI, solo per citarne alcuni, non sono da meno. Il problema è un altro».
Quale?
«Quando anni fa si è creato il sistema Roma, con i musei che ancora oggi hanno
l’orario di apertura più lungo d’Europa, il contesto era molto diverso, sia dal punto
di vista economico che istituzionale. Oggi la mancanza di risorse sta mettendo in
evidenza la necessità di una riorganizzazione per ottenere maggiore efficienza.
Nella cultura, oltre gli spazi, c’è bisogno di investire nelle attività, nella programmazione».
Facendo cosa, per esempio?
«Favorendo sinergie e l’apporto dei privati, delle associazioni».
Concretamente?
«Penso a un osservatorio comune per arrivare ad un unico strumento gestionale
cui facciano capo musei, biblioteche e spazi espositivi.
Oggi sono tre: Azienda Speciale Palaexpo, Istituzione Biblioteche e Zetema. Ridurli
a uno consentirebbe risparmi e maggiore efficienza anche nella programmazione
espositiva, pensiamo solo ai prestiti. Ma ci vuole anche l’apporto della Regione e di
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altre Istituzioni. Soprattutto ci vuole un accordo di lavoro tra i vari musei, per cui
ognuno si spogli di qualche sua funzione».
Somiglia un po’ l’idea delle Superfondazone di cui qualche anno fa parlò,
senza riscuotere grandi consensi, Emmanuele Emanuele, presidente delle
Fondazione Roma.
«Non ne conosco i dettagli, ma sicuramente ha aspetti comuni».
non pensa però che, oltre al riassetto, ci sia bisogno di teste pensanti e di
persone competenti, che ultimamente a Roma sono mancate?
«Certo, c’è bisogno di una visione, è la cosa più urgente. In mancanza di questa,
si andrebbe verso un declino di cui si avvertono già i primi segnali».
Ma lei ha fiducia nel Sindaco?
«Ignazio Marino ha perfettamente presente questa urgenza e ha molta sensibilità
per la cultura».
Che pensa dell’eventuale accorpamento del Macro all’interno di Palaexpo?
«Può essere una soluzione, ma se non c’è una visione complessiva serve a poco.
Prendiamo solo il tema della collezione, Il Palazzo delle Esposizione non ce l’ha
e non ha quindi il problema di valorizzarla. Un grande centro espositivo ha bisogno di un grande direttore».
Ma sarà mai nominato al Macro?
«Penso proprio di sì, come nelle prossime settimane il Sindaco nominerà l’assessore alla cultura».
Zetema è vista come un centro di potere, un attore che agisce in regime di
monopolio. Come risponde a queste accuse?
«Di quale monopolio parliamo quando a Roma esistono 144 musei e Zetema si
occupa solo di venti di questi? Le accuse nascono dal fatto che, per via delle minori risorse, il Comune ha ridotto i finanziamenti, ha diminuito il numero dei bandi,
come per esempio per l’Estate Romana, mentre Zètema, pur interessata da consistenti tagli, riceve comunque ingenti risorse per la gestione di un patrimonio
museale e di spazi culturali così significativi e articolati.
Accade anche per la velocizzazione delle pratiche: invece di fare i bandi che richiedono tempi lunghi, si ricorre a noi come ente attuatore.
Ma se la macchina finanziaria e organizzativa funzionasse meglio, le risorse potrebbero essere distribuite efficientemente senza una sovraesposizione di Zètema».
C’è chi dice che lei è il vero sindaco di Roma.
«Io? Nooo. ho avuto la fortuna di avere buone opportunità da giovane, ma un
anno fa avevo deciso di lasciare, dopo 16 anni, mi sembrava giunto il momento,
Oggi, con la situazione critica che c’è, penso di potere e di dovere dare ancora il
mio contributo. Per evitare che tutto imploda» (A.P.).
ALBERTO DI FABIO PER SANT’ELMO
GALASSIE SUL CASTELLO
MOSTRA A CURA DI
ANGELA TECCE E PIER PAOLO PANCOTTO
NAPOLI, CASTEL SANT’ELMO
16 MAGGIO - 2 GIUGNO 2014
INAUGURAZIONE
15 MAGGIO, ORE 17.30
CASTEL SANT’ELMO - VIA TITO ANGELINI, 22
in collaborazione con la Galleria Umberto Di Marino
catalogo Maretti Editore
Ministero
dei beni e delle
attività culturali
e del turismo
Soprintendenza Speciale per il Patrimonio
Storico, Artistico ed Etnoantropologico e
per il Polo Museale della Città di Napoli
e della Reggia di Caserta
Artists
Curated by
The For
Format
mat Contemporary Culture
Culture Gallery
Art.Lab Gallery
Glenda Cinquegrana: the Studio
15 – 22 June 2014
Riehenstrasse 74, Basel
thegrassgrowsbasel@gmail.com
thegrassgrowsbasel@gmail.com
www.thegrassgrows.it
www
.thegrassgrows.it
Milena Altini
Francesco Ar
Ardini
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Sonia Elizabeth Barr
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Matteo Berra
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Dario Carratta
Rowan D.G.Corkill
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Francesco De Molfetta
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PER INFORMAZIONI:
SEGRETERIA ORGANIZZATIVA: +39 049 8800305
lE VItE dEglI AltRI
L’ULTIMO TEMA AFFRONTATO DA MUTA IMAGO È LA BIOGRAFIA. CUI LA COMPAGNIA ROMANA
GUARDA CON GLI OCCHI DELL’ARTE. I LORO TALENT SCOUT? KIEFER, ELIASSON, HUYGHE,
MEIRELES, EASTLEY, ASSAËL. E, DA ULTIMA, TACITA DEAN
di Pierfrancesco Giannangeli
displace_muta imago_ ph© luigi_angelucci
«Il teatro è un luogo stupendo.
Un luogo dell'attenzione e
della condivisione come ce ne
sono pochi oggi»
uta Imago è uno dei gruppi di punta
della scena romana e del teatro italiano. Fondato nel 2004 dalla regista
e attrice Claudia Sorace e dal drammaturgo, musicista e attore Riccardo Fazi, ha
prodotto negli anni una serie di spettacoli capace di mettere in stretta connessione le arti
performative, dando vita a un linguaggio
nuovo e autorevole. Sorace e Fazi ci raccontano tutto in questa intervista che parte dall'oggi.
Il vostro ultimo spettacolo, Pictures from
Gihan va in scena alla Fondazione Merz,
nell'ambito del Festival delle Colline Torinesi. Il teatro in un luogo dell'arte contemporanea. Sembrano questi gli estremi della
vostra cifra espressiva.
«L'arte contemporanea è un ambito di grande
interesse per il nostro lavoro, da sempre,
anche da prima che decidessimo che era in
teatro che volevamo lavorare. Il dialogo con il
mondo dell'arte, e la sua incredibile vastità e
varietà, è sempre vitale. Viviamo il nostro lavoro abitando questo confine tra i linguaggi e
i mondi, cercando di tracciare traiettorie, al
posto di inutili e soffocanti barricate. Quello
che veramente conta è l'oggetto della propria
ricerca, che si accresce collezionando visioni
e stimoli che possono nascere dai luoghi più
disparati».
Le immagini nei vostri spettacoli sono sempre molto potenti. In questo senso, avete
M
degli artisti di riferimento?
«Molti di quelli che sono, o sono stati, nostri riferimenti nel mondo dell'arte contemporanea
hanno alcuni segni in comune, che poi sono
linee di ricerca: il lavoro sulla meraviglia e la
ricerca sui materiali per produrla; la presenza
dell'elemento temporale nella forma di cambiamento e trasformazione dello spazio; una
modalità di fruizione di tipo cognitivo ed emotivo allo stesso tempo. Siamo ispirati da chiunque, attraverso il proprio lavoro, crea una
frattura, una discontinuità, uno scarto improvviso tra lo spazio del reale e quello dell'immaginazione. Da questo punto di vista
punti di riferimento importanti sono stati Anselm Kiefer per il lavoro sui materiali, Olafur
Eliasson per il rapporto tra luce e movimento; guardiamo a Cildo Meireles per il rapporto con lo spazio, a Pierre Huyghe per
quello con il tempo della fruizione e a figure
come Max Eastley o Micol Assaël per il lavoro sull'ambiente sonoro. Oggi che il nostro
lavoro si sta concentrando sulla questione
della biografia e del rapporto tra identità e
tracce, siamo innamorati dello sguardo di Tacita Dean. Tutti lavori che lasciano ampio spazio alla possibilità di immaginare un prima e
un dopo la mia presenza di fronte ad essi come
spettatore; che prevedono il tempo al loro interno, e che quindi, in maniere più o meno approfondite, contengono una narrazione».
La vostra è un'indagine tra l'essere umano,
lo spazio e il tempo. A quale punto della ricerca siete arrivati?
«Il tema della biografia, delle possibilità linguistiche di restituzione del racconto di una vita
è la questione che ci interessa maggiormente.
Trovare vite esemplari il cui racconto possa
sollevare questioni importanti, che ci stanno
a cuore in questo momento. Vite che, ad un determinato punto del loro percorso hanno incontrato una svolta, uno scarto, che ha
segnato un prima e un dopo rispetto a certe
questioni: il rapporto tra un gesto e le sue conseguenze».
Nella vostra produzione gli spettacoli si accompagnano a installazioni e performance.
Perché avete sentito l'urgenza espressiva di
andare oltre il teatro?
«Il Teatro è un luogo stupendo. Un luogo dell'attenzione e della condivisione come ce ne
sono pochi oggi. Allo stesso tempo, in Italia, è
un luogo di cui si è impossessata una falsa tradizione, che detta tempi, modalità e linguaggi
lontani dalla contemporaneità, intesa sia
come sentire che come linguaggio. Non la rifiutiamo in quanto tale, ma per ciò che ne è rimasto e che mistifica la sua vera natura:
quella di un'arte della visione e del racconto,
dove centrale è il corpo dell'attore, del performer, e il suo rapporto con il tempo del racconto e lo spazio dell'azione. Sentiamo
maggiore libertà nella performance per indagare le conseguenze di questo confronto tra
un essere umano, un corpo, una persona particolare (il performer stesso o il visitatore) e
un determinato spazio senza doversi occupare di questioni drammaturgiche e narrative. Lo spazio della performance è lo spazio
del sacrificio puro e semplice, del gesto e dell'atto compiuti e pieni in loro stessi, senza che
una struttura narrativa o delle conseguenze
di causa-effetto debbano necessariamente accadere».
EXIBARt 87 / 83
Mario Esquilino chi era costui?
Scopritelo dal racconto
di Tommaso Pincio.
E le immagini di Eugenio Tibaldi
A. Acque chete
Eugenio Tibaldi
stampa fotografica con disegno digitale 50x35cm
È un libro un po’ misterioso, curioso e molto piacevole quello che lo
scrittore romano Mario Esquilino avrebbe scritto prima di rifugiarsi
in Messico e far perdere le sue tracce. Sì, Acque chete. Sillabario delle
basilari possibilità di esistere, è un elegante e ben fatto volumetto che
Esquilino avrebbe dato alle stampe per la casa editrice Mirror. Perché
tutti questi condizionali? Perché, in effetti, di Mario Esquilino non si
era sentito parlare neanche prima che riparasse in Messico. Non lo
conosceva neanche Tommaso Pincio che in Acque chete ne parla abbastanza diffusamente e, pur tra mille divagazioni (molto simili al
continuo girovagare che lo scrittore fuggito Oltreoceano faceva sotto
le arcate di piazza Vittorio a Roma), ce ne racconta stralci di vita. E
anche l’editore è alquanto misterioso, così somigliante ad un noto e
ricercato editore italiano, eppure così sconosciuto. Le uniche certezze di questo delizioso volumetto sono le foto e disegni che l’artista
Eugenio Tibaldi ha affiancato alle varie voci del Sillabario redatto (in
inglese poi, chissà perché) da Esquilino.
Ecco, senza dubbio è un libro d’artista, Acque chete, arricchito dal
catturante racconto in cui Tommaso Pincio tratteggia la figura di
Mario Esquilino. Occasione, in realtà, per Pincio, per parlare d’altro.
Per imbastirci e farci girovagare a nostra volta tra vari aneddoti e
umori della sua vita: soggiorni in confortevoli castelli di memoria
dantesca, gradevoli conversari serali in compagnia di altri scrittori
messicani, architetti argentini e tra teorie più o meno strampalate e
per questo molto avvincenti: come tradurre in disegno un libro e se il
labirinto più complesso è la linea dritta, come sostiene Borges in Il
giardino dei sentieri che si biforcano. Già, Borges, altra figura strana,
un po’ convitato di pietra e un po’ ingombrante in tutta questa storia.
Insomma, è estate e vale la pena lasciarsi scivolare tra pagine che
non si sa bene cosa veramente raccontino e chi le racconta, intervallandone la lettura con altrettanti bizzarri lemmi del dizionario che il
tenace Samuel Johnson compilò nell’Ottocento interamente da solo:
più di 40mila vocaboli e che il più che bizzarro Pincio non esita a dichiarare “la sua lettura preferita” per molto tempo. Dondolatevi tra
figure un po’ squisitamente fantasmatiche e in quelle forse vere, romane ma nel senso buono non caciarone né generone, che compaiono
negli aneddoti autobiografici (?) di Pincio, di cui però non vi raccontiamo gli esiti, fino ad arrivare alle immagini rigorose e sapienti, sì
mi viene da dire sapienti, di Tibaldi. Artista, recita la quarta di copertina, «attratto da sempre dalle dinamiche delle aree marginali». E da
uno così, che libro d’artista diverso da questo ci si poteva aspettare?
Forse, non è neanche in vendita. (A.P.)
EXIBARt 87 / 84
AcqUE cHEtE
SIllABARIO dEllE BASIlARI
POSSIBIlItà dI ESIStERE
Autore: Mario Esquilino
Editore: Mirror
Data pubblicazione: 2014
SPEcIAlE ROmA/ REAdINg ROOm
La commemorazione
interrotta
di Mariangela Capozzi
Affidata al monumento, la memoria di eventi tragici, come guerre e persecuzioni razziali, trova
espressione in opere che difettano proprio di monumentalità. Non sono retoriche, né ipertrofiche,
né auliche. E ve ne sono a Roma, a Berlino, a Washington
Presidente dell’associazione Arte in memoria e curatrice dell’omonima biennale internazionale, ospitata nei resti della Sinagoga di
Ostia Antica, Adachiara zevi, storica dell’arte e architetto, presenta
un diffuso excursus sull’evoluzione della costruzione di “monumenti”
commemorativi, progettati prevalentemente per commemorare la
popolazione ebraica e le altre minoranze colpite dalla Shoah, e le vittime della Resistenza Italiana. Israele, Stati Uniti, Italia e naturalmente Germania, ogni Paese ha avuto la sua serie di concorsi di
progettazione che hanno di volta in volta aperto significativi dibattiti
culturali sul tema, evidenziando le difficoltà, il pudore, il coraggio o
l’arretratezza di amministrazioni e cittadini.
Sempre nel tentativo di trovare la giusta chiave per mostrare il pieno
o il vuoto lasciato da un problema ancora sostanzialmente irrisolto
delle coscienze: la domanda “Com’è potuto accadere?” ancora resta
ancora senza una risposta convincente. L’itinerario che si compie con
la lettura del libro è in parte storico e in parte aneddotico, con suggestivi spunti di un’analisi interpretativa sempre acuta. Come indicato
dal sottotitolo, si parte da Roma, città natale dell’autrice e centro
delle sue esperienze e ricerche, con il Mausoleo delle Fosse Ardeatine, considerato come l’opera architettonica che supera il concetto di
monumento moderno per collocarsi in un oltre caratterizzato dai
“monumenti per difetto”, nuova definizione introdotta dalla zevi. Di
cosa difettano questi lavori? L’introduzione viene provvidenzialmente in aiuto per accostarsi al tema: «Di monumentalità, se per essa
si intendono alcune prerogative generalmente attribuite ai monumenti: unicità, staticità, ieraticità, persistenza, ipertrofia dimensionale, simmetria, centralità, retorica, indifferenza al luogo, aulicità dei
materiali, eloquenza, esproprio delle emozioni». Questo vuol dire che,
allontanatisi dai fuochi della guerra, anche il concetto di memoria comincia a risentire della complessità dell’era post-moderna con i suoi
problemi e le sue contraddizioni, ma soprattutto con le molteplici soluzioni proposte da architetti, artisti e sociologi, coinvolti nei processi
per la realizzazione di un memoriale. Le Fosse Ardeatine come Yad
Vashem, introducono il concetto di museo come percorso, da svolgere
sotto un’unica arcata di luce, attraverso le diverse opere d’arte realizzate, che creano momenti di riflessione, e le numerose sepolture
raccolte insieme per dare spazio alla consapevolezza dell’orrore subito.
Parlando di monumenti nella città l’analisi passa alla nazione tedesca
ed alla sua capitale Berlino, in un arco temporale che parte dal pre‘89 per scavalcare poi la caduta del muro, con la realizzazione del
Memoriale per gli ebrei assassinati d’Europa ad opera dell’architetto
Peter Eisenman. L’autrice decide intelligentemente di addentrarsi
nelle varie proposte concorsuali, che rappresentano un’interessante
casistica: monumento come tratto di autostrada, percorso di un autobus verso i campi di sterminio, elemento lapideo che si staglia nella
luce, piattaforma scoscesa, raccolta di colonne di basalto. Alla fine Eisenman dovrà rimaneggiare più volte il progetto superando i continui quesiti di opportunità posti dalle amministrazioni: 2711 pilastri
in cemento armati articolati su pendenze creando percorsi di riflessione in uno spazio delimitato ma aperto alla città e ai suoi flussi. Un
luogo in cui si inciampa, e questo termine ritornerà nella dissertazione dell’autrice alla fine del libro. Singolari invece i casi dei monumenti a scomparsa, che si configurano più come contro-monumenti,
in cui «l’opera coincide con la sua sparizione, ed è dunque temporanea e reversibile; è diffusa sul territorio, si affida aniconicamente alla
scrittura; si identifica con il luogo stesso della memoria».
Il monumento di Amburgo, quindi, scompare man mano che su di
esso vengono depositate le scritte dei cittadini; scarpe di ferro in perfetto stile anni ’40, si affacciano sul lungo fiume di Budapest per commemorare gli ebrei ungheresi deportati, entrambi realizzati con
intenti artistici che si oppongono ai casi di «memoria letterale» o «memoria esemplare» rappresentati da due edifici contrapposti nelle modalità di progettazione e negli intenti simbolici: il Museo memoriale
degli Stati Uniti all’Olocausto di Washington e il museo ebraico di Berlino di Libeskind. Chiude la rassegna il progetto delle famose Pietre
d’inciampo dell’artista Gunter Demnig, sampietrini di ottone che «attivano la memoria», seguendola lì dove la vita è stata interrotta per
stimolare una riflessione nella vita quotidiana dei luoghi. Una memoria apparentemente minore, che arriva però finalmente ad incidere
sulle coscienze come monito continuo perché quello che è accaduto
non si verifichi davvero più.
mONUmENtI PER dIFEttO
dAllE FOSSE ARdEAtINE AllE PIEtRE
d’INcIAmPO
Autore: Adachiara zevi
Editore: Donzelli editore (serie "Donzelli virgola")
Data pubblicazione: 2014
Pagine: 226
Euro: 21,00
EXIBARt 87 / 85
cONtRAPPUNtO
di Flavio de Marco
UN qUAdRO NON
è UNO SlOgAN
UN’OPERA DI RICHARD HAMILTON INVITA A RIFLETTERE SUL CONFINE TRA ARTE E POLITICA. E
SULLA LORO NECESSARIA DIFFERENZA DI ORIGINI E DI FUNZIONI. PERCHÉ IL LAVORO DELL’ARTISTA
NON È UN READY-MADE ESTETICO DELL’INFORMAZIONE
Richard Hamilton
The citizen, 1982-83
a retrospettiva di Richard Hamilton presso la Tate Modern di
Londra (13 febbraio- 26 maggio) è stata una mostra bellissima.
Tonificante per ogni amante della pittura, e illuminante nell’aggiornamento del linguaggio pittorico nel secondo dopoguerra, attraverso le nuove realtà di comunicazione di massa, dalla
televisione alla pubblicità, questa esposizione fa riflettere anche sulla
figura dell’artista “impegnato”.
Verso la fine del percorso espositivo, in una stanza di medie dimensioni
che raccoglieva le opere più dichiaratamente politiche di Hamilton (non
fosse altro per i titoli scelti), mi sono interrogato sul valore politico
dell’opera d’arte, oggi quando la figura dell’artista sembra occupare
spesso, ed in forma esplicita, un territorio socio-politico. In questa domanda, parto dal presupposto che ogni opera d’arte, nel momento in
cui si espone alla fruizione pubblica, possiede per forza di cose un valore
politico, indipendentemente dalle intenzioni dell’autore. Così mi è accaduto di guardare la trilogia composta da The Citizien (1982-83), The
Subject (1988-90), The State (1993), per la prima volta insieme sotto
il mio sguardo, notando il livello sperimentale di queste tre opere sul
piano della risoluzione figurativa dell’immagine. In breve, l’impressione
appena entrato nella sala, era che il tema a cui i soggetti sono collegati
avesse richiesto all’artista un maggiore sforzo di elaborazione linguistica, come se l’evidenza del tema scelto necessitasse di una maggiore
invenzione segnica, dove l’orizzonte degli eventi globali può trasformarsi in un nuovo globo visuale, in grado di porsi come altro dall’accessibilità immediata dell’informazione, come nuova iconologia
dell’immaginario collettivo, generando così un aumento di complessità
intellettuale ed emozionale rispetto alla nuda realtà dei fatti.
Prendendo come esempio The Citizien, la sorgente di Hamilton consiste
in un fermo-immagine preso da un servizio televisivo di Robin Denselow per la BBC, girato nel carcere di Maze a Long Kesh, nell’Irlanda del
Nord, durante la cosiddetta “blanket protest”. Guardando nel catalogo
della mostra lo still originale del video (Hamilton ha fotografato per
anni con una macchina fotografica lo schermo della televisione) ho cercato di interrogarmi sulla sfida, squisitamente artistica, che aveva generato il dipinto. Così, mettendo in relazione le due parti del dittico
(quella più astratta, di sinistra, ricalcata sulla pratica dei prigionieri di
ricoprire le pareti della cella con le loro feci, e quella di destra, in cui
viene ritratto il prigioniero Hugh Rooney) con i frames originali del
L
EXIBARt 87 / 86
video, sono risalito alla costruzione del dipinto, il quale sembra evocare
la rappresentazione di una sorta di Getsemani odierno. Dato che nel
video di Denselow il prigioniero non appare mai a figura intera, Hamilton ha dovuto creare un collage di due stills per assemblare le due parti
del corpo. Poi ha separato Rooney dall’altro prigioniero, che appare con
lui nella stanza dove il video è stato girato, isolandolo per creare una
forma di ritratto più classico e per aumentare, nell’isolamento del soggetto, l’impatto drammatico della scena. In seguito ha tradotto la griglia
dei pixel televisivi di origine in una rappresentazione del volto, dei piedi
e del torace, organizzata in sezioni tonali piatte, delimitate da contorni
netti che, se da una parte richiama il linearismo della crocifissioni di
Cimabue, dall’altra rimbalza su una modalità operativa di scomposizione del colore tipica del processo pubblicitario.
Infine, utilizzando un terzo still, ha creato l’ambiente di feci che dalla
sezione sinistra del dipinto sconfina in quella di destra, creando lo spazio del soggetto, in cui l’artista ha lasciato però una discontinuità spaziale evidente nella parte in basso, dove alla continuità di una sagoma
bianca (un cuscino?) ha contrapposto l’interruzione di una forma in
cui la figura sembra muoversi in avanti (un letto?). Perché riferire la
genesi di questo dipinto? Semplicemente perché mi sembra che molta
arte di oggi operi proprio in senso contrario, limitandosi al prelievo e
alla documentazione dei fatti globali, dove l’evidenza del contenuto
sembra consentire spesso un disimpegno linguistico, in cui il vuoto formale viene riempito dal contatto diretto del pubblico con il fatto esposto
in quanto documento.
Così il pubblico, in grado di riconoscere come parte del proprio vivere
responsabile un determinato evento sociale, si affranca da una richiesta visiva più profonda che dovrebbe muovere dall’artista, generando
uno scarto tra la sua visione personale e il dato originario, lasciato nella
sua evidenza di significato senza una reinvenzione del significante. In
breve, alcuni artisti sembrano sacrificare la costruzione originale di
una visione del mondo per un più accessibile ed immediato reportage
degli eventi del mondo, sostituendo all’invenzione artistica dell’immagine il ready-made estetico dell’informazione.
Per concludere, la differenza che passa tra uno slogan politico e un dipinto politico è semplicemente depositata nel rapporto che i due oggetti
hanno con il tempo, il primo nell’impossibilità di sottrarsi ad un presente che vorrebbe nell’immediato trasformare, il secondo nella necessità di porsi al di fuori di un presente che dovrebbe simboleggiare.
A BALASUBRAMANIAM · AKASH CHOY
CHOYAL
AL · ANIT
ANITAA DUBE · ARP
ARPANA
ANA CAUR · ASHISH SHRINGI · BABA ANAND · BHARAT SIKKA · BOSE KRISHNAUPADHYAY
CHONAT · MADAN LAD MEENA · MOUMIMACHARI · CHINT
CHINTAN
AN UP
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