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me
la mê
N°73 . automne 2014
GRATUIT
numéro 73
automne 2014
france - quEbec - acadie - belgique
longueurdondes.com
sommaire
édito
5 DECOUVERTES • 9 entrevues
27 coulisses • 35 chroniques
Musiqiues répétitives :
on ne peut pas lutter.
sur scène dans une minute !
par Thibaut Derien
Ainsi, les auditeurs seraient des masochistes inconscients, prêts à
écouter en boucle un même refrain ou morceau ? Attirés malgré eux
par les chansons niaises ? Il paraît. C’est en tout cas ce qui
ressort d’une étude d’Elizabeth Hellmuth Margulis, auteure du livre On
repeat : how music plays the mind (non traduit). Flippant.
“Formatage, nous voilà !”, seriez-vous sans doute tentés de répondre,
pointant le marketing pernicieux de la musique occidentale… Même
pas ! La répétition est un procédé présent dans toutes les musiques.
Non, ça se situerait plutôt du côté du cerveau : une zone de confort
créée par la familiarité.
Lior Shoov @ Le Chat Noir, le 16 mars 2014
Ne niez pas, c’est scientifique, on vous dit ! Il paraît même que l’on en
redemande… Pourquoi ? Par an-ti-ci-pa-tion. En écoutant un morceau,
notre cerveau attend un répondant, une récurrence. Des petits joueurs,
hein, ces neurones. Ça voudrait jouer sans cesse au ping-pong musical
sans se soucier dans notre santé mentale.
“J’entends mon cœur qui bat, je le laisse vibrer et réveiller tout mon être, il danse à l’intérieur de moi, doux et
sauvage. Je me sens vivante, très vivante ! Je respire…
respire. Je me secoue, je me secoue plus. Je respire…
Je m’observe et je me dis : si je tremble à l’intérieur,
donc tout est là. Maintenant, tout ce qu’il me reste à
faire, c’est chanter, me chanter. C’est un cadeau unique
de prendre plaisir à trembler en public.”
SUR LA MÊME
LONGUEUR D’ONDES
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Rassurez-vous, cela a aussi un avantage : écouter en boucle permet de
décomposer une musique, d’en apprécier les variations. Il n’empêche
qu’en attendant, on sifflote ce truc-machin, sans se rappeler du titre, ni
être ami avec le style. Et que l’on n’en a pas fini avec les boucles ou autres crétineries.
Conclusion : vous voulez gagner de l’argent ? Faites de la musique
copiée-collée ! Aux autres qui veulent mourir sainement ? Écoutez
indépendant, sortez indépendant et lisez… Longueur d’Ondes.
Directeur - Rédacteur en chef > Serge Beyer | Rédacteur en chef adjoint - Maquette > Cédric Manusset | Publicité > marketing@longueurdondes.com
L.O. MONTRÉAL > Distribution Diffumag | Coordination > Alexandre Turcotte, concert.quebec@longueurdondes.com | Webmasters > François Degasne, Marylène Eytier
Ont participé à ce numéro > Patrick Auffret, Olivier Bas, Marie Bihan, Alain Birmann, Romain Blanc, Olivier Boisvert-Magnen, Jessica Boucher-Rétif, Bastien Brun, Mickaël Choisi, Samuel Degasne,
Emmanuel Denise, Sylvain Dépée, Pascal Deslauriers, Julien Deverre, Jean Luc Eluard, Mathieu Fuster, Romain Gouloumès, Aude Grandveau, Kamikal, Aena Léo (livres), Emeline Marceau,
Vincent Michaud, Julien Naït-Bouda, Yan Pradeau, Elsa Songis, Jean Thooris, Alexandre Turcotte, Johanna Turpeau
Photographes > Roch Armando, Denoual Coatleven, Michela Cuccagna, Marylène Eytier, Clément Halborn, Kamikal, Michel Pinault, Pierre Wetzel
Couverture > Florent Choffel - www.etsionparlaitdevous.com, Photo © Michel Pinault
Imprimerie > Roto Garonne | Dépôt légal > Octobre 2014 | www.jaimelepapier.fr
NE PAS JETER SUR LA VOIE PUBLIQUE
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4 LONGUEUR D’ONDES N°73
DECOUVERTES
5 Grand Blanc • 6 Bagarre
6 Marie-Flore • 7 Botibol • 7 The Dukes
Grand Blanc
les mots bleus
B
b JEAN THOORIS | a MICHELA CUCCAGNA
ien qu’originaires de Metz, c’est à Paris que Benoît,
Camille et Luc, très vite rejoint par Vincent à la
basse, fomentent le projet Grand Blanc. Benoît
(chant, guitare et textes) : “Au début, nous sonnions assez
folk. Puis Camille s’est acheté un synthé.” En opposition au dépouillement acoustique de leurs vertes années, leur premier EP sidère par la
rigueur cold wave et la puissance électronique des titres. Luc (batterie,
clavier) cite les Américains Future Islands en guise de référence. Benoît
confirme : “Nous avons découvert assez tard la new wave et la synthpop. La musique des années 80 a certes influencé Grand Blanc, mais
ce n’est pourtant pas ce que nous souhaitons faire. Notre son est techno
avant tout, même si l’on peut jouer des plans guitare à la Joy Division.”
Autre point fort de cet EP : la langue française, tout en métaphore et
assonance, oscille là entre réalisme dark et troublant mystère. L’ombre
de Christophe ou du Bashung période Novice se fait entendre. Benoît :
“Impossible d’écrire sur l’océan, les fleurs ou la forêt lorsque tu es un
groupe lorrain qui passe ses journées à ne rien faire. Du coup, on parle
de la ville, de l’ennui.” Loin d’une quelconque confrontation, cet attachement à la chanson française s’accorde harmonieusement avec les
sonorités parfois anglo-saxonnes du quatuor. Pour aboutir à une telle
alchimie, facile d’imaginer Grand Blanc comme un monstre de perfectionnisme. Luc : “Nous devions passer quatre jours en studio pour quatre chansons, nous y sommes finalement restés trois mois.” Camille
(contrebasse, clavier, guitare et chant) : “Et il fallait se mettre d’accord
à quatre sur le mixage !” Une méticulosité qui aide à comprendre pourquoi Grand Blanc ne sortira pas son attendu LP avant la fin 2015.
EP 4 titres -Les Disques Entreprise
5 LONGUEUR D’ONDES N°73
DECOUVERTES
Bagarre
les mots, la mort, les sorts
C
b JULIEN NAÏT-BOUDA | a MICHELA CUCCAGNA
omme un coup de pied dans une fourmilière, cette jeune formation
parisienne au mordant vivifiant s’amuse à déconstruire les aprioris
musicaux, pour mieux s’affranchir des carcans et jouir d’une liberté
artistique garante de belles promesses. C’est sous la forme d’un quintette
que le groupe a trouvé la formule magique pour enfin libérer une multitude
d’idées en gestation depuis un certain moment. “Le projet mûrit depuis
maintenant deux ans, il nous fallait trouver cet alliage sonore capable de
refléter les influences de chacun.” Privilégiant le collectif, Bagarre fonctionne sur le principe de l’échange d’idées. Pas de cerveau, seulement des
membres qui s’articulent autour d’un organe musical en tout point protéiforme. Car ce qui intrigue et accroche forcément l’oreille en première
instance, c’est ce panel de couleurs musicales au rayonnement bigarré.
Cette fine équipe aime ainsi croiser le fer avec les genres et les mots. Électronique, rock, house, chanson française, tout y passe ou presque.
Composée d’une chair relativement synthétique, flirtant avec un univers
musical “clubbing” qu’ils aiment mettre à mal, leur musique n’en oublie
cependant pas de titiller les corps, comme le rappelle la rampe de lancement qui les a mis sur orbite : Mourir au club : “Ce titre émane d’un
sentiment commun. C’est un regard froid mais sincère sur une expérience
que toute une génération a connu un jour.” Sereine et sûre de son chemin,
cette bande d’amis n’en est pourtant qu’à ses prémices… Des balbutiements
source d’espérance, tant leur volonté de ne pas s’affilier à une catégorie
musicale les rend déjà indispensables. “Bagarre renvoie à ce terme aussi
bien enfantin que trivial, il définit l’énergie qui gravite entre nos différentes
personnalités. Notre musique est hybride car elle émerge des envies et des
goûts de chacun.” Si l’onde musicale qui se dégage de ce tumulte auditif
est logiquement celle du combat, il est indéniable que cette dernière aspire
à la paix tant les parties qui la constituent s’épousent avant de vouloir s’entretuer.
“Bonsoir, nous sommes Bagarre” - Rouge Vinyle
Marie-Flore
comme un garçon
C
b BASTIEN BRUN | a RENAUD CAMBUZAT
ette jeune femme, qui porte le nom d’une chanson de Joan Baez, a
l’allure d’une égérie des 60’s. Elle cultive une présence folk et un jardin secret où se croisent Léonard Cohen, le Velvet Underground,
comme des vieux groupes de garage (The Seeds, The Remains). À 27 ans,
Marie-Flore sait précisément ce qu’elle aime et ce qu’elle n’aime pas, elle a
ses “fixettes” : “Ah, moi, si je pouvais chanter avec une voix d’homme… ce
sont celles qui me touchent le plus.” Sa voix a elle possède quelque chose
d’écorché et ses compositions ont un grain qui rappelle l’Américaine Cat
Power : “La première fois que j’ai entendu parler d’elle, c’est lorsque j’ai fait
écouter mes démos à un ami Australien. À l’époque, je n’avais pas du tout
vu les ressemblances, je n’avais pas trop compris le rapport. Et puis, la vie
a fait que l’un de ses compères musicaux m’a écrit, pensant que j’étais fan
alors que ce n’était pas du tout le cas. On s’est rencontré lors de leur passage à l’Olympia et avec Greg (Foremann), cela fait cinq ans que l’on
travaille à distance. Il a d’ailleurs participé à une chanson de l’album.” Des
rencontres comme celle-ci, la jeune femme en a connues pas mal ces dernières années et elles l’ont indubitablement aidé à construire son identité
de songwriter, en anglais dans le texte. L’ancienne employée d’une maison
de mode branchée musique a ainsi assuré pendant un temps les premières
parties de Pete Doherty, le héros fracassé des Libertines ou écrit des textes
pour Stuck in the Sound. Son premier disque, By the dozen, qui parle de
bout en bout d’un amour déçu, a mis trois ans à naître. Elle rejoint le clan
des filles perfectionnistes qui chantent et pour le coup, on l’excusera : nous
on aime bien les voix de femmes.
“By the dozen” - Naïve
6 LONGUEUR D’ONDES N°73
8 LONGUEUR D’ONDES N°73
entrevues
9 Jean-Louis Murat & The Delano Orchestra
13 Mina Tindle • 14 Bikini Machine • 16 Cabadzi
18 Chapelier Fou • 20 Dimoné • 22 Pierre Lapointe
b SYLVAIN DÉPÉE | a JULIEN MIGNOT
Jean-Louis Murat
& The Delano Orchestra
massif. central.
Comme l’or. Comme la place que cet album aura dans une
œuvre-torrent et dans l’oreille intime de chacun. Enfin,
comme cette géographie profonde, passée et actuelle,
réelle et sublimée. Bienvenue à Babel, terrain de jeux de
e
Jean-Louis Murat et The Delano Orchestra.
9 LONGUEUR D’ONDES N°73
entrevues
B
abel comme Saint-Babel, petit village du Puy-de-Dôme.
Babel, une fois le préfixe aboli, comme une rencontre au
sommet, vertigineuse complicité de deux générations,
confrontation d’une individualité forte et d’un collectif
protéiforme. Au départ, une commande de France Inter
pour fêter ses 50 ans. Un concert unique en décembre à la Coopérative de Mai. La graine est plantée, le germe déjà vert. En février,
Jean-Louis Murat propose aux cinq garçons du Delano Orchestra
de l’accompagner en studio. Résultat : un double album totalement
actuel, vingt morceaux simples (J’ai fréquenté la beauté, Les
ronces) et épiques (Mujade Ribe, Le jour se lève sur Chamablanc),
1h36 hors du temps aussi. Et l’impression quand on tient les douces
courbes et crêtes du Wadi Araba, sur la pochette noir et blanc,
d’avoir entre les mains un disque important, une charge électrique.
JLM et The Delano Orchestra redessinent là les cartes d’état-major.
Ils donnent chair à un territoire intime, celui qui innerve et désaltère leurs identités stratifiées : fantasmes de rockers et de grandes
plaines américaines, substrat légendaire, mauresque et paysan
d’Auvergne, fils, amoureux, époux, pères dans une France rurale et
mondialisée. Du Giono sans leçon de vie. Du Cioran sans venin. Et
un pont jeté dans l’œuvre muratienne : Le col de Diane est l’ancien
nom de la Croix-Morand, chanson éponyme qui a permis à JLM de
se faire remarquer du grand public en 1991 ; Passions tristes fait
écho à Passions privées (1984), Le jour se lève sur Chamablanc au
Berger de Chamablanc (1998). Mais aussi, un harpon fiché dans
l’avenir. N’enterrez pas trop vite Jean-Louis Murat dans votre linceul de louanges : il ne cesse de nous déranger, de nous
surprendre comme le fera sans doute la bardée de talents auvergnats qu’il emmène dans son sillage. Parole à l’Auvergnat…
LA SIMPLICITÉ
“Je savais que je n’avais pas beaucoup de budget, pas beaucoup
de temps. Mais, je savais que j’allais enregistrer ces chansons-là
avec les Delano. Parce que ce sont des Clermontois. Parce qu’on
peut discuter de Heidegger et de Baudelaire. Parce que surtout, on
avait travaillé et joué ensemble pour France Inter, et qu’ils sont
devenus des proches. Ces chansons sont très simples. Ce sont des
blues construits autour de trois ou quatre accords. Je me suis
imposé cette simplicité pour que les Delano puissent s’engouffrer
dedans, pour que ce ne soit pas trop “prise de tête”. En toute
logique, je me suis éloigné d’une écriture strictement poétique
pour plonger dans le prosaïque. Nous avons passé dix jours en studio ensemble. Ça a été somme toute très rapide. Tempos,
structures, tonalités, tout était très défini. Avec toujours la même
méthode de travail : j’entrais en cabine pour enregistrer guitare et
voix, parfois un clavier, je faisais quelques harmonies à la voix pour
préciser les choses… Pendant ce temps, eux, ils écoutaient de l’autre côté de la vitre et préparaient déjà, chacun de son côté, ce
qu’ils allaient proposer. Je ressortais et je leur disais : “Bon, les
gars : vous avez cinq minutes… Qu’est-ce que vous avez ?”. On
ouvrait alors les pistes et chacun jetait ses idées. Nous avons enregistré deux chansons par jour, aussi simplement. Je n’ai pas
l’impression de les avoir dirigés, à proprement dit. Les Delano
disent que je sais exactement ce que je veux ; je pense qu’ils s’illusionnent un peu. Mais dès lors que les textes sont là, finis, précis,
que les rythmiques sont clairement définies, que le guitare-voix
est posé, on a une base sérieuse de travail. En revanche, je savais
que je ne voulais pas du Delano Orchestra. Dès le premier jour, je
“La proposition est venue deux mois après le concert à La Coopé,
par Christophe Pie, membre du Delano Orchestra et batteur de
Jean-Louis. Il lui avait dit : “J’ai écrit vingt chansons. Je voudrais
les enregistrer avec les gars. Demande leur si ça les intéresse.”
On n’a pas franchement hésité. Le groupe existe depuis dix ans,
mais on se voit assez peu. On était alors très content de se retrouver, un peu intimidé aussi par le projet. Il faut dire que la méthode
de travail était assez différente de la nôtre. Nous passons généralement du temps à travailler nos arrangements en amont du studio
pour des enregistrements en live. Là, j’ai découvert assez tardivement les titres, qui avait été bien préparés par Jean-Louis, dans le
cocon de sa maison, avec Christophe et Mathieu (Lopez, bassiste).
J’aime les exercices imposés en studio et ce que nous a demandé
Jean-Louis était palpitant : trouver, morceau après morceau, les
arrangements, les apports dès qu’il sortait de cabine. Ça s’est fait
sans pression, même si on ne voulait pas se louper. On a puisé dans
nos ressources, sans se poser de question. On y est allé à l’instinct
et à l’efficacité. Avec des petits miracles comme le quatuor à
cordes sur Vallée des merveilles, le groove du Blues du cygne ou
la tension que l’on a su trouver pour Mujade ride, bouleversante
chanson. Ça s’est révélé être, malgré toutes les contraintes, un
grand exercice de liberté. Enfin, plus personnellement, cela a été
une aventure assez émouvante, que j’aurais eu du mal à imaginer
quand commençant à jouer de la guitare, vers 14 ans, j’avais
réécrit les paroles de Au Mont Sans-Souci.”
10 LONGUEUR D’ONDES N°73
JL MURAT
THE DELANO ORCHESTRA
Alexandre Rochon, chanteur-guitariste :
entrevues
leur ai dit : “Les gars, on est bien d’accord. Je ne veux pas
importer dans mon univers les manières de faire du Delano.
Vous m’accompagnez strictement, et vous faites du Murat, pas
du Delano”. J’ai passé mon temps à leur rappeler. On est vraiment parti à l’aventure. En entrant en studio, je me disais que
ça allait marcher sur cinq ou six chansons et chaque soir, je
m’étonnais : “Ben, merde, on en a encore bouclées deux
aujourd’hui !”. J’avais prévu que ça soit un fiasco total, de tout
reprendre à zéro avec d’autres musiciens. Je n’avais pas prévu
que ça se précipiterait aussi bien.”
L’AUVERGNE
“Je ne savais pas au départ, combien cet album serait enraciné.
J’avais d’ailleurs proposé à la maison de disques de baptiser l’album Ici et Là-bas, de regrouper les chansons sur l’Auvergne d’un
côté, et tout le reste de l’autre. C’était tellement idiot que j’ai
vite abandonné l’idée. Je ne suis pas scindé en deux. Je ne vois
pas pourquoi j’aurais dû en passer par cet exercice assez vain :
séparer mes chansons comme on séparerait le bon grain et
l’ivraie. Et puis, cette idée, ça puait le processus industriel. L’album a été conçu dans la spontanéité ; il ne fallait pas en passer
par un truc trop réfléchi. Au final, l’album est très ancré dans
une géographie plus que dans une nature. Car l’Auvergne, ce
sont avant tout les Auvergnats. Ce sont les hommes qui font les
pays. Pas l’inverse. Dans Babel, je parle beaucoup de la vie des
paysans, des familles, des villages. C’est à partir - et c’est sans
doute mon côté paysan qui parle - des activités humaines et du
temps qu’elles nécessitent que le reste se construit et se définit.
Je n’ai pas une vision romantique de l’Auvergne, avec ce rapport
métaphysique à la nature et aux éléments qui traduiraient nos
11 LONGUEUR D’ONDES N°73
états d’âme. D’ailleurs, les paysages sont totalement artificiels.
Ils sont ce que les hommes en ont fait ou en font. Les changements se lisent manifestement dans les paysages. Mais au-delà
de leur beauté ou de leur laideur, ils sont aussi du passé au présent : des souvenirs d’enfance, des légendes, des mythologies,
une histoire occultée… On oublie trop souvent que les Maures
se sont installés dans une bonne partie de l’Auvergne. “Murat”,
ça vient de la déformation de “Maure”. Tout comme “Morand”
que l’on retrouve dans le col de la Croix-Morand.”
LA LANGUE
“J’insiste lourdement pour qu’Alexandre (Rochon, voir encadré)
se mette à écrire en français - ou qu’il sorte ses textes en français de leur cachette. C’est tout de même ahurissant la défiance
que cette génération a à l’égard de sa langue maternelle - on
se demande bien ce qu’elle a pu lui faire, maman, d’ailleurs. C’est
de l’ordre du tabou sexuel. À croire que cette langue incroyable
est vouée aux poubelles de l’histoire. Pareil pour Morgane
Imbeaud. Elle n’a pas peur de participer à des discussions de
mecs, à la finesse toute relative, mais quand on lui demande
quand elle se mettra à écrire en français, elle devient toute chichiteuse. Et ce n’est ni une question de talent ou de
connaissance. Il y a un verrou à faire sauter. Parce qu’avec cette
défiance, on risque la double peine : l’appauvrissement de notre
langue et l’adoption d’un anglais international, qui est déjà une
soupe infecte. Bref, on marche sur le chemin de l’esclavage.” i
>> L’entrevue en intégralité sur
longueurdondes.com
Pour cet album, tout en roc et
rivières, Jean-Louis Murat
s’est exclusivement entouré
d’enfants du pays. Alexandre
Rochon, leader de The Delano
Orchestra, patron du label
clermontois Kütu Folk Records
(d’où sont sortis St Augustine,
Leopold Skin, Evening Hymns)
et co-directeur des éditions
Le Cahier Bleu, a signé le clip
de J’ai fréquenté la beauté.
Il a aussi supervisé l’artwork
de Babel avec le photographe
Julien Mignot, ancien résident
de la Coopérative de Mai,
nouvellement arrivé à la Salle
Pleyel. Compagnon de route de
JLM, Christophe Pie, batteur
du Delano Orchestra, est bien
évidemment de l’épopée,
comme Morgane Imbeaud,
ex-moitié de Cocoon. L’album
a été enregistré par Pascal
Mondaz au Studio Palissy,
Beaumont, 63. Seule exception : Oren Bloedow, le
guitariste d’Elysian Fields
(New York), apparaît sur
Chant soviet.
“babel” Pias
12 LONGUEUR D’ONDES N°73
entrevues
Mina Tindle
ô capitaine, ma capitaine
Révélée en 2012 par Taranta et une tournée d’une émotion rarement égalée
depuis, elle se dévoile un peu plus dans Parades, un splendide archipel, douze
îles mystérieuses en pleine mer de l’intranquillité. b SYLVAIN DÉPÉE | a ROCH ARMANDO
N
avegar é preciso / Viver não é preciso.” Ces quelques
mots extraits de Os argonautas, chanson de Caetano
Veloso, lointaine résurgence d’un vers de Luís de
Camões et devise de la Ligue hanséatique, Mina Tindle hésite
encore à se les faire tatouer au creux du bras, au-dessus d’une
côte gauche sous le cœur battant, ou bien sur la nuque
comme paratonnerre, comme contre-sort. “J’avais besoin du
titre parfait et je ne le trouvais pas. J’avais pourtant plusieurs
listes de titres possibles, mais ça m’a pris des semaines.
Et puis, Parades m’est apparu. Par hasard. Je lisais Poteaux
d’angle d’Henri Michaux et je suis tombé sur : “Veille périodiquement à te susciter des obstacles ; obstacles pour lesquels
tu vas devoir trouver une parade et une nouvelle intelligence.”
Ce n’est pas tant la maxime que le mot que j’ai retenu. Henri
Michaux a le chic pour choisir des mots très visuels qui ressortent par leur physionomie. Comme “parade”. J’aime
l’idée que la musique soit une question de
défense et de survie, que ça soit une arme et un
bouclier en même temps qu’une parure. Le mot est
compréhensible en anglais, ce qui m’importe aussi, même s’il
a beaucoup moins de significations qu’en français. Car
“parade”, c’est aussi une évocation de la beauté un peu vaine
et capricieuse du paon. Sans oublier la parade amoureuse,
l’éternel chant d’amour, ce cri amoureux, tellement animal et
13 LONGUEUR D’ONDES N°73
tellement humain à la fois. Cela correspondait parfaitement à
ce qui traverse ce deuxième album.” Fulgurance d’un été, écrit
en une poignée de jours, sans doute moins retravaillé, moins
raturé que son prédécesseur, Parades est un voyage opiniâtre
et joyeux. Face à l’adversité. “Il est né d’un sursaut, d’une prise
de conscience, d’une envie d’être le capitaine de son bateau,
de tenir le gouvernail. Tout ce que j’ai accompli avec Taranta,
m’a permis de panser mes plaies. J’étais une âme très torturée. Je le suis moins. Maintenant, je peux entendre cette voix
qui me dit : “Libère toi un peu !”.” La mer n’est pas un modèle
mathématique. Pas plus que Parades. Insaisissable, il sillonne
délicatement entre les chants des sirènes (À Séville), le crépitement de la batterie (Seaside) et le scintillement des cordes
(Plein nord). Il danse parfois au rythme effréné des régates,
et cabote dans des eaux plus calmes, mais pas moins profondes et salées. Il dessine au gré des courants un archipel
imaginaire, tantôt accablé sous la chaleur paradoxale de l’Astrakan, bercé par les aurores boréales (I command) ou ravi par
les lumineuses et dangereuses côtes de Messine (Taranta).
Dans l’ultime fragment de son Voyage immobile, Fernando
Pessoa, le plus grand poète portugais des siècles passés,
conclut : “Naviguer est nécessaire, vivre n’est pas nécessaire
(…) Ce qui est nécessaire, c’est créer.” Nul besoin de tatouer
i
cette fin, Mina Tindle l’a déjà dans la peau.
“parades”
Believe Recordings
On pourrait vanter la réalisation d’Olivier Marguerit
et ses doigts d’Orphée,
s’appesantir sur la présence de Brian McOmber, le
batteur de The Dirty Projectors, et de Craig Silvey,
le mixeur d’Arcade Fire,
s’extasier devant le travail
de Bryce Dessner, guitariste de The National, sur le
bouleversant L’Astrakan…
On pourrait aussi s’attarder
sur le doux éclat de cet
album, ses parfums colorés,
le miroitement de la voix de
Mina Tindle et sa langue
mystérieuse. On pourrait.
Mais, on passerait à côté du
tour de force de Parades :
ne pas s’être laissé, malgré
les abandons, les naufrages,
l’absence, les malédictions
évoqués, atteindre par le
ressentiment, gagner par
la noirceur. D’avoir donné
corps et voix à cette
“réconciliation batailleuse”, si chère à Gaston
Miron.
entrevues
« Faire en sorte que cette
musique reste une belle
demoiselle curieuse et non
un vieux zombie. »
14 LONGUEUR D’ONDES N°73
entrevues
Bikini Machine
les soixante glorieuses
Éternels habitués du hors-piste, les Rennais ont enfin trouvé
leur martingale. Ou comment une mécanique rock bien huilée,
avec 13 ans au compteur, est devenue l’un des meilleurs
groupes hexagonaux de “yeah yeah”.
b SAMUEL DEGASNE | a RAPHAËL AUVRAY
D
écouverte des Trans Musicales en 2001, Vieilles
Charrues en 2003 et une signature chez Platinum
Records… avant même la sortie d’un premier
album ! Les Bikini Machine ont toujours su aller plus
vite que la musique. Quoi d’étonnant, donc, de les
recroiser ensuite reprenant Jacques Dutronc, se faisant produire par Jon Spencer, remixé par Rubin Steiner, jouant en
side project avec Dominic Sonic (pour deux d’entre eux) ou
accompagnant Didier Wampas ? Dès leurs premières intros,
lorgnant sur la cinéphilie 60’s (l’excellent Bikini theme en
2003), l’urgence communicative et l’insouciance protéiforme
se ressentaient.
De cette énergie est restée une ironie distanciée. Un dandysme narquois qui, chemin faisant a su judicieusement
préférer l’anachronisme au pastiche. Le virage est palpable
sur le single Où vont les cons ? (2009) où les textes parlés
croisent esprit taquin, clavier et chœurs chaleureux en
anglais. Une réussite. Les BM s’affranchissaient alors des références pour en devenir une. Remplaçant au pied levé, et en
plein derby breton, feu les Nantais The Little Rabbits, ex-champions du genre.
2014. Libérés de leurs obligations avec Wampas, les Bikini font
leur come-back, sans avoir jamais disparus. Redirection la
lumière. Avec un album qui, selon Pat Sourimant (basse, chant,
batterie) et Sam Michel (platines, machines, claviers), “marque
un tournant dans [leur] discographie”. Pour cause : “Des
textes plus sombres qui touchent à l’intimité, aux doutes”,
sans jamais se départir de récréations. Notamment parce la
“danse n’est jamais loin”, tapie dans quelques morceaux. Avec
cette même envie de taper du pied ou twister du bassin.
Cette renaissance sait aussi aller à l’essentiel, un peu à la
manière du graphiste américain Saul Bass, “première inspiration de cette nouvelle pochette” et avec qui un rien peut
rapidement faire un tout. Sauf qu’ici, “c’est notre chanteur
(Fred Gransard) qui a dessiné.” Couleurs douces et passées,
personnage énigmatique qui autorise toutes les projections…
Les photos pop sont elles aussi bazardées pour se réinventer
15 LONGUEUR D’ONDES N°73
à base de symboles. À l’image de leurs éternels costards-cravates noirs portés sur scène.
Si, en tout cas, la première écoute nécessite de déprogrammer
ses réflexes (combien d’homologues du genre ?), la recette
fonctionne dès passée la seconde. Sentez-vous cette démangeaison dans les pieds ? Cette envie de microsillons qui
chatouille l’oreille ? N’en jetez plus ! Et c’est sans doute ce qui
a aussi convaincu Ford d’utiliser le single Stop all jerk pour sa
dernière publicité. Le fun y est palpable. Une formidable
opportunité pour le groupe qui voit là un vecteur pour “toucher un peu plus de gens”. Eux-mêmes y découvrant
régulièrement de nouveaux confrères. Touchés, à leur tour,
d’être désormais “l’arroseur arrosé”.
Rennes est décidément en proie à une éternelle actualité
artistique. Prenez pour exemple les festivals, entre le best-of
de l’émergence locale du côté de I’m From Rennes, fin septembre, et, trois mois plus tard, les Trans Musicales. “Une fierté”
pour les Bikini, intarissables sur la vitalité de leur scène : “Il
y a une bonne dynamique avec The Decline !, Sapin, Dragster,
Les Spadassins, Sudden Death of Star, The Madcaps, The 1969
Club, Success, l’indétrônable Dominic Sonic (le Dorian Gray
rennais) ou encore Soul !, le groupe de notre nouveau batteur
Romain Baousson…” De quoi assumer un statut de grands
frères ? “Plutôt une motivation” en guise de guitare de Damoclès et “l’occasion de ne plus associer Rennes aux seuls
Marquis de Sade et Niagara.” Pourtant, si la ville est dans leur
cœur, leur musique reste apatride par ses métissages, lavée
de toute identité de territoire. Un constat acquiescé : “C’est
vrai que l’on peut s’y perdre. Nous, ce qui nous plaît, c’est de
faire ce que l’on veut.” Un choix loin d’être incohérent si l’on
prend en compte leurs racines rock, “un style dont on ne
connaît pas le père (il y en a plusieurs). Ni même ce qu’il est
(en raison des multiples sous-genres).” Pointant l’erreur de
puristes qui oublient que le genre est “par définition amené
à évoluer”. But avoué : “Faire en sorte que cette musique reste
une belle demoiselle curieuse et non un vieux zombie.” Que
les Bikini, troquant Vespa contre grosse cylindrée, ont su
i
embarquer.
“Bang on time !”
Yotanka
Il faudra s’y habituer. Les BK
font désormais dans le rock
de début de soirée, à écouter entre deux vinyles de
surf music et guitares UK.
Et pour cause : Stop all
Jerk, Sulky Lisa, The shade
of my soul, Everybody’s in
the know et Watch me going
by s’écoutent face au soleil,
avec les lunettes de rigueur
et le déhanché nonchalant.
Gagnant en profondeur
grâce à l’apport de chœurs.
Mais surtout, les Bikini sonnent enfin comme un
groupe, et non plus comme
une imaginaire bande originale. Ne vous reste plus
alors qu’à prendre la pause
pour faire le plein de cool…
Si si. Groovy, baby !
entrevues
Cabadzi
sacré numéro
Venu des arts de la rue et du hip-hop, l’ovni nantais affermit un peu plus
sa maîtrise sur un univers unique en son genre, avec un deuxième album
littéralement plein de surprises. b ROMAIN GOULOUMÈS | a MARYLÈNE EYTIER, CLÉMENT HALBORN
F
aites plaisir à Cabadzi : ne leur parlez pas de cirque. La
phobie du clown ou de la femme à barbe n’ont rien à voir
là-dedans. Le trio, né d’un croisement entre les arts de la
rue et le cirque contemporain, assume aussi bien l’héritage
de la troupe que son goût du spectacle. Lulu, aux textes,
évite pourtant le sujet d’une pirouette : “Si nous n’aimons pas que
l’on nous en parle, c’est que l’on trouve le sujet mal traité par la
sphère journalistique. Pour les médias, le cirque c’est la piste aux
étoiles, les paillettes… Alors que la France est le pays au monde
qui invente le plus dans le cirque contemporain. Son influence
s’étend jusque dans le cinéma ou l’esthétique de certains clips.”
Bref, Cabadzi préfère se taire “parce qu’on ne réussit pas à se faire
comprendre à chaque fois.”
Le nom du groupe, “qui ne veut rien dire, mais sonne bien”, de son
propre aveu, est hérité d’une compagnie fondée en 2003 par le
chanteur. Un projet de bande originale qui tombe à l’eau, un mem-
16 LONGUEUR D’ONDES N°73
bre qui se fait la malle et, de troupe, Cabadzi devient groupe. Avec
un ajout de taille à la musique et au beatbox, le hip-hop.
Le mélange étonne ? Il détonne surtout. Ce n’est pas un hasard si
la curieuse équipe s’est fait un nom sur scène avant de séduire les
disquaires. “Nous venons de là. Nous avons aussi beaucoup tourné
dès le début. Nous sommes également les propres producteurs de
nos live. Cela veut dire que nous jouons où l’on veut. Et nous avons
besoin de jouer beaucoup !” Jo, le multi-instrumentiste de la
bande, rebondit : “Quand nous parlons de concert, nous avons
envie que ce soit un spectacle.”
Chantant en français, Cabadzi a naturellement la tête dans ses
textes ; des mots dont parfois la portée a pu le dépasser. À sa sortie
en 2012, dans la dernière ligne droite de l’élection présidentielle,
Digère et recrache fait les choux gras de l’extrême gauche. Lulu
tombe de haut. Le public passe à côté du message. Pire, il lui en
attribue un autre. “J’ai pas mal souffert de l’incompréhension autour du premier album. Pour certains, il était ultra gauchiste. Je ne suis pas d’accord. Et
puis, on a beau avoir des opinions politiques, je n’avais pas envie d’être résumé
à ça. Surtout que le milieu de la musique engagée ne nous parle pas. Nous
avons juste envie d’un réalisme autant musical que textuel.”
Machine arrière toute. Oubliée la politique, exit la polémique. Les paroles imprimées à la surface du disque visent désormais le cœur : “Au fur et à mesure
des morceaux, on comprend que l’on suit le parcours d’un homme. Tout le fond
de l’album est de mettre en texte des choses que l’on n’ose pas dire.” Amitiés
et amours frustrées, le propos de Des angles et des épines paraîtra à certains
violent, voire douloureux. Mais le groupe, malgré le départ de Camille, au violoncelle, va bien, merci pour lui. “Nous sommes tous les trois des mélancoliques. La beauté, on va la trouver dans la noirceur et pas forcément dans la
fête à la Patrick Sébastien, c’est tout.” En témoignent les influences et l’isolement, voulu, du trio. De Tom Waits aux Black Keys, en passant par Jay-Z, Cabadzi
cultive dans son coin son potager d’influences. Seulement, à l’écoute, il n’en
reste pour ainsi dire rien. Les inspirations extérieures glissent sur leur peau
comme un vieux diamant sur un vinyle, sans trouver prise : “On pourra toujours
se dire que The Black Keys c’est mortel, et essayer de faire pareil, le son qui
sortira ne sera jamais le même. Ce sera toujours du Cabadzi.” La satisfaction
de l’équipe à retravailler ses morceaux, parfois au point de les détourner de
leur intention initiale, n’y est certainement pas étrangère.
Pluri-influencé mais indépendant, artiste autant qu’artisan, tout chez Cabadzi
a le goût du fait maison, des clips bouclés avec des queues de cerise et des
coffrets CD finition main. Sur les quatre nouveaux clips, trois ont été réalisés
par Lulu. Six autres devraient suivre. À l’ère du DIY, ces musiciens de la Loire
ont appris à soigner la forme. “Y’en a marre des digipacks où il n’y a plus rien
dedans. Le monde de la musique a allégé le support pour qu’il coûte moins
cher. Nous voulions aller à l’inverse et tout sortir en coffret avec des tonnes
de bonus. Nous ne venons pas du monde de la musique mais nous avons compris petit à petit, en nous écoutant nous-mêmes, que les groupes que nous aimions le plus étaient ceux qui soignaient tout l’environnement autour de leur
musique.” Ce que l’on appelle, plus communément, des artistes complets. i
“Des angles et des épines” Autoproduit
Ceci n’est pas un album, c’est un roman. Dix pistes-chapitres où
s’inscrivent les turpitudes d’un pauvre hère, passé par toutes les
épreuves que peut réserver la vie. Petites déceptions du quotidien, vraies désillusions, en passant par la case prison, Cabadzi
n’est jamais aussi juste que quand il rappe le malheur. Portés par
l’amour du groupe pour les cordes et les cuivres, les morceaux de
vie que sont Cent fois, Féroces intimes et Mon ami, restent en
tête des heures durant. Tout comme le timbre enragé du chanteur et la maîtrise du beatboxer, discret mais toujours présent.
Un retour féroce.
17 LONGUEUR D’ONDES N°73
Chapelier Fou
la vie de groupe
S’il règne toujours sur son cabinet de
curiosités avec son violon, Chapelier Fou
a, cette fois-ci, cassé ses propres règles.
Il y a peut-être des boucles qui tournent
dans son électro, mais bientôt il y aura
aussi un groupe avec lui. Mise au point…
b BASTIEN BRUN | a ROMAIN GAMBA
Q
uand on l’a eu ce matin-là au téléphone, il était en train de pester
contre ses machines : un ordinateur
qui faisait des siennes, un son qui
allait de travers, et voilà notre
homme qui jurait que non, ça ne pouvait pas se
passer comme ça. Il faut dire, à sa décharge,
“Deltas” Ici d’Ailleurs
que pour Chapelier Fou, ce genre de couacs a
de quoi transformer un beau matin de septembre en fichu tonnerre de Metz : travaillant seul dans son studio, avec ses
instruments, ses synthétiseurs et, donc, son ordinateur, le Messin a créé
un univers à partir de boucles de sons électroniques et de violons oniriques. Homme-orchestre au centre d’un étrange cabinet de curiosités,
il a développé une “musique classique électronique” (cf. LO n°63 , avril
2012) qui va chercher du côté de l’électronica et de la musique instrumentale.
Comme Yann Tiersen, auquel il a souvent été comparé à ses débuts, Louis
Warynski - son vrai nom - travaille à partir de boucles de violons. Mais
quand l’un a souvent passé sous silence sa passion pourtant bien réelle
pour l’électronique, l’autre en a fait dès ses débuts une marque de
fabrique. Révélé en 2008, l’étrange personnage qui a emprunté son nom
à Alice au pays des merveilles était vu comme “mystérieux” avant de
devenir l’un des musiciens français qui s’exporte bien à l’étranger. À
croire, vu les voyages de ce garçon et de quelques autres (Tiersen toujours, Pascal Comelade…), que la musique instrumentale française fait
des prophètes hors frontières.
TOUT POUR LA MUSIQUE
S’il confie sans rire qu’il “donnerait tout pour sa musique”, Louis
confesse volontiers son blues face une vie “très autocentrée”. Imaginé
comme une thérapie dans “un moment morose” de sa vie perso, Deltas
se veut être, au contraire, un troisième disque léger, celui de la “prise
de liberté” par rapport aux règles établies jusque-là. “J’ai passé tout ce
temps à construire des règles pour pouvoir jouer ma musique seul en
live, mais cette fois, j’ai voulu les éclater, ne pas me soucier du nombre
18 LONGUEUR D’ONDES N°73
entrevues
d’instruments que je mettais.” Il en ressort un
album protéiforme qui saute en dix morceaux de
Polish lullabies mélancoliques à un Ticking time
très badin, d’une ambiance sautillante (i_o) à une
atmosphère inquiétante évoquant les films d’Hitchcock (Carlotta Valdes).
Largement influencé par le label électro Warp à la
fin des années 90, Chapelier Fou joue désormais
plus de musique qu’il n’en écoute. Dans ses oreilles
en ce moment ? “Plus trop de nouveauté”, mais de
vieux Aphex Twin, les Talking Heads, John Cage…
Intarissable sur la musique contemporaine, il cite
aujourd’hui plus volontiers en exemple le “piano
préparé” de ce même John Cage ou de la “synthèse granulaire” de l’architecte-compositeur
Iannis Xenakis, que le DJ Amon Tobin.
PLUS DE CHOSES À VOIR
Pour explorer ces nouvelles directions sur scène,
Chapelier Fou a formé un groupe. Alors que jusqu’à
présent il était le démiurge de son pays merveilleux, trois compères l’accompagneront désormais
au violoncelle, à l’alto et à la clarinette. Toujours
au violon et aux synthés, Louis sera l’organisateur
de ce monde singulier. “Ce sera plus orchestré et
visuellement, il y aura plus de chose à voir”,
assure-t-il, tout en précisant qu’il n’y aura pas de
vidéos (cf. ci-contre). Ce qui tombe plutôt bien car,
ici, la musique permet de se faire son film.
i
La révolution ne sera pas vidéo
L’univers cinématographique de Chapelier Fou pourrait tout
à fait se prêter à des projections vidéo, mais le garçon a
préféré laisser la scène aux musiciens. Explications à deux
niveaux : “Faire de la vidéo, pourquoi pas ? Mais il faut qu’elle
ait une réelle pertinence et pour moi, les créations vidéo
sont très souvent superflues. Et puis, plus prosaïquement,
on est quatre sur scène et l’industrie du concert étant ce
qu’elle est, on n’a pas les moyens d’engager une personne
en plus. C’est atroce de raisonner en ces termes-là, mais
c’est la réalité : quatre musiciens sur scène, cela fait quatre
personnes à payer.”
19 LONGUEUR D’ONDES N°73
entrevues
Dimoné
le démon du Midi
Poussé par l’instinct, il compose et écrit depuis
maintenant douze ans et c’est en homme libre
qui trace sa route qu’on le retrouve pour son
quatrième album. En équilibriste des mots,
Dimoné irradie au travers du vent et de la
poésie, sans sourciller. b | a KAMIKAL
P
ère spirituel de la scène montpelliéraine, c’est tout naturellement
qu’on le retrouve dans sa ville
natale, sous un ciel moite et gris. La
rencontre a lieu Place Auguste
Gibert dans un café de l’enceinte de la gare,
la moustache frétillante et la chemise noire.
Quand il parle, on dirait qu’il chante, il est intriguant. Sur les quais, les trains vont et viennent.
Joyeux comme un enfant prêt à en découdre,
l’homme n’est pourtant pas pressé. Cinq ans se sont
écoulés ans depuis Madame Blanche, une durée de composition qui semble nécessaire entre chaque sortie. “C’est un
tempo qui s’est révélé à moi. Il y a quelque chose de cyclique,
c’est comme une vague, la septième ou la troisième, la quinte…
Je me sens comme un champ en jachère à chaque fois ; quand je
repars, la terre est appauvrie, et hop, il me faut de nouveau cinq
ans pour l’enrichir en azote. Je suis vraiment soumis à ça, et de
temps en temps, quand je lève la tête je me dis : tiens, cinq ans.”
Une durée essentielle pour construire des paysages poétiques
avec des chansons qui font voyager bien au-delà des espérances.
Elles émeuvent et bousculent, pas moyen de s’en défaire. Quand
on le questionne sur sa façon de composer, il répond sans
tabou : “Les chansons mettent beaucoup de temps à arriver.
Parfois, elles m’ont été demandé par les ZAT (Zone Artistique
Temporaire) de Montpellier, ça m’a mis dans l’obligation de
correspondre à une date et faire exister la chanson de façon
originale et singulière. Les autres sont nées en travers. Des
choses que j’écris sur mon smartphone à la suite et puis je
fais le tri. J’essaie de leur trouver un costume avec la
entrevues
musique. C’est de la glaise.” Dimoné est un épicurien qui aime prendre le
temps. “Ça m’intéresse d’être oisif, de parler des saisons, d’aller glandouiller à la mer, d’aller chercher des champignons, ça m’intéresse les cailloux,
c’est important. J’ai besoin de ne pas être concentré pour que les chansons
deviennent essentielles. Il ne faut pas que je m’impose des choses, je n’y
arrive pas sinon, c’est de l’instinct instant.”
Quelque part entre Nevché et Daniel Darc, le Montpelliérain s’est fait une
place dans le sillon de la scène musicale française, au gré des routes et
des chemins, atteignant ainsi une certaine notoriété. De sa voix grave et
chantante,il explore les sentiers battus et aime être là où on ne l’attend
pas. Un peu joueur, un peu fou. On lui demande s’il est stressé à l’orée de
la sortie officielle de Bien hommé, mal femmé : “Je suis toujours excité
comme un bébé, comment ça va être perçu, cette idée de vouloir faire prendre l’air aux chansons. C’est toujours un moment unique, une invitation.
J’ai l’impression de recevoir à la maison. Je suis le premier à le trouver
bien cet album, c’est presque comme un enfant prisonnier. Je m’excuse de
l’aimer, je l’aime.” Nul doute, Dimoné peut-être confiant car le disque bercé
par le vent, tour à tour inspirant, en mouvement perpétuel distille au fil des
titres quelques belles embuscades métaphoriques. On sourit, on s’émeut,
on s’emporte, on s’interroge sur des mélodies portées par la lumière. La
voix grave, le verbe affûté, il rejette la mélancolie : “Je suis à un âge où je
ne me complet pas dans cette mélancolie, même si c’est ma compagne.
Pour avancer, pour vivre, j’évite de m’extraire de tous les moments de tristesse. Nous sommes tous des anges noirs donc, quand tu fais une action,
un acte de chanson créatif qui va célébrer quelque chose de vivant, tu es
obligé d’aller fouiller en toi pour balancer le chaud, le froid, voir ce qui t’attriste et ce qui te propulse. Il faut qu’il y ait des rêveries et beaucoup
d’images, l’idée que ce ne soit pas frontal, c’est ça que j’aime. J’aime être
perdu, cela m’amuse d’être sinueux même si on ne me comprend pas toujours.” Dominique Terrieu de son vrai nom, voudrait-il brouiller les pistes ?
On l’interroge sur la photographie originale de la pochette : une barbe
d’abeilles. “L’image me donne des béquilles, des compléments. J’avais cette
image “Bien hommé, mal femmé”, faire des barbarismes, un vrai détournement du genre, on s’accapare ce mot “homme” et “femme”. La moustache,
c’est un attribut masculin, pour moi ça ressemble à un accent circonflexe
et j’ai l’impression que je veux affirmer quelque chose de garçon, je vais
me dessiner bonhomme, je vais m’inventer cet être infréquentable Dimoné
(“démon” en catalan, ndlr) qui aura plus de droit et d’audace que moi. C’est
un homme qui va traiter de la femme. Ce sont les abeilles qui te donnent
les attributs féminins ; dans l’allégorie des abeilles, ce sont les femmes qui
« Ça m’intéresse d’être oisif,
de parler des saisons, d’aller
glandouiller à la mer, d’aller
chercher des champignons… »
te donnent l’attribut masculin.” De quoi lever l’ambiguïté sur une potentielle
vision machiste à la lecture de “mal femmé” ; dans ces textes, Dimoné travaille souvent à la célébration de la femme.
Sélectif et exigeant, il a besoin de travailler avec des gens de caractère, il
considère que c’est essentiel pour avancer et tient à remercier Jean-Christophe Sirven son acolyte de scène et Jean Lamoot au mixage qui ont su
magnifier ses chansons. “Il faut s’oublier dans quelqu’un et accueillir une
espèce d’humanité pour que se soit tolérable, admet-il. Sans l’amour, le
i
reste ne vaut rien.” Tout est dit, tout est là.
“bien hommé, mal femmé” Ulysse Productions
Encore une année passée à soigner ses rêves, voilà le programme. Guidé par une soif
d’écriture et de composition, Dimoné, le diable à moustache, subtil joueur de mots,
transpose un album en mouvement, libre comme l’air, avec comme fil conducteur, le
vent. À la fois porteur de message et revendicateur, il livre une pop charnelle et
exigeante, où les accords de guitares et de banjo se mêlent avec équilibre aux métaphores poétiques du doux rêveur. De quoi insuffler un peu d’humanité en ces temps
délicats et rappeler que l’homme à moustache ou à barbe, a bien sa place.
21 LONGUEUR D’ONDES N°73
EN COUV
Après avoir enchanté nos matinées sur France Inter cet été, il s’apprête à sortir
un album surprise Paris tristesse en novembre et à devenir, en janvier, le nouveau
coach de La Voix, l’adaptation québécoise de The Voice. Après douze ans de
carrière, Pierre Lapointe est l’un des créateurs les plus originaux de la pop
mondiale. Retour sur son quatrième album, le remarquable Punkt, sept fois
nommé au Gala de l’ADISQ et biberonné à l’art contemporain.
b SYLVAIN DÉPÉE | a MICHEL PINAULT | . DOMINIQUE PÉTRIN
A
u départ de Punkt, il y a une réflexion sur la notion
de “culture pop”. J’ai toujours été fasciné par le fait que
ce qui était avant-garde est maintenant totalement assimilé par
la culture pop. Comme les compositions d’Erik Satie ou les peintures des impressionnistes. À l’époque, elles avaient suscité
d’énormes scandales et maintenant, on les retrouve bien accrochées
dans les salles de bain de pavillon de banlieue - enfin, c’est comme ça
au Québec. Quand je vois ça, je me dis que les gens
n’ont pas conscience de l’impact que ça a eu à
l’époque, que c’est devenu convenu, voire beauf.
Je me souviens d’une publicité dans les années 90
pour des serviettes hygiéniques qui utilisait les
Gymnopédies d’Erik Satie. La culture de masse a
d’abord peur de l’avant-garde, avant de la récupérer et de la digérer. Ce qui fait que les grands
créateurs finissent par être des voyageurs du
temps. À partir du moment où je me suis aperçu,
assez jeune, de ce phénomène, je me suis intéressé aux artistes contemporains. J’ai commencé
par m’intéresser au travail de Jeff Koons et de Takashi
Murakami, plus punchy, plus radical que le mouvement pop
en Angleterre. En côtoyant les créateurs d’aujourd’hui, en danse, en théâtre, en arts visuels, je suis en fait en avance de dix ou quinze ans. Ils
préfigurent ce que pourrait être la culture pop de demain. Si bien qu’à
un moment, je me suis demandé comment je pourrais intégrer à une
écriture de chanson, somme toute assez classique, des éléments très
pop et très distrayants pour parler au plus grand nombre possible, c’està-dire pour détourner un peu l’attention du propos, plus intime, plus
sombre. En plus de l’art contemporain, je me suis beaucoup intéressé,
plus jeune, à la publicité et à la communication. C’est ainsi que sur scène,
j’ai pensé ma façon de me tenir, aux angles de ma posture. J’ai longtemps
fermé sciemment mon corps quand j’entrais sur scène, pour créer une
tension, une angoisse, puis j’ouvrais au fur et à mesure du spectacle ma
silhouette pour créer par contraste, une sensation de confiance. Ce sont
des éléments de scénographie que j’ai empruntés à Bob Wilson. Si je fais
des spectacles, c’est pour aller chercher les gens, pour leur donner envie
de s’ouvrir et ainsi pour pouvoir leur rentrer dedans, leur donner un coup
de poing en plein cœur. Quand tu es ouvert, y compris physiquement, tu
es plus disposé à être ému.
Après plusieurs écoutes de Punkt,
on a l’impression que tu as écrit ton
Amoureuse (album majeur de Véronique
Sanson) et que les références à la
culture pop agissent comme des
diversions.
Oui, totalement. C’est un album très amoureux.
J’ai toujours parlé d’amour, mais c’était de
manière assez vaporeuse. Même si je m’adresse
plus directement aux spectateurs, je ne parle pas
tout le temps de moi, au contraire. J’ai beaucoup
observé les histoires d’amour autour de moi, j’utilise plus le
pronom “je” et les images sont beaucoup plus concrètes - sauf peut-être
dans Les ministères, chanson co-écrite avec Gérald Kurdian . C’est
volontaire. J’ai commencé par écrire des chansons abstraites avec des
images vaporeuses en me disant que les gens allaient se les approprier.
Je voulais qu’elles touchent les gens et je ne devais faire qu’une seule
chose : travailler pour que ça marche. Je m’étais alors dit que le jour où
je saurais jouer avec l’émotion, où je la maitriserais, je pourrais alors
commencer à jouer avec les mots, je pourrais passer à des choses plus
concrètes. Pouvoir tuer les gens à coups d’émotion et de mots, ça allait
être merveilleux !
« Les Barbapapa : ça reste
une référence
design. »
22 LONGUEUR D’ONDES N°73
EN COUV
Pourtant, malgré ces diversions pop, Punkt est très
mélancolique.
Il est infiniment triste et mélancolique, mais personne ne s’en rend
compte. L’habillage graphique, les arrangements, la tonalité… ce n’est
qu’une série de contrastes. On a l’impression qu’il est très coloré, mais
il est noir. Même médiatiquement, j’ai joué sur le contraste. J’ai changé
entièrement ma garde-robe. Jusqu’à Punkt, je ne portais que du noir. Là, je
me suis mis à mettre des couleurs et des motifs, et d’y aller de façon très
agressive. Tout le monde s’est alors mis à me dire : “T’es plus lumineux, tu
as l’air mieux dans ta peau”. Ça correspond peut-être à mon début de
trentaine, mais je sais aussi que c’est un effet d’image, de couleurs et
sûrement de jeu aussi. Les spectateurs qui m’ont vu sur scène, savent
que j’aime jouer, avec eux notamment. Mais, ce n’était pas ce que j’essayais de projeter - avant Punkt, je travaillais sur d’autres codes. Là,
j’ai complètement ouvert le jeu et les gens ont commencé à plus voir
mon côté joueur que mon côté sombre.
Certains prenaient au premier degré le personnage que
tu incarnais sur scène ?
Oui, exactement. Là, ils ont fini par comprendre. On les a un peu aidés
aussi avec les vidéoclips : celui de L’étrange route des amoureux,
qui est outrageusement pop, ou celui de La sexualité, réalisé par
Jérémie Saindon , avec son esthétique “pop bonbon”, sa naïveté
et ses pastels, qui se télescopent avec les vêtements minimalistes
et androgynes de Rad Hourani , dont on ne sait s’ils sont rétro ou
futuristes. Tout ça est très construit pour obtenir au final, des esthétiques singulières. Après deux ans de tournée avec Piano solo, j’ai
voulu faire le bilan : celui de plus de dix ans de carrière et celui
des chansons que j’avais écrites depuis Les sentiments humains
(2009). Je pensais n’en avoir qu’une dizaine ; j’en avais plus de
trente. Quand je me suis aperçu de l’éclectisme des compo- e
23 LONGUEUR D’ONDES N°73
EN COUV
sitions, je me suis dit qu’il fallait le pousser au maximum, musicalement puis visuellement. Je me suis
entouré d’une petite équipe de créatifs, des publicitaires,
des artistes contemporains, des scénographes, du musicien Philippe Brault qui a co-réalisé l’album. On a commencé
par une séance photo en noir et blanc, avec un piano d’où
sortaient des intestins. C’était très drôle et très
beau ; mais ça ne convenait pas. Ça m’a aidé
à comprendre qu’il fallait que je choisisse
un autre chemin, celui de la couleur.
À ce moment-là, je mettais la dernière
main aux chansons et je commençais
à réfléchir aux arrangements. Le chemin dans lequel je m’engageais
n’était pas encore très clair. J’ai
hésité à faire un double album, un
blanc et un coloré. C’est toujours
très empirique, très artisanal. Je travaille un peu comme un bijoutier
qui ramasserait des matières différentes, les combinerait et les
laisserait s’exprimer.
Quitte à ce qu’il y ait friction
entre des matières très différentes… C’est ce qui m’intéresse le plus.
Après tout, si on regarde les choses en face,
il n’y a rien de nouveau dans mes chansons :
ce sont des piano-voix assez classiques.
Peut-être y a-t-il une approche contemporaine de l’écriture et des mots, à la limite…
Sans aucun doute ! A fortiori sur
Punkt. Et puis, il y a aussi une
façon
très
particulière
de
construire les chansons… Une liberté,
oui. Mais, les Beatles le faisaient déjà en 1967 !
Sauf que contrairement à de nombreux
chanteurs, qui ont l’obsession de l’innovation ou du concept - ce qui peut être
assez tétanisant -, tu t’autorises à
reprendre des méthodes originales
de travail, à te les réapproprier.
Totalement. Ce qui est nouveau sur Punkt, c’est
ma démarche, finalement assez post-moderne,
même si le postmodernisme n’est déjà plus si neuf
que ça. Je prends des éléments dans la danse, les
arts visuels, la musique. Je les associe. Parfois, ça
fait une friction très désagréable. Et puis, avec le
temps, la réflexion, les collaborations, ça prend forme.
Je n’en suis pas responsable ; c’est la dynamique du
travail en équipe. À force de laisser reposer les
choses et de faire des allers-retours avec d’autres
24 LONGUEUR D’ONDES N°73
disciplines, on obtient une soupe qui goûte bon, mais qui
aurait très bien pu goûter très mauvais.
Et qui garde toute son étrangeté…
C’est la force de la bonne pop. Quand on écoute attentivement
Single lady de Beyoncé, ça fait peur. La boucle électro en arrièreplan, c’est barré ! C’est de la musique expérimentale, de
la musique d’extraterrestre. Tu fais écouter cette
chanson en 1967 : personne ne peut conclure
que c’est de la pop. Et pourtant, ça marche
parce qu’il y a cette boucle aguicheuse et ce
clip avec un plagiat d’une chorégraphie de
Bob Fosse. La force de la culture pop, c’est
de réussir à amalgamer des choses
étranges à des choses rassurantes. Quand
je fais gonfler mille petits singes en baudruche pour le concert des Francos de
Montréal, c’est bizarre. Et ce n’est pas innocent. Ce singe-là figure dans l’œuvre de
Jeff Koons. C’en est une des icônes. Je sais
que dans dix / quinze ans, en revoyant les
images du concert, les gens relèveront le
clin d’œil à l’œuvre de Koons. C’est une
façon détournée de partager avec les spectateurs ce qui fait mon quotidien. Je voyage, je
vais voir des expositions, j’achète des œuvres
d’art contemporain. Quand un artiste m’intéresse, je
vois tout ce qu’il a fait, lit tout ce qu’il a produit. S’il faut
aller au Japon pour voir une expo, j’y vais. Je suis
conscient d’être privilégié. Mais j’ai besoin d’ingérer
ces influences pour me renouveler et les réinjecter
dans la culture de masse, gentiment.
Gentiment ? Ça dérange aussi parfois.
Oui, c’est toujours sulfureux. Et ça me plait beaucoup. Le clip de La sexualité est ainsi très trouble :
je finis tout de même par embrasser une peluche géante
mauve. J’avais indiqué à Benjamin Larose , son créateur, que je voulais une version spirituelle de Grosse
Douceur, le personnage de McDo. Pareil pour la plasticienne Dominique Pétrin à qui j’ai confié l’univers du
clip de Nos joies répétitives. Quand on pénètre dans une de
ses installations, on est hypnotisé tellement on a envie
d’avaler toutes les couleurs et en même temps, on a mal au
cœur. C’était le contrepoint parfait à ce piano-voix mélancolique. Je ne fais que jouer sur cette friction, sur cette
ambivalence. Pour Les enfants du Diable, hommage assez
explicite à Genet et à Cocteau, on n’a tout de même puisé
dans les arrangements des films de Disney des années 50…
Quitte à frôler parfois le kitsch ?
Carrément ! Le kitsch est pour moi un univers sans fin. Et éminemment populaire. Tous les contes de fée sont kitsch. Madonna
l’est, Elvis Presley l’était. Claude François était hyper-kitsch.
EN COUV
Le kitsch, c’est le trop-plein. Et le trop-plein attire. Dans la vie de tous les jours, l’être humain a tendance à baisser son trop-plein pour être socialement acceptable. Les artistes - et c’est ce que je
préfère chez eux - extériorisent ce trop-plein. Quand on pense à Diane Dufresne dans les années
80, elle portait des costumes improbables, voire carrément dégueulasses ! Mais, ça faisait du bien
de la voir. On a envie d’être elle. On a envie d’avoir des plumes partout, du gloss sur les lèvres et
une robe en ballons. La scène permet cela, elle nous en donne le droit, voire le devoir. La scène, ça
ne peut pas être le quotidien. On a le droit de jouer sur les limites du bon et du mauvais goût.
Qu’est-ce qui permet alors de juger du bon goût ?
Sans doute l’étrangeté, l’impact ou la réflexion qui a précédé un geste artistique. Par exemple, N20,
l’ouverture de Punkt, est un clin d’œil délibéré à la série télévisée Sesame Street, qui a marqué l’enfance de tout le monde au Québec. Aucune référence à la mélodie. En revanche, on s’est inspiré des
arrangements. Mais, à tout bien réfléchir, quand on voit Cookie Monster ou Big Bird, c’est bizarre !
Les proportions sont étranges. Mettez un enfant à côté de Big Bird et on ressent un sentiment entre
la fascination et la peur. Ces yeux en forme de balles, ce sourire comme une entaille, cette langue
triangulaire… Avant, ça n’existait pas. Les marionnettistes ont créé une esthétique à part entière,
avec des codes nouveaux. Pareil pour la série des années 2000, Yo Gabba Gabba. Avec ses personnages colorés qui t’apprennent à faire du beatbox ou ses vidéos hyper-virales comme Party in my
tummy, elle a créé quelque chose de nouveau. Ce sont pour moi, aussi des avant-gardes dont on
peut s’inspirer.
Pourtant, à part Philippe Katerine, les chanteurs français ne puisent pas aussi
directement dans cette culture pop. À croire que ça n’est pas assez sérieux
pour eux…
Alors que ça l’est extrêmement ! Dès lors que ça marque les esprits, c’est sérieux. Et puis ces programmes, par exemple, ont été conçus par des gens sérieux. Ils sont sous-tendus par des concepts,
une ligne graphique… Prenons les Barbapapa : ça reste une référence design. Ikea, c’est une référence design depuis 80 ans. C’est facile d’être snob ; il n’empêche que la culture pop, c’est du design,
du concept, des idées diffusés dans la masse. Les chansons pour enfants d’Anne Sylvestre comptent
parmi les chansons les plus magistrales que j’ai entendues de ma vie. Pareil pour Gilles Vigneault.
Parce qu’elles arrivent à faire passer de l’intelligence en trouvant leur forme propre. Quand on s’ini
téresse à la communication, aux arts visuels, à la danse, on voit son snobisme mourir.
“Paris tristesse”
Belleville Music (sortie le 17 novembre)
Une proposition de Belleville Music, trois jours de septembre arrachés à un agenda chargé, un enregistrement
express au Studio BCE aux cotés de l’ingé-son David
Mestre et du réalisateur Jacques Ehrhart (Le sac des
filles de Camille, Chambre avec vue d’Henri Salvador),
choisis pour leur délicatesse, et une sortie dans les bacs
le 17 novembre. Paris tristesse, voilà le nouveau pari de
Pierre Lapointe. Une surprise. Une carte de visite pour
sillonner la France et l’Europe. Un contrepoint aussi à
Punkt. Plus intérieur et dépouillé, ce cinquième album
studio est une suite de sa chronique estivale sur France
Inter. “Les petites morts m’ont donné envie de chanter
les grands auteurs et de les enregistrer. Je l’ai rarement
fait, mais le moment est propice, je crois. Il y aura donc
des reprises, mais ce sera surtout l’occasion d’entendre
autrement mon propre répertoire. Toujours de façon
très simple, acoustique, au piano pour revenir à mes
premières amours.” Pierre Lapointe est accompagné
dans cette aventure, par le guitariste François Lasserre,
et épaulé par Gaël Rakotondrabé, pianiste d’Antony
Hegarty et CocoRosie. Le nom des invités relève
encore du mystère et des emplois du temps serrés. En
revanche, C’est extra de Léo Ferré, Comme ils disent de
Charles Aznavour et sans doute La Maison où j’ai grandi
de Françoise Hardy, devraient figurer sur Paris tristesse.
COLLABO-ART-EURS
Sous le nom de This is the Hello
Monster !, le Parisien Gérald
Kurdian s’était fait remarquer
en 2010 avec un album pop inclassable. En 2015, et sous son
propre patronyme, il sortira un
premier disque de chansons.
En attendant, il poursuit ses
recherches au travers de
concerts enrichis, La solidité
des choses, à la confluence
de la performance vidéo et
de la musique. À découvrir le
13 novembre au 104 (Paris 19e).
Née en 1976, Dominique Pétrin
est une artiste multidisciplinaire originaire de Montréal.
Autodidacte, elle s’intéresse
aux moyens d’altérer la perception et l’état de conscience,
en déjouant les processus cognitifs de la vision ou l’utilisation de l’hypnose pendant ses
performances. Elle a travaillé
notamment avec Sophie Calle.
Né dans la communauté francophone du Manitoba, diplômé
en Arts Créatifs au Collège
Dawson et en cinéma à l’Université Concordia de Montréal,
Jémérie Saindon s’est fait
remarquer par le parti-pris
graphiques et l’onirisme de ses
vidéos, qu’elles soient publicitaires ou artistiques. Il prépare
actuellement, avec l’écrivain
Duncan McDowall, un film sur
les pratiques chamaniques
en Amazonie.
À 30 ans, le Québécois
Benjamin Larose est l’un des
designers textiles les plus
prometteurs de sa génération.
Son travail à mi-chemin entre
la mode et l’architecture, à la
fois construit et extravagant,
lui a permis de décrocher une
bourse d’étude à l’école de
l’Art Institute de Chicago. Il y
étudie aux côtés de Nick Cave,
qui avait notamment travaillé
avec Björk sur l’identité
visuelle de Volta et Biophilia.
Rad Hourani est un styliste
jordanien. Passé par Montréal,
il s’installe à Paris en 2010, où
il fonde sa propre maison. Son
trait élégant et architecturé,
androgyne bien que tranchant,
lui vaut une invitation de la
Chambre Syndicale de la Haute
Couture. En janvier 2013,
il devient le premier créateur
de l’histoire à présenter une
collection totalement unisexe.
26 LONGUEUR D’ONDES N°73
coulisses
27 Le Pass des Trois Baudets • 29 Marc Pfeiffer
30 10 contre-vérités sur l’industrie musicale
UN TOUR DE
PASS-PASS…
C’est une offre défiant toute concurrence. Pour seulement
30 euros, Les Trois Baudets proposent un pass donnant
un accès illimité à 130 soirées, tout au long de l’année.
Comment s’en sortent-ils à ce prix ? b ROMAIN BLANC
L
’idée du pass, c’est de banaliser l’accès
au lieu”, explique Alice Vivier, co-directrice de la mythique salle parisienne.
“Que les gens se disent : “Tiens, j’ai mon
pass en poche, je suis de passage dans le
quartier, j’entre aux Trois Baudets sans
forcément savoir qui y joue”. Et qu’ils y
découvrent de jeunes artistes.”
Cette politique tarifaire détonnante
permet à la nouvelle équipe d’apposer
sa griffe. Début 2013, le projet monté
par Alice Poubelle, propriétaire du
théâtre La Loge, avec Olivier Poubelle, directeur d’Astérios Spectacles (et
propriétaire du Bataclan, la Flèche d’Or, La
Maroquinerie…), séduit la Ville de Paris. Par
délégation de service public, le duo prend la
gestion des Trois Baudets, propriété de la
municipalité depuis 2007.
Avec 500 000 euros de compensation annuelle, 3 Ânes Prod (la société formée par
Alice Vivier et Olivier Poubelle) peut se permettre une telle prise de risques. Selon la
cogérante, ça marche : “Au niveau de la
billetterie, le bilan est au-dessus de nos
attentes. Nous arrivons encore à vendre des
places à l’unité (10 euros). Et nous tournons
27 LONGUEUR D’ONDES N°73
à 65% de remplissage de la salle.” Pour
l’horizon 2015, la direction souhaite pérenniser l’économie globale du lieu en boostant
l’activité du restaurant, à l’étage.
Mais surtout, l’objectif de ce pass “all
access” consiste à “badger” le maximum de
professionnels de la musique. “Nous fidélisons les pros : ils n’ont plus besoin de se
prendre la tête à dégoter une invit’. Ils ont
leur pass, ils viennent”, souligne Alice Vivier.
Et pour cause, le précieux sésame est délivré gratuitement à tous les professionnels
qui en formulent la demande.
Près de 70 ans après la création de cette
pépinière de talents, la salle compte renouer
avec son concept initial : “Nous accueillons
trois groupes par soir avec trois niveaux de
professionnalisation différents : un premier
groupe qui n’est pas entouré professionnellement, un deuxième qui commence à l’être, un troisième
qui l’est davantage. Plus on
compte de professionnels
dans la salle, plus les artistes ont de chance
d’être repérés. C’est la mission que nous a
confié la Ville de Paris et que l’on tente
i
d’accomplir.”
28 LONGUEUR D’ONDES N°73
coulisses
portrait
MARC PFEIFFER
l’estivalier
Délégué-général de l’Estival de St-Germain-en-Laye et président de la
Fédération des Festivals de Chanson Francophone, Marc Pfeiffer fait partie
d’une génération née dans les années 50, capable d’entreprendre pour
défendre une certaine idée éthique de la culture.
b EMMANUEL DENISE | a MARYLÈNE EYTIER
A
la fin des années 70, ils
sont quelques dizaines de
jeunes de l’ouest parisien à
faire le constat de la pauvreté
de l’offre culturelle dans la
région. Mais à 20 ans à peine,
plutôt que de se plaindre, ils
décident de prendre les choses
en main en retapant eux-mêmes
une vieille péniche sur laquelle
il vont faire jouer des spectacles
et donner des concerts tous les
week-end. Sans le savoir, Marc
Pfeiffer et ses amis viennent de
poser la première pierre de ce
qui deviendra une quinzaine
d’années plus tard L’Estival de
Saint-Germain-en-Laye, un festival qui a vu passer sur ses
planches les plus grands noms de la chansons, mais qui garde toujours une partie de sa programmation consacrée aux découvertes.
Dès le début, bien que les membres de l’association qui gèrent la
péniche soient tous des enfants de Brassens, Brel et Ferré, la
volonté est à l’éclectisme dans les choix musicaux. Ce désir de
représenter toute la création musicale francophone quelle que soit
l’esthétique qui se cache derrière (rock, reggae, variété ou rap), se
retrouve aujourd’hui encore dans la programmation du festival qui
fait se côtoyer aussi bien Oxmo Puccino que Renan Luce, Maxime
le Forestier ou les Ogres de Barback : “Pour moi, la musique forme
une pyramide : au sommet, il y a la chanson, et à la base, il y a le
jazz, le rock, le reggae, etc. ; toutes ces formes musicales peuvent
être l’accompagnement. Une chanson, c’est une œuvre qui raconte
quelque chose et qui nous permet de rêver. Parfois, ce qu’elle nous
raconte nous permet de réfléchir, d’aller plus loin, ou nous permet
simplement d’avoir l’esprit qui s’envole.”
La carrière de ce journaliste économique et diplômé d’Histoire, a
été portée par la notion de transmission. Il est notamment le créateur des Salons de l’étudiant et d’émissions de télévision destinées
à aider les jeunes à trouver du travail. Aujourd’hui, en plus du festival, le combat de Marc Pfeiffer se poursuit avec la FFCF, qui réunit
29 LONGUEUR D’ONDES N°73
une trentaine de festivals très différents, qui ont en commun d’aimer la langue de Molière et d’œuvrer à la sauvegarde de son
patrimoine à travers la musique.
Et pour défendre la création francophone, Marc mise beaucoup sur
la jeunesse et l’éducation. Une grande partie de la programmation
de l’Estival est destinée aux enfants et aux scolaires. En 2014, ce
sont 7500 enfants qui vont assister aux concerts ou à des spectacles qui viennent directement chez eux, dans les écoles ou dans les
centres aérés : “C’est de l’éducation, c’est comme pour la piscine
ou pour les goûts culinaires. Les enfants qui ont eu une nounou africaine qui leur a fait des plats africains, souvent, ils sont plus ouvert
à certains goûts que les enfants qui n’ont mangé que saucissepurée. Un enfant qui sera venu pendant dix ans, tous les ans, aux
spectacles de l’Estiv’Enfant avec son école, aura envie par la suite
de retourner dans les salles de spectacles.”
Mais revenons aux années 70 : pendant qu’ils faisaient leurs
études, Marc et ses amis se sont occupés de la péniche avec l’association AREO. Puis, quand il est devenu difficile de mêler leur vie
professionnelle avec cette activité qui prenait beaucoup de temps,
ils ont sollicité la ville pour monter un festival. Mais il a fallu en
prouver la pertinence, sa viabilité économique et l’intérêt qu’il sus-
« Entreprendre,
ce n’est pas un gros mot,
c’est un joli mot. »
citerait, ce qui ne s’est pas fait en un jour. La première année, le
festival a fait un déficit de 450 000 francs. C’est à la cinquième édition seulement qu’il est devenu rentable et que les institutions ont
bien voulu mettre la main au porte-monnaie. En attendant, il a fallu
déployer beaucoup de passion, mais aussi faire preuve de réalisme, travailler dur, et inventer un système économique viable.
“Monter un festival, c’est vivre un rêve, c’est partager avec des
gens, mais c’est aussi entreprendre. J’aime bien ce mot “entreprendre”. Autant, je n’aime pas trop les grandes entreprises du
CAC 40, autant je pense qu’entreprendre, ce n’est pas un gros mot,
i
c’est un joli mot.”
30 LONGUEUR D’ONDES N°73
coulisses
10
enquête
contre-verites
sur l’industrie musicale
Préjugés, légendes urbaines, stéréotypes… Le milieu en regorge, lot classique des
domaines à fantasmes que sont les secteurs artistiques. Question de jalousie,
voire de mystères savamment entretenus. Sauf qu’à force d’assurance répétée,
les rumeurs prennent vie sans jamais être déminées. Décryptage. b SAMUEL DEGASNE
1 le piratage
a une incidence
sur les ventes
de disques
Il s’agit probablement du mythe le plus féroce, entretenu régulièrement par les majors ou les représentants d’ayant-droits.
Sauf que de nombreuses études (université Paris XI, UFC Que
Choisir, OCDE, ADAMI, Harvard Business School…), portant sur de
nombreux pays avec des typologies différentes (France, Canada,
Pays-Bas, États-Unis…), ont conclu sur un impact minime du partage de fichiers sur Internet.
Dernière en date : l’Union européenne, tout de même. Dans son
rapport diffusé l’année dernière, réalisé auprès de 16 000
consommateurs répartis dans cinq pays, l’étude montre que
“la plupart de ce qui a été consommé illégalement n’aurait
pas été acheté si le piratage n’avait pas été disponible.”
Plus intéressant, il en ressort que 80% de ces pirates utilisent
en parallèle une offre légale (streaming et / ou téléchargement
payants).
Que si la musique est le bien culturel le plus consommé sur Internet (43%), la consommation illicite concerne surtout les vidéos / films (24%) et les séries TV (26%), reléguant la musique
autour des 5%…
Encore mieux : “Les clics sur les sites légaux d’achat auraient
été plus faibles de 2% en l’absence de sites de piratage” ! Idem
pour les sites de streaming, pour lesquels le bénéfice est estimé
à 7%. Sans établir une cause à effet, le piratage est, en tout cas,
à enlever de la liste des principaux suspects. Une forme d’équilibre semble s’être organisée. Pourquoi n’en entendons jamais
parler ? Question de lobbies.
31 LONGUEUR D’ONDES N°73
2 en France,
les francophones
vendent moins
que les
anglophones
C’est faux. Les quatre albums les plus vendus en 2013 ont été, par
ordre décroissant : Racine carrée de Stromae (1,1 M€), Random Access
Memories de Daft Punk, Subliminal de Maître Gims (plus de 500 000
exemplaires chacun…) et La boîte à musique des Enfoirés.
Soit, un seul anglophone sur le podium, sachant en plus que 17 des
meilleures ventes de l’année étaient squattées par des albums
chantés en Français…
Le premier trimestre 2014 fut en quelque sorte une répétition avec
8 francophones parmi les 10 meilleures ventes : Stromae, Les Enfoirés,
Maître Gims, Indila, Florent Pagny, Fauve, Tal et Zaz. (Oui, ça pique !)
coulisses
enquête
3 le streaming
ne marche pas
Bien au contraire, même si ses chiffres sont davantage
“encourageants” et qu’ils ne constituent pas encore la
manne espérée. Le streaming est devenu, début 2014, le
premier usage en ligne avec une croissance de 40%.
Qu’il provienne de services financés par la publicité (+ 44%)
ou d’abonnements (+ 38%), le secteur représente 17% du
marché global, dépassant le chiffre d’affaires généré par le
téléchargement légal. Aujourd’hui, 2 millions de Français
sont abonnés à un service de téléchargement payant
et / ou de streaming. Un chiffre qui ne cesse d’augmenter
et pourrait même exploser si un travail suffisant est mené
autour des interconnexions (un seul compte en ligne, accessible depuis sa télévision, son smartphone, son ordinateur
personnel, sa voiture, son poste de travail, etc.).
7 disquaires et
sites web :
uniques canaux
pour la
distribution
massive
Hors initiatives du milieu indépendant ou
d’artistes en émergence, de “gros” artistes
internationaux ont choisi des modes de
distribution alternatifs. Partenariats juteux
et exclusifs pour les uns, possibilité
d’atteindre une cible de consommateurs
éloignée des réseaux traditionnels pour les
autres. Les dimensions politiques et mercantiles se chevauchent ainsi. Des exemples ?
Le disque de Paul McCartney vendu uniquement aux caisses des Starbucks, l’album
Still Kool de Kool & The Gang distribué
en France dans les paquets de lessive
Bonux, le Black ice d’AC/DC commercialisé
dans les seuls magasins Wal-Mart aux ÉtatsUnis, ou encore, dernièrement, U2 squattant
la bibliothèque audio de l’iPhone 6…
À ce titre, Prince est le grand champion :
nouvel album offert à l’achat d’un billet de
concert (Musicology, 2004), avec un hebdomadaire britannique (Planet Earth, 2007),
ou vendu dans une seule chaîne de magasins (Lotusflow3r, 2009).
32 LONGUEUR D’ONDES N°73
4 Hadopi
est en sommeil
Le bilan de 2012 était sans appel. Trois ans après sa création, la Haute Autorité
pour la diffusion des œuvres et la protection des droits sur Internet avait
repéré 1,1 million de fraudeurs (prévenus par un e-mail d’avertissement),
340 internautes avaient récidivé malgré les trois mises en garde et 14 dossiers
avaient été transmis à la justice. Septembre de la même année, un premier
internaute avait été condamné à 150 € d’amende pour avoir téléchargé un
album de musique.
Depuis, le rapport Lescure - sur l’exception culturelle française dans le
contexte numérique et remis en grande pompe au ministère de la Culture en
mai 2013 - a pris la poussière. Certes, peu de propositions y étaient révolutionnaires, mais la plupart ne seront a priori pas suivies d’effet. Or, si l’Hadopi
n’avait que pour mission la surveillance des échanges sur les réseaux, puis
une “réponse graduée” allant de la lettre recommandée à l’amende (cf. la loi
Création et Internet qui en a définit le statut), l’institution a choisi depuis, et
sur sa seule initiative, de lancer elle aussi un chantier autour des évolutions
du droit d’auteur.
Voilà donc un an qu’Hadopi planche sur la légalisation d’une certaine
forme de piratage : la “rémunération proportionnelle du partage”, soit
l’adoubement de services pirates s’ils s’affranchissent d’une taxe. Une idée
partagée, entre autres, par La Quadrature du Net, militants historiques antiHadopi… devenus source d’inspiration de l’institution.
8- spotify
remunerent
mieux
les artistes que
deezer
Les deux principales plateformes musicales, Spotify et Deezer, possèdent
un catalogue de 15 millions de titres chacune. Mieux, elles ont su éditorialiser leur contenu au moyen de playlists et de radios. Reproches récurrents :
la faible rémunération de ces services (environ 2 € pour 1000 écoutes).
S’il est vrai que la monétisation est très variable suivant le pays d’écoute,
le type de publicité et l’audience, le revenu moyen d’une écoute sur
Deezer est de 0,01 €, contre 0,006 € pour Spotify, selon l’agence DBTH
(notons que pour YouTube, la moyenne est d’environ 0,0004 €…). Des chiffres datant de 2012, dont il faut prendre en compte la marge du
distributeur - qui oscille entre 10 et 40% - avant reversement au producteur. N’oublions pas cependant que les services de streaming ont pour but
de fidéliser leurs utilisateurs et qu’un titre qui plaît aura plus de chances
d’être intégré à une playlist et, de fait, réécouté.
5 la France
n’a aucun poids
dans l’industrie
musicale
L’intitulé est volontairement retors. Il n’empêche qu’une entreprise
française contrôle bel et bien un tiers du divertissement mondial :
Vivendi. À l’origine spécialisée dans les services aux collectivités
territoriales (eau, transport et environnement) sous le nom de
Compagnie générale des eaux, la multinationale hexagonale concentre ses activités autour d’Universal Music, du groupe Canal+ et de
l’opérateur télécom brésilien GVT. En 2014, en plus d’appartenir à
l’indice CAC 40, Vivendi est ainsi le deuxième groupe de divertissement au monde - derrière The Walt Disney Company - et l’un
des principaux fournisseurs de contenus en Europe.
Au sein de sa filiale Universal Music cohabitent une multitude de
labels : Island Def Jam, Geffen, A&M, Mercury, Polydor, Decca, Capitol,
Blue Note, Motown… Soit, entre 30 et 38% du marché international
(derrière Sony, puis Warner) et une place de n°1 de la musique enregistrée grâce au rachat d’EMI. Miley Cyrus, Madonna, Bob Marley,
Elton John, Jay-Z, U2, Rihanna, Mylène Farmer, Lady Gaga… tous sont
passés par là. Reste à comprendre pourquoi la scène française n’a
pas autant bénéficié de cette emprise géographique sur le secteur.
9 Youtube
n’est pas
une radio
C’est faux. Ou disons que, si ça n’en était pas le but,
la plateforme vidéo en a désormais la fonction.
La musique est tout d’abord la catégorie la plus
consultée et parmi les dix vidéos les plus vues
dans le monde, neuf sont des clips musicaux.
Ensuite, une étude de Nielson montre qu’aux ÉtatsUnis, 64% des jeunes écoutent principalement la
musique via YouTube, et que les recherches
effectuées sur la plateforme sont davantage
pour le son que pour l’image.
Même si les services de streaming sont moins
développés outre-Atlantique et que les habitudes
de consommation sont différentes, YouTube réussit
ce grand écart entre TV et radio. Oui, le streaming
possède plus de confort d’utilisation (meilleur
encodage, portabilité…), mais être présent sur
YouTube est encore considéré comme un acte
promotionnel, un réflexe pour découvrir un artiste,
facilité par son accès rapide.
À se demander, parfois, si le désintérêt de la télévision (française, par exemple) pour la scène
émergente n’est pas aussi responsable de cet
appétit numérique. À bons entendeurs…
33 LONGUEUR D’ONDES N°73
coulisses
enquête
6 les revenus des
labels proviennent
des ventes
de disques
Les maisons de disques ont bien compris que pour freiner la baisse de leur
chiffre d’affaire, il fallait se diversifier et multiplier les sources de revenus
externes. Prenons un exemple français : Naïve. Pour le label, l’album n’est
qu’une amorce déficitaire que vient équilibrer les tournées. En plus d’une
meilleure récupération des droits auprès des stations de radio, des lieux
sonorisés ou des plateformes vidéo, le concert semble la piste la plus
souvent privilégiée pour garantir un retour sur investissement.
Warner Music, l’une des trois majors mondiales, a ainsi racheté Jean-Claude
Camus Productions. Sony, elle, a acquis Arachnée Productions. Enfin, Universal
Music est devenu propriétaire de l’Olympia (salle de concert), de BMG (édition
musicale) et de Sanctuary (produits dérivés). Son président directeur général
annonçait déjà en 2004 que “plus de la moitié des profits [d’Universal
Music] ne dépend plus directement de la vente de CD.”
10 radiohead
et nine inch nails
sont-les exemples
a suivre
Pas vraiment, en fait. Depuis quelques années, on voit de nouveaux business
models arriver : le Direct-to-Fan (vente à la source avec diminution des intermédiaires), le PWYW (Pay What You Want, disque vendu au prix défini par le
consommateur) ou encore le crowdfunding (donation).
Radiohead a utilisé les deux premiers. Nine Inch Nails aussi, allant même plus
loin en encourageant ses fans à remixer ses titres, filmer ses concerts et utiliser
comme ils le souhaitent ces contenus de manière non lucrative. Pour ce dernier,
les 800 000 transactions ont généré 1,6 M€ de revenus (contre 6 M€ de chiffre
d’affaire pour Radiohead, sur un total de 1,2 millions de téléchargements).
Dans ces deux cas, on observe que la majorité n’a pas payé, mais l’artiste
possède désormais les coordonnées de chaque utilisateur… Des informations
qui valent de l’or.
En conclusion, les deux groupes sont certes allés directement vendre aux
consommateurs et ont consolidé leur carnet d’adresses, mais cela n’a pu être
possible que grâce à une grande communauté de fans déjà existante. Sans
infrastructure, communauté, connaissance et compétences, impossible d’imiter
la démarche ou d’en espérer une importante levée de fonds. Radiohead et NIN
ont bien révolutionné quelque chose : leur propre modèle. À chacun de trouver
désormais le sien.
34 LONGUEUR D’ONDES N°73
Des centaines de chroniques sur
longueurdondes.com
chroniques
35 Musique • 43 Livres • 45 Festivals • 46 Ça Gave
49 SWIMMING POOLS
AL’TARBA
IAN BALZAN
BERNHARI
Songs of popular appeal
Let the ghosts sing
Acropolis bye bye
Bernhari
ELAP Music
Jarring Effects / Banzaï Lab
Autoproduit
Audiogram
Étienne Dutin et Emmanuel Tellier font figure de
vieux routards du rock français dans ce qu’il a de
plus anglo-saxon et lui ont offert, depuis plus de
vingt ans, quelques-unes de ses meilleures réussites sous les noms de Chelsea puis de Melville.
C’est pourtant en toute discrétion que leur dernière incarnation musicale a déjà égrené deux
beaux albums. Pour ce troisième, c’est le même
bagage plein de souvenirs d’outre-Manche et d’outre-Atlantique qu’ils ont ouvert pour en faire jaillir
des ouvrages de pop raffinée autant que gonflée
de forces vives. L’arrivée d’un quatrième membre,
Samuel Léger, répondait à une volonté de grossir
leur son et d’accentuer la puissance du chant. But
pleinement atteint : la voix d’Emmanuel, capable
d’infinies modulations et avec cette toujours
impeccable diction anglaise, emplit tous les
recoins, mais loin d’être une présence qui s’imposerait excessivement, elle guide l’instrumentation
vers des sommets, la pousse toujours plus loin et
l’exalte. JESSICA BOUCHER-RÉTIF
Lorsqu’un artiste traverse une période dark, différents choix s’offrent à lui. Ce beatmaker a opté
pour la plongée dans les eaux profondes de la
création. Prolifique, il invoque les fantômes qui le
hantent. À la recherche perpétuelle de sonorités, il
navigue avec aisance dans le registre de l’abstract
hip-hop. Instinctif et intime, cet opus offre une
atmosphère lourde, bien ancrée dans la réalité qui
est la sienne, mais pas moins envoûtante. Audacieux, son univers organique est habité de guitares,
synthés, pianos, glockenspiel, cuivres, beats, samples, nappes électro et voix de fantômes. En live, il
monte d’un cran en intégrant du mapping sur plusieurs écrans (VJ TomaZ) et des scratches
ravageurs (DJ Nix’on). La signature avec Jarring
Effects lui a offert la classe d’un mastering professionnel ; adieu le son crade non maîtrisé ! Enfin, ses
fameux featuring avec des rappeurs américains
sont à nouveau honorés avec Lateb et Bekay. Big
up à son jeune clippeur Laïkeu Fool.
JOHANNA TURPEAU
Dès le premier morceau, l’ambiance est posée, les
harmonies fétiches de la péninsule balkanique se
dispersent dans un décor empruntant au style western et à ses arrangements. Il y a aussi une voix,
une prière chantée et diffusée sur de grandes
enceintes, situées au centre d’une ville imaginaire
symbolisant les mélanges de genres et les architectures disparates. La musique a son pouvoir
évocateur, elle lie des contrées antagonistes et des
sons qui habitent a des milliers de kilomètres les
uns des autres. Tout au long de ce bel album, ce
Parisien de naissance fortement imprégné par la
culture des Balkans entretient l’ambiguïté. Car il est
aussi un enfant du rock, et l’électricité fusionne
avec les percussions traditionnelles et le bouzouki.
Et dans la voix, on retrouve la solennité des marginaux qui chantaient le rebetiko, la musique des
déclassés dans la Grèce du début du siècle dernier.
Cette réactualisation leur rend un vibrant hommage, et fait de Ian Balzan un artiste accompli.
MATHIEU FUSTER
L’ensemble est un coup de poing très doux.
C’est un projet qui frappe par sa grandeur et
impressionne par son effort de méticulosité bouleversante. L’idée semble avoir germé lors du
printemps érable 2012 (Québec) : les chœurs, les
voix de foules dans les rues, les projets revendicateurs, etc. L’homme-orchestre Alexandre Bernhari,
avec l’aide d’Emmanuel Éthier (Jimmy Hunt, Peter
Peter), a réalisé un album qui mélange gothique,
folk noir, shoegaze, brit-rock et chanson française.
Élégant et romantique à souhait, ce premier opus
est brillant. Le talent brut, peaufiné à l’excès, est
remarquable. Les arrangements sont classiques
(Sainte-Catherine, Les missiles), solides (Sagard,
Kryuchkova) et dramatiques (Je ne t’oublierai
jamais). On retrouve du piano, des voix féminines
(Marie Davidson et Sophie Desmarais) et une clôture des plus magistrales avec Bouquet final.
Bernhari signe ici l’album de l’automne québécois.
ALEXANDRE TURCOTTE
Entrevue sur longueurdondes.com
35 LONGUEUR D’ONDES N°73
En partenariat avec
MAXIS, EP’s, 45 TOURS…
LE A “Inseln” (Autoproduit)
Ça commence par quelques mots chuchotés
en allemand, puis ça prend au cœur et au
corps. Ce groupe bordelais, majoritairement
féminin (un seul garçon pour trois filles) sait
créer des ballades tout en douceur. Si l’on
retrouve des influences pop rock sur des mélodies montantes, les voix, toutes en subtilité
et harmonie, insufflent un vent de délicatesse. On termine sur une île, cheveux au
vent. KAMIKAL
A CALL AT NAUSICAA
“My home a forest” (Velvet Coliseum)
Ces cinq jeunes gens démontrent un goût
certain pour la pop, versant orchestré et
riche. Il n’est pas rare que les titres de cet EP
évoquent Sufjan Stevens, sans jamais tomber
du mauvais côté de la barrière (emphase,
mièvrerie). Ici, les cordes sonnent juste, la
présence de la trompette réchauffe le cœur,
et la générosité du groupe pourrait bien le
propulser loin de sa primo-sphère bordelaise.
M. CHOISI
BENGALE “Comme tuer” (Naïve)
Que de chemin parcouru pour ce (encore)
jeune groupe. Présent sur la scène bordelaise
depuis plusieurs années, il grave enfin sur
disque ses chansons pop, tout en français. Au
chant, Mickaël pose une voix calme et Romain
à la guitare donne un habillage scintillant,
funk parfois, à ces titres au parfum pas toujours si enjoué qu’il en a l’air. À suivre, pour
voir quel chemin suivra le groupe. M. CHOISI
THE BLIND SUNS
BETTY BONIFASSI
BRUIT QUI COURT
Baltic waves
Betty Bonifassi
s/t
Wild Valley Records
L-Abe
Autoproduit
Qu’il est bon de se laisser réconforter par un premier album aux nobles intentions. Ce duo angevin
(composé de Romain Lejeune et Dorota Kuszewska)
propose onze délicatesses qui réduisent la mince
frontière séparant les Field Mice de Felt. Produites
et arrangées avec une finesse exemplaire, les
chansons baignent dans une dream pop ouverte à
tous les horizons : discrétions shoegaze, guitares
surf, rockabilly à dose légère, mélancolie aux sonorités cristallines (comme sur le poignant Luna,
sommet du disque). Baltic waves émeut également
par l’osmose vocale unissant Romain et Dorota.
Le chant ne produit ici que volupté et douceur, invitation à décrocher du réel, contagieux bien-être.
Pas un hasard si The Blind Suns se réfère à la lune
et aux nuages afin de personnifier ses titres, cette
musique est effectivement au-delà de l’attraction
terrestre. Des chansons opium.
JEAN THOORIS
L’artiste propulsée par Les triplettes de Belleville,
suivi par la pièce No heaven de Champion et par
l’aventure Beast, revient avec son projet solo. On la
croyait franchement désabusée de l’industrie du
disque, au point d’avoir perdu tout espoir de la
réentendre autrement qu’en spectacle, chose
qu’elle exprimait ouvertement à une époque. Longtemps, elle nous a fait languir avant de refaire
confiance à la machine, mais voici enfin son premier album, co-écrit avec le multi-instrumentiste
JF Lemieux (Cargo Culte, Jean Leloup, Daniel Bélanger). Les textes, inspirés de chants d’esclaves, sont
interprétés avec la fougue que l’on peut attendre
de cet organe vocal au timbre profond, au chant
aussi puissant qu’envoûtant. L’enregistrement,
habillé de soul, blues, funk, rock, électro, est doté
d’un traitement sonore rétro, mais résolument
contemporain. Il s’en dégage une atmosphère
sensuelle avec un groove redoutable qui insuffle
l’assurance, la confiance et l’espoir.
PASCAL DESLAURIERS
Étrange démarche que celle de ce groupe toulousain qui demande à son public de faire table rase
du passé. Après avoir solidement étrenné son rock
énervé dans les salles de concert de la ville rose,
Bruit Qui Court remet donc son compteur à zéro et
sort un disque-concept centré sur la personnalité
de Charlie Bauer, militant d’extrême-gauche marseillais qui fut aussi le complice de Mesrine. Il n’y a
plus de guitares mais des claviers, cependant, le
groupe n’a pas touché au fond. Tournant autour de
son chanteur-auteur Nicolas Lafforgue, BRTQC - en
abrégé - va chercher ses idées dans le jardin libertaire et emprunte à Diabologum son spoken-word
à la française. Rock pour sa rage, rap pour sa haine
et toujours en colère, le groupe semble avoir
trouvé son équilibre et, s’il lui manque parfois la
petite étincelle qui fait les grands incendies, on lui
souhaite de ne jamais s’apaiser.
BASTIEN BRUN
CLIMAT
CORLEONE
THE DØ
Iccopoc papillon
Acid
Shake shook shaken
Syncope Management
Low Men records
Cinq7 / Wagram
Loin d’avoir mis au placard ses guitares saturées,
le quatuor du Mans revient avec de nouvelles
plages instrumentales aux ambiances électriques
et abyssales, abrasives ou plus planantes, où se
déploie une énergie totale (Surpiqûre orange,
Cactus 173) qui frise parfois la folie le temps d’une
Correspondance anonyme, ou côtoie un certain
calme mogwaïen (Bird colour inside). Entre postrock, rock progressif, post-metal, et légers effluves
math rock, ce deuxième disque fait mouche sur
une poignée de titres intenses (Malabar), techniques et mouvants (Pièces détachées). Dans ces
sphères denses et épiques se cache aussi une
discrète mélancolie sur quelques doux interludes
inspirés, comme sur le jazzy clmt seg. 7 ou clmt
seg. 5 aux arpèges cristallins. Un (bon) Climat,
mais peut-être encore un peu trop proche de
ses influences rock noisy pour se distinguer
pleinement.
EMELINE MARCEAU
On aperçoit les côtes de l’Angleterre, on sent trembler sous nos pieds les dancefloors des clubs
londoniens, et pourtant ce sont bien trois Français
qui signent cet album. Et pas n’importe lesquels :
Armand Gonzalez (ancien leader de Sloy), Stéphan
Bertholio et Éric Serra-Tosio (tout deux membres
de Dionysos). À l’instar des groupes qui semblent
les avoir bercés (Devo, Joy Division ou encore The
Jam), le trio power rock puise dans la new wave, le
post-punk et le glam rock pour créer son univers
(structure de morceaux épurée, voix de fausset,
riffs de guitare tenant sur deux ou trois accords).
Et le résultat est là : huit titres survoltés, métronomiques, efficaces, invitant clairement à la danse.
En fermant les yeux, on pourrait presque se croire
à Manchester dans les années 70-80.
AUDE GRANDVEAU
Autant le dire de suite : il s’agit du meilleur disque
de The Dø ! Comme il y eut un avant et un après
On my shoulders, le tube qui les a propulsés sur le
devant de la scène, rien ne devrait être tout à fait
pareil après ce troisième album pour lequel le duo
apparaît menotté. Liés pour le pire et surtout pour
le meilleur. Alors que la chanteuse franco-finlandaise Oliva Merilahti a plus de présence que jamais
avec ses boucles de chant, Dan Lévy s’affirme en
creux comme un bel artisan de l’électro-pop made
in France. Cette fois, The Dø s’est complètement
affranchi des guitares au profit des machines et,
avec ce choix, ses chansons ont gagné une dimension épique. Despair, hangover & ecstasy, Back in
time ou encore Keep your lips sealed sont imparables sur un dance-floor, mais pas seulement.
Il serait pour le moins hasardeux de traduire Shake,
shook, shaken par “secouez, secouez-moi”, pourtant, c’est bien l’effet qu’il procure…
BASTIEN BRUN
DORIAN & THE DOWN RIDERS
“Meïr” (Animal Factory Records)
Ici l’on plonge dans un univers à part, loin de
toutes les certitudes sonores que l’on connaît.
Un monde étrange que Steve Mesmin, originaire de Bordeaux, distille à coup de bizarreries auditives. Pour le style, on penchera du
côté d’une pop électro un peu barrée, sombre
et lancinante. À lui seul, le titre Meïr sonne
d’ores et déjà comme une lueur dans l’audelà. Rapidement obsédant ! KAMIKAL
DUPLOMB Autoproduit
Comment faire du rock en innovant encore ?
Avec ce nouveau projet, Arnaud, ex-Voisins
d’en Face, a misé sur du gros son stoner, mais
sans guitares. Le pari ambitieux est malin et
réussi. Ses influences cinématographiques
marquent ses créations au fer rouge. La matière est brute, le voyage rythmique assumé.
Enregistré par Fred Duquesne, le son est
massif et incontestablement bien produit.
J. TURPEAU
GARNER
“La fin du monde” (Socket Blues)
C’est le premier EP de cet artiste énigmatique
et désinvolte, dandy du XXIe siècle posant sa
voix sur des plages électro élégantes et sophistiquées. Tous les jours que a les ac- e
36 LONGUEUR D’ONDES N°73
chroniques
musique
EZ3KIEL
L.U.X.
Ici d’Ailleurs
LA CANAILLE
CECILIA::EYES
La nausée
Disappearance
Autoproduit / L’Autre Distribution
dEPOT 214
C’est le troisième album du rappeur, né au Liban et
basé à Montreuil, refermant ainsi la trilogie amorcée avec Une goutte de miel dans un litre de plomb
(2009) et Par temps de rage (2011). Empruntée à
Jean-Paul Sartre, La nausée c’est d’abord celle que
l’on ressent au quotidien, devant les stéréotypes
tenaces face aux gens des banlieues (“Je vais
retrouver ma cave, mon shit, mes beats, mon écran
plasma à crédit, mes films porno et mon McDo, bien
raccord, conforme à ma CSP, à ma niche, à ma
place, comme tu m’aimes”), devant la montée
inquiétante de l’extrême droite (“Mon identité ne
sera jamais nationale”), devant le mépris de la
bourgeoisie face à ses employés de maison étrangers (“Les Éthiopiennes, c’est une affaire, ça n’a l’air
de rien comme ça, mais c’est efficace”), devant la
vie saccagée d’un SDF alcoolique ou celle encore,
sacrifiée, de candidats à l’exil… Sur tout cela, La
Canaille met des mots justes, puissants et engagés,
qui frappent fort là où ça fait mal.
ELSA SONGIS
Ces Belges n’en sont pas à leur coup d’essai et cet
album le confirme. Cinq ans se sont écoulés depuis
leur précédent disque et ce laps de temps n’a
pas été inutile, loin de là. Si les influences postrock sont toujours indéniables (de Mogwai à Explosions in the Sky), et admirablement digérées,
Cecilia::Eyes offre une atmosphère souvent plus
trouble que les classiques du genre. Même les guitares puissantes de Loreta ou Reign ne cachent pas
un peu d’évanescence, comme si les musiciens préféraient éviter de porter les morceaux vers la force
brute au profit de passages plus contrastés. Difficile de ne pas se laisser emporter par ces longues
plages, idéales pour la rêverie (Swallow the key, la
longue intro de Default descent) ou pour une
longue veillée. Loin d’être effrayante, cette
ambiance a quelque chose de fascinant, à l’instar
de ces sept morceaux qui happent l’auditeur sans
que celui-ci ne s’en rende compte.
MICKAEL CHOISI
DOUBLE NELSON
EXTRA PEKOE &
THE BARFLY DRUMMERS
LA FÉLINE
GARZ
Un sentiment étrange
Adieu l’enfance
Issues
Autoproduit
Air balloons also rise
Kwaidan Records
Autoproduit
Musique industrielle, groove, art sonore, électro,
Un sentiment étrange oscille entre froideur et joie.
Double Nelson persiste, fidèle à la ligne fixée
depuis 1986, distillant un savant mélange de
genres, des trouvailles à la pelle, des ambiances
variées et inspirées Par ici, les mouettes s’accouplent avec un rythme binaire alors que la mer est
transportée dans une ambiance urbaine. Par là, un
violon inquiétant vient faire le contrepoint d’une
guitare funky. Les couches sonores sont bien agencées, savamment spatialisées et une indéniable
musicalité en ressort. Aussi, là ou pas mal d’anciens de la scène indus ressortent habillés d’un son
pauvre et (déjà) anachronique en utilisant l’outil
informatique à mauvais escient, Double Nelson
évite cet écueil tant l’ordinateur est transparent et
sert surtout à injecter des sons crées par les musiciens eux-mêmes. Une inspiration intacte, donc, et
après plus de 25 ans de carrière c’est assez rare.
MATHIEU FUSTER
Une heure de musique qui visite à peu près tous
les spectres de l’électro, c’est ce que propose ce
disque en résumé. Signé par deux Français, sa densité peut donner le tournis. Et la conséquence est
que les morceaux ne semblent jamais aller là où
on les attend, mêlant allègrement trip-hop, abstract hip-hop, musique contemporaine ou encore
des sons venus d’Amérique du Sud. Il vaut mieux
se concentrer tout entier à l’écoute du disque, qui
montre une épatante faculté à ne jamais se répéter, à offrir quelques passages aériens (le titre Air
balloons also rise), des moments plus menaçants
(Big beast braconnage), un titre hip-hop avec Mike
Ladd en MC (The milky way sometimes go down
the ladder and take the sidewalk), des inspiration
trip-hop (Railway…phosphor !, Pourquoi noire la
nuit…?), dans lesquels s’intercalent des interludes
complètement perchés. Comme il faut y ajouter
des featurings, le projet a de quoi impressionner,
mais fait de cela une force indéniable.
MICKAËL CHOISI
Ce premier album de La Féline, nous l’attendions
fébrilement. Plusieurs raisons à cela : d’abord, une
salve de chansons (glanées sur la Toile) dessinant
le portrait d’une compositrice façon astre libre ;
ensuite, un single éclaireur, époustouflant Adieu
l’enfance, mélange électro-pop de saine mélancolie
et de lucidité guerrière. À l’arrivée, un LP qui occasionne frissons et haute fidélité. Toujours assistée
par le surdoué Xavier Thiry (Hello Kurt) aux claviers
et aux arrangements, Agnès Gayraud voyage à
travers les attentes et les désillusions liées aux
prémices de l’âge adulte. Sur des nappes synthétiques et des guitares lignes claires, elle rameute
la sincérité des Smiths, la chaleur envoutante des
Cocteau Twins et la dignité baudelairienne du Cure
originel. Sa musique possède néanmoins un tel univers que les références ne font ici que souligner
l’humanité d’Agnès : don de soi, jouvence et bonté
naturelle. Un baume au cœur.
JEAN THOORIS
Après une série d’EP’s et la composition de
musiques pour le théâtre, Matthieu Garczynski, dit
Garz, présente aujourd’hui son premier album, fruit
d’un long processus de recherche sur la manière
de façonner ses chansons. Ainsi, en étroite collaboration avec Laurent Beaujour (co-arrangeur et
réalisateur), il a concocté dix titres qui lui collent à
la peau, une tentative aboutie d’affirmer ses obsessions, à savoir la quête du sens de la vie, d’un
ailleurs, la nature, l’amour… Musicalement, l’écrin
a été conçu de façon à ce que les mots, chantés
d’une voix chaude, sonnent idéalement. C’est ainsi
que certains titres sont plutôt de facture pop-rock
alors que d’autres s’inspirent des musiques d’Europe centrale. Quelques nappes électro et quelques
bruitages (chants d’oiseaux, flammes de briquet)
viennent titiller l’oreille tout au long d’une écoute
bien agréable. Avec ce premier opus varié et touchant, Garz a totalement réussi son coup !
ALAIN BIRMANN
37 LONGUEUR D’ONDES N°73
Laybell
Réapparition des Tourangeaux. Enfin. Et de cette formule restée inchangée : graphisme soigné et fait-maison, trip-hop tordu et une gentillesse
sans déraison. Après leurs collaborations avec D.A.A.U. (Barb4ry, 2003),
Nosfell (Eurockéennes, 2004) et une immersion symphonique (Naphtaline Orchestra, 2009), on s’était quitté en 2012 sur une version
“extended” liant images et sons, section de cuivres/cordes et samples.
Ici, exit le bestiaire classique pour un retour à la maison. Bizarreries
électro, crépitations électroniques, explosions… Le cru poursuit ses épilepsies entre nervosité contenue et poésie. Mais ce serait vite oublier
que chaque album ne reste, pour le groupe, qu’un support pour le live.
Aussi, fort de son intitulé prometteur (lux = unité de mesure de la luminosité), leur nouvelle expérience scénique imbrique projections, lasers
et mouvements jusque-là impossibles pour une console lumière classique. Ou comment concilier les sens et faire avancer, encore une fois,
la musique. À voir.
SAMUEL DEGASNE
En partenariat avec
MAXIS, EP’s, 45 TOURS…
cents traînants du trip-hop,
Berlin déploie des nappes de synthés 80’s,
Champagne et champignons témoigne
d’effets hallucinogènes, Des grues décrit un
paysage chaotique, La fin du monde un amour
en déclin. E. SONGIS
GIRLS IN HAWAII
“Refuge” (62TV Records)
De l’album-hommage Everest (2013), il y a eu
beaucoup de titres et d’enregistrements.
À l’époque, les cinq chansons qui composent
aujourd’hui Refuge, furent écartées par le
groupe pour des raisons de cohérence artistique et c’est avec plaisir que l’on retrouve
des mélodies entre clair-obscur et choc lumineux. À savoir qu’un concours vidéo a vu le
jour et que 30 clips sont actuellement en
ligne. KAMIKAL
LES KITSCHENETTE’S
“2e étage : lingerie pour hommes”
(Autoproduit)
Saint-Malo, des riffs fuzz, un orgue pop… et
une ambiance juke-box nourrie aux faces B
yéyés. Au programme, notamment, de ce 6
titres de covers : J’ai l’air de quoi ? des Incorrigibles ou encore Monsieur William de Léo
Ferré. Bref, une sélection qui mêle l’anecdotique pastiche 60’s à la sélection d’érudits.
Du kitsch aux lardons comme on l’aime !
S. DEGASNE
GOLDENBERG & SCHMUYLE
GUISBERG
GUTS
s/t
Double flex
Hip hop after all
A Son Rythme
Herzfeld
Heavenly Sweetness
Goldenberg & Schmuyle ou la rencontre de l’électro
ethnique et de la poésie urbaine. Le duo (trio à la
scène avec l’apport d’un vidéaste) aime les métissages et brasse ses nombreuses influences dans
un voyage démarrant au Moyen-Orient avec escale
en Inde pour repartir vers le Japon puis sillonner
l’Afrique et, fatalement, se retrouver en boîte de
nuit ou au Zazou Bar, secoué par des beats électroniques flirtant avec des flûtes de pan et des
basses synthétiques ! La voix, qui semble détachée
de tout cela, sarcastique et ambiguë, ajoute un
vrai plus à cette ambiance bigarrée. Musicalement,
les thèmes world se marient bien avec ce chant
parlé, le mélange est assez frais. Bref, G&S, qui
en plus ont eu la bonne idée d’inviter quelques
musiciens inspirés, risquent bien de se faire une
place au soleil.
MATHIEU FUSTER
Dans la famille Herzfeld, Guisberg représente la
facette métallique du label strasbourgeois. Avec sa
batterie acérée, son chant limite écorché et ses
guitares jamais très loin du stoner, Guisberg torpille effectivement dur et fort. Il ne faut pourtant
pas réduire le trio à une encombrante étiquette
heavy. D’abord car il y a ici un art de la décontraction, une cool attitude orientant les chansons de
Double flex vers la slacker pop (le très enjoué
Macadam king). Ensuite, à l’image des dix minutes
constituant la pièce maîtresse du disque (le furibard Cannibal hunt), Guisberg puise parfois dans
l’axe metal à seule fin d’en extirper des atmosphères n’ayant rien d’agressives ou de
rentre-dedans. Car il n’oublie jamais à quel point la
rage et la violence peuvent se décupler au contact
de mélodies soyeuses, d’atours gracieux. Les
paroles elles-mêmes, à renfort de “marshmallows”
et de “pizzas”, swinguent la fausse nonchalance, la
frappe amicale. Beautiful freak !
JEAN THOORIS
Un nouvel album du Parisien Guts est toujours un
événement en soi, d’abord parce qu’ils sont rares,
ensuite parce que la qualité dépasse toujours de
loin les attentes. C’est donc encore chez l’impeccable label Heavenly Sweetness que sort ce pur
disque de hip-hop à l’ancienne, avec un nombre
impressionnant d’invités. L’homme de l’ombre du
beatmaking français (à qui l’on doit Alliance Ethnik
dans les 90’s) a co-réalisé, avec DJ Fab à New-York
et Los Angeles, ce concentré d’ondes positives au
casting XXL. On y retrouve au micro Patrice, Cody
Chesnutt, Masta Ace et bien d’autres sur des samples riches et variés (soul, reggae, jazz…) qui, s’ils
n’inventent rien, réinventent tout. C’est la grande
force de ce disque ambitieux, réconcilier l’ancien
avec le nouveau, sans jamais perdre de vue le côté
musical et urbain. Plus qu’une compilation de
talents : une déclaration d’amour au hip-hop !
JULIEN DEVERRE
JOE CHICAGO &
THE SUPERCHERRIES
KOMPARCE
KOUDLAM
Zerlegzen
Benidorm dream
Surfing cuties
Chez Kito Kat
Pan European Recording
Cette commande du Centre National de l’Audiovisuel à Dudelange (Luxembourg) autour de
l’exposition photographique Portfolio night a mué
en douze morceaux imposant une sensibilité profonde et multiple. Le déroulé progressif et
lancinant bâtit un univers en expansion continue
au fil des écoutes. Les couches fines s’additionnent
ou se succèdent, sans jamais alourdir la charge.
L’électronica planante, d’un Squarepusher sans
cassures sonores à Boards of Canada, est le genre
principal. Pourtant, 225 en entame s’accompagne
d’un chœur vocal en écho, évoquant le folk électronique des Américains d’Animal Collective. 537
accueille elle des vocaux traités au vocodeur soft.
Cependant, les voix s’entendent comme des sonorités et ne figurent pas un chant classique. Ainsi
élaborée, la matrice harmonieuse de Komparce
progresse sans interruption, tout au long de
60 minutes très imagées, au diapason de son
créneau originel.
VINCENT MICHAUD
Quelqu’un a dit : “La solitude est faite pour les
bêtes sauvages ou pour les dieux.” Il ne croyait pas
si bien dire si on pense aux conditions d’enregistrement du nouvel album de l’artiste Koudlam.
Conçu en autarcie et en un mois seulement au
33ème étage d’un immeuble semblable à tous les
autres dans la cité fantôme du sud de l’Espagne
après de longues errances nocturnes, ce deuxième
album a quelque chose d’intangible. Comme la distance entre visions et sensations, sa musique flotte
et bouillonne en une immense kermesse de symphonies futuristes qui refusent de se laisser
dompter. Chœurs de Schtroumpfs sous hélium,
basses technoïdes noyées dans le fond, voix de
crooner sous gueule de bois, Benidorm dream ne
ressemble à rien de connu sur cette terre. En
témoignent les morceaux Ouverture, Negative
creep ou Transperu qui tiennent autant du gabber
(sorte de mainstream hardcore ultra saturé) que
du coup de génie.
JULIEN DEVERRE
METRO VERLAINE
“Somethin’else” (Autoproduit)
Une rythmique au métronome pour une
musique qui prend aux tripes. La chanteuse,
impose sa voix puissante et rocailleuse.
La source vient d’un blues abrupt, forcément
un peu garage, dans l’air du temps. C’est à la
fois addictif et évident. Il y a du “rude boy”
dans cette manière de remettre sur le devant
de la scène toutes les valeurs d’un rock aussi
rageur que prolétaire. Depuis l’enregistrement de ce deuxième EP, le trio affirme avec
conviction une manière de vivre comme de
jouer. P. AUFFRET
ODEZENNE “Rien” (Universeul)
En cinq titres, ces Bordelais laissent derrière
eux le hip-hop de leurs débuts, au moins en
partie. Avec des textes ultra percutants
emplis de colère froide et d’une tristesse
désabusée, ce trio a une base qui fait de Rien
un tout dense, porté par des mélodies avec
quelques notes de guitare, quand les nappes
de claviers ne sont pas là. Pas franchement
joyeux, mais d’une force réelle. M. CHOISI
RELIEFS
“Sans mer” (Autoproduit)
Entre rock progressif et post-rock les Montréalais savent embarquer l’auditeur vers de
vastes contrées, sans paroles, mais avec de
véritables histoires à raconter. Le voyage
en leur compagnie rappellera qu’il est e
Autoproduit
Copieux, déroutant : voilà des adjectifs qui collent
assurément à cet album, signé du Suisse Joseph
Holc. Derrière ce projet se cache un hommage à un
musicien imaginaire, Joe Chicago et son groupe.
Mais c’est surtout un premier disque qui vient
regrouper bien des influences, jetées comme une
exubérance assumée qui s’affirme un peu partout.
Les morceaux brassent large, englobent des zestes
de musique du monde, un folk barré ou encore un
peu de pop psychédélique. Pour apprécier Surfing
cuties, il vaut mieux accepter la surprise, la folie
inhérente aux mélodies et au chant. Elles savent
être accrocheuses (Death in Hawaii, Starfish)
ou réduites à leur plus simple expression pour
un laisser-aller bienvenu (Auf der wiese) ou une
déclamation inquiétante (Pygargue vocifère). Assurément, chercher un fil rouge dans ces treize titres
sera source d’efforts inutiles : Joe Chicago & the
Supercheries porte un album tellement déroutant
qu’il en devient attachant.
MICKAËL CHOISI
Entrevue sur longueurdondes.com
38 LONGUEUR D’ONDES N°73
chroniques
musique
MAGNUS
Where neon goes to die
Caroline
HEIDI HAPPY
ANDONI ITURRIOZ
Golden heart
L’insolitude
Tom Barman est décidément un homme occupé ! En parallèle de dEUS,
le songwriter belge arpente avec le DJ anglais Christian Jay Bolland des
chemins plus électroniques sur leur projet commun : Magnus. Sur ce
deuxième album (dix ans après le premier), les deux compositeurs dressent un décor sombre et urbain de la nuit, fait de bruits, de fureur et de
danses endiablées, comme sur Puppy et son refrain démoniaque. Des
synthétiseurs extatiques sortis des années 80 croisent des boîtes à
rythme percussives, tandis que le chant sexy, grave et décomplexé du
Flamand se mue souvent en flow hip-hop irrésistible (Catlike) et se
mélange à ceux de featurings efficaces (Tom Smith d’Editors, Mina
Tindle, Selah Sue, David Eugene Edwards, etc.). Ici, le rythme est un art
maîtrisé, comme sur la dance hypnotique de Regulate, et les mélodies
pop toujours inspirées, à l’instar de Trouble on a bar, que n’aurait pas
renié Metronomy, ou encore Singing man proche de Depeche Mode. On
en redemande !
EMELINE MARCEAU
Silent Mode
J’ai Vécu Les Étoiles / Musicast
Si Sophie Hunger règne sur le royaume suisse de
la pop féminine, Heidi Happy peut aussi viser le
trône avec ses pop songs illuminées. Habituée des
hit-parades, la Lucernoise pourrait d’ailleurs en
retrouver le sommet via quelques titres lisses mais
tubesques (In the garden) qui baignent au milieu
de chansons virevoltantes, douces ou énergiques.
Ici, sa patte folk reste prégnante, mais ses digressions électro-disco ajoutent au charme de son
songwriting. Testant avec habilité un synthé kitsch
sur Du da, ich da ou explorant les sentiers de Joan
As Police Woman (Ding ding) et la nonchalance
de Tricky (Eyes closed), elle nage au milieu des
courants aussi aisément qu’elle se les approprient.
Ses chansons décontractées (Whistle song) sont
d’ailleurs parfois poussées au paroxysme de l’intensité (High wave) via des choeurs planants. En
anglais, allemand ou français, sa voix chaude et
caressante sert, quant à elle, parfaitement l’euphorie de ce joli disque.
EMELINE MARCEAU
Je Rigole, c’est le pseudo qu’avait choisi l’artiste
d’origine basque en 2012 pour son premier album
Qui chante le matin est peut-être un oiseau.
Il décrète en 2014 : “J’en ai marre de Je Rigole, je
m’appelle Andoni Iturrioz !” Le titre du deuxième
LP est un néologisme, comme ceux d’Oldelaf (La
tristitude) et de Zedvan (La zébritude). Ces mots
seront peut-être un jour dans le dictionnaire…
Après son Apologie naïve de la haine, ses tambours
crépitants, son violoncelle strident, Andoni
explique ce qu’il entend par “insolitude” : “Comment dit-on quand on est seul, sans se sentir
abandonné, quand la solitude ne gueule que pour
nous dire qu’on est aimé ?” Chacune des douze
chansons met autant l’accent sur les textes, lucides
et poétiques, que sur les orchestrations riches en
cordes et en percussions. Combien voit l’arrivée de
la clarinette, Bleu nazi est un brin provocateur…
L’écoute continue dans la ferveur jusqu’au final
Presque, tout en nuances.
ELSA SONGIS
SALOMÉ LECLERC
LO’JO
MARY ZOO
MOCKE
27 fois l’aurore
310 lunes / Photographie
d’un objet sonore World Village
Like sunshine after rain
L’anguille
Autoproduit
Objet Disque
C’est un beau coffret collector, rectangulaire, s’ouvrant en format paysage. D’abord, il y a les 70
photos (argentiques, noir et blanc) de Bogdan
Konopka, ami polonais des Lo’Jo depuis leurs
débuts. L’on y découvre les membres du groupe
angevin pris sur le vif ou prenant la pose : en répétition ou en concert, en Pologne, en Allemagne, au
Mali, à Angers, Chalon-sur-Saône, sur les scènes
parisiennes, à la Fête de l’Huma… Côté sonore, 310
lunes est un album instrumental inédit reprenant
les thèmes de sept de leurs chansons, joué par un
orchestre à vent avec des invités de choix (le trompettiste Erik Truffaz, le flûtiste Magic Malik…)
sur des arrangements de Renaud-Gabriel Pion. En
bonus, sur un deuxième CD, il y a la réédition de
The international courabou, album underground de
1989 très surprenant. Depuis, 310 lunes ont passé,
le groupe s’est transformé au gré des départs et
des arrivées, des voyages, des rencontres, des
expériences, mais il est toujours là, plus vivant que
jamais. ELSA SONGIS
Ne vous fiez ni au style musical, ni au chant du premier morceau éponyme (style Enya en balade
irlandaise), il ne reflète en rien les douze autre
titres qui suivent (dont seulement trois en français,
dommage). Passez directement au second (Shewolf), l’une des perles de cet album qui se promène
entre médiéval et folk. Ici, on s’enveloppe de la voix
aérienne de Christine Zufferey (cachée derrière
cette Marie Zoo), on apprécie la guitare intimiste,
les trouvailles musicales bienvenues, on décèle une
fêlure, une blessure à l’âme, une urgence. Et cette
douleur dans la voix, cette profondeur qui plane
sur l’ensemble, évoque parfois l’univers de Sinead
O’Connor. Les textes sombres (“Je vais rendre mes
armes - mes larmes - à la mer”) cherchent la
lumière de l’amour, mais l’album se clôt en chaos
total, avec Walk the wire, une facette rock à la
Diamond dogs de Bowie… À signaler : l’habillage
graphique des œuvres poétiques de Bruno Boulala.
SERGE BEYER
Facteur X de nombreux projets musicaux français,
Mocke s’est notamment illustré chez Arlt et Midget!. Sur ce disque, le guitariste vole de ses propres
ailes, et l’inspiration est au rendez-vous. Si elle se
niche déjà dans les titres des morceaux (Le légume
mésopotamien, Poisson chat frit, L’ouvrier-flan…),
elle est aussi dans leurs formes. Difficilement identifiables, celles-ci ne se répètent jamais, comme
des motifs qui évolueraient au fil des notes. Elles
sont troublantes, mais toujours attachantes par
l’évidence dont elles font preuve. La densité
des détails de chaque titre n’empêche pas une
première écoute des plus plaisantes, avant que les
atmosphères fassent leur chemin. C’est alors
que l’on découvre de nouvelles couches, que les
sonorités évoquent tout d’un coup un blues en suspension, un folk ancestral, une bande-originale.
Difficile de ne pas être fasciné par ce disque qui
marie aussi aisément une forme d’érudition avec
une telle modestie, pour un plaisir sans cesse
renouvelé. MICKAËL CHOISI
Audiogram / Tôt ou Tard
Trois ans après un premier album en demi-teinte,
l’auteure-compositrice-interprète québécoise revient avec un effort plus fignolé, empreint de
vulnérabilité et de finesse. Avec ses textes introspectifs et sa voix fragile, elle explore des sentiers
musicaux fort audacieux et ose apposer une dose
d’électro bien calibrée à des mélodies sombres,
mais jamais funèbres. La réalisation, d’une justesse
impressionnante, vient resserrer la gamme d’émotions et soutenir les compositions épurées qui, en
deçà de leur simplicité désarmante, s’avèrent étoffées. Entre la dépouillée Un bout de fil, la vaporeuse
J’espère aussi que tu y seras et la rock new wave
Arlon, Salomé Leclerc navigue avec une confiance
imperturbable et signe une œuvre aboutie, profondément mélancolique.
OLIVIER BOISVERT-MAGNEN
39 LONGUEUR D’ONDES N°73
En partenariat avec
MAXIS, EP’s, 45 TOURS…
beau de rêver, la tête accrochée entre
deux reliefs. Ça monte et puis ça tient en
éveil, jusqu’à ce que l’imagination se développe. Poétique et inspirant, souvenir du
Canada. KAMIKAL
SCHLAUBERG
“Légendes locales” (Sober & Gentle)
NLF3
LE PEUPLE DE L’HERBE
PIERS FACCINI & VINCENT SÉGAL
Pink renaissance
Next level
Songs of time lost
Prohibited Records / L’Autre Distribution
Verycords
No Format !
Sans sombrer dans le kitsch, le NLF3 nouvelle mouture se pare de légèreté, délaissant les montées
hypnotiques pour des détours plus pop ou post
rock. Un peu comme si la machine se prélassait
langoureusement entre les tournées de F/LOR et
de Don Nino, les projets solos des deux frangins
Laureau que compte le groupe. François de Roubaix, Michel Legrand, la BOF à la française renaît
sur Stellar subkingdom. Kalimba song semble
vouloir monter les BPM mais, dommage, s’arrête
avant la tension finale… Planer plutôt que décoller,
la tendance de cette renaissance en douceur.
Rosen, en queue d’album, reprend le leitmotiv
extatique de leur bande-son du Golem, film expressionniste allemand de et avec Paul Wegener (1915),
où une statue géante d’argile créée pour sauver le
peuple juif s’éprend de la fille de son créateur. Frankenstein entre autres, fera renaître le mythe,
conclusion à ce disque en “transit-ion”, avant
d’autres décollages plus décoiffants ?
VINCENT MICHAUD
Aux premiers échos de rock californien émis par ce
Next level, évoquant la mue artistique entreprise
sur Tilt en 2009, répondent des sphères nettement
plus exotiques (Mogador), ces dernières portant la
véritable révolution sonore que le groupe entend
vouloir poursuivre à chaque album. Si cette volonté
s’avère de bonne intention, le résultat qui en
découle laisse en bouche un goût amer. Des riffs
qui miment les Red Hot Chili Peppers, un chant
laissé à l’abandon de la tendance “fauvienne”, ce
disque brasse plus de l’air que les genres. Du vent
qui parvient toutefois à raviver les braises du feu
sacré qui consacra les Lyonnais dans le paysage
sonore francophone, à savoir cet habile mélange
entre dub et électronique atmosphérique, ranimé
ici sporadiquement par les flammes ardentes que
sont Tell the DJ et Rude bwoy. D’éphémères réminiscences qui ne peuvent suffire à soutenir un
disque bancal porté par une formation qui a certes
muté, mais dont la qualité s’étiole au gré du temps
et de ses affres.
JULIEN NAÏT-BOUDA
Ces deux-là se connaissent depuis vingt-ans et, s’ils
ont eu maintes fois l’occasion de jouer ensemble,
n’avaient pas encore enregistré d’album en duo.
C’est chose faite avec ces “chansons du temps
perdu” où la voix chaude et profonde, la guitare
acoustique et le violoncelle s’allient intimement
pour le plus grand bonheur de l’auditeur à la
recherche de sons purs et intenses. D’origine
anglo-italienne, Piers Faccini, également artiste
plasticien, s’est fait connaître par ses compositions
folk chantées en anglais. Il a remporté en 2009 le
prix Constantin avec l’album Two grains of sand.
On ne présente plus le Rémois Vincent Ségal,
violoncelliste de Bumcello, explorant, avec une
énergie sans cesse renouvelée, les diverses
possibilités de son instrument à travers des collaborations multiples. Les treize titres concoctés par
les deux amis (chansons traditionnelles napolitaines, reprises country ou créoles, compositions
personnelles…) provoquent l’émotion, le recueillement, la mélancolie.
ELSA SONGIS
DENIS RIVET
RODRIGUE
SÉBASTIEN SCHULLER
Tout est triste, rien n’est grave
Spectaculaire diffus
Heat wave
VVVV “The beast” (Autoproduit)
Autoproduit
Fragments des Arts
Modulor
De la dark music comme s’il en pleuvait,voilà
un duo bordelais qui décoiffe ! Entre électro,
post punk et krautrock, Bardou Jacquet et le
Mage, offrent une palette sensorielle mystérieuse tout comme leur nom. Synthés et boîte
à rythme affûtés, ces quatre titres ressemblent à un oscillateur à ondes triangulaires,
la voix en plus. Robotique et futuriste !
KAMIKAL
Né en 1975 à Vienne (Isère), l’artiste a d’abord
évolué au sein du trio pop acidulé King Kong
Vahiné. La ville est tranquille et Le village sont
respectivement sortis en 2007 et 2009. Denis Rivet
commence à travailler en solo en 2011 et sort son
premier album Tout proches en octobre 2012, pour
le festival lyonnais Just Rock ?. Deux ans plus tard,
c’est de nouveau à Lyon que sortira le deuxième.
Voici donc douze nouvelles chansons, dans la
lignée d’un Dominique A, d’un Florent Marchet ou
d’un Albin de la Simone, mais avec une personnalité entière, singulière et tranchée, aisément
identifiable. L’utilisation des orgues vintage (Casio
ou Bontempi) est une marque de fabrique qui se
mêle bien au jeu des guitares. Les textes, empreints
de nostalgie, bousculent, interrogent, donnent à
entendre une histoire ou encore la fin d’une histoire dont il faut imaginer le début… Le tout sur des
mélodies que l’on fredonne volontiers.
ELSA SONGIS
À l’image du zèbre sur la pochette, l’homme est
insaisissable. Rockeur rebelle ou romantique
passionné, il déchiffre dans ce nouvel album la sincérité des hommes. Il en devient même cynique
lorsqu’il évoque l’image déformée de la réalité renvoyée par les médias. Car le réel, Rodrigue connaît ;
on a notamment pu le voir animer des ateliers
d’écriture dans les collèges. À en juger par ces
douze titres, cela ne lui a pas fait perdre son goût
pour la scène, qu’il cultive en composant des chansons magistrales, dignes de grands opéra-rock.
Il parvient aussi à surprendre dans International,
exercice de style maîtrisé où les versions gospel,
cajun, chaâbi, bollywood d’un même thème s’enchaînent avec élégance. Explosif et irrévérencieux
souvent, mais mélodiste hors-pair également !
Comment résister au refrain imparable de Mi-ange
mi-démon ou à la douce mélancolie de À pas ?
Rodrigue n’est ni blanc, ni noir, mais les deux à
la fois ! MARIE BIHAN
Heat wave est-il capable de résoudre l’énigme de
savoir ce qu’est un album de pop ? Le garçon au
regard doux et au rythme lent (trois albums en
treize ans) a, ne l’oublions jamais, composé le
parfait Weeping willow, il a donc tout pour être
un expert ès pop. Ce nouvel album, comme ses prédécesseurs, alterne instrumentaux humides et
chansons tubesques (ici Endless summer). Si l’on y
entend l’été et les tropiques, on est pourtant loin
de la carte postale. C’est parfois rassurant, parfois
inquiétant, toujours de bon goût. Mais attention, il
n’y pas que de l’atmosphérique chez Schuller, il n’y
a surtout pas l’obsession d’obtenir une synchro
pour une pub de parfum (ou autres), mais de la
musique douce (ou pas) qu’il fait partager de jour
comme de nuit. Il fait fi des modes et peut passer
parfois pour daté, peu importe. POPulaire ou exigeant ? Il reste sur son fil sans jamais (nous faire)
tomber d’un côté ou de l’autre.
OLIVIER BAS
Attention, ce quintette en a gros sur la patate ! Sur fond de rock furieux et de textes
en français souvent emportés, le gagnant du
prix Chorus 2013 dévoile des sentiments et
réflexions sociétales sans concession. Place
à cinq titres pleins de vie et de rage, à l’impact immédiat, où se mêlent puissance,
élégance, poésie, contrastes, électricité,
fougue… De quoi booster les lundis matins !
E. MARCEAU
STEVANS
“Before the rupture” (Autoproduit)
L’ex-trio devenu quintette délaisse ses
musiques originelles pour des rythmes plus
effrénés. Le groupe de Genève, en rupture
avec le passé, cherche des sons plus électroniques et plus groovy. Il en résulte cinq titres
aux mélodies efficaces baignant sous une
pluie de synthés enflammés, l’énergie 80’s
quant à elle ne change pas. Adieu pop britannique, bonjour dancefloor ! KAMIKAL
SUMMER
“Laura Gemser” (Autoproduit)
Le clip de Laura Gemser est d’un érotisme
rare, à la limite du hard-core. La musique l’est
aussi, tout en phrasé, mais c’est Libido, avec
sa violence contenue, qui accroche à la première écoute, toujours sur le même mode, le
talk-over, et le même thème, le sexe moderne, brûlant et urgent. Digne héritiers de
Diabologum (Michel Cloup a produit leur RDV
Drague) ou nageant dans les eaux troubles
de Fauve, Summer met le poids des mots sur
une musique de plomb. P. AUFFRET
YSÉ
“Eldorado” (Eldorado Prod)
Tourbillon électrique rock pour une histoire
d’amour et de mort sur Jérémie (que ne
renierait pas Piaf), lancinante mélodie sur
De l’aveu de ses yeux, guitares acérées sur
Le cœur en friche… Sur l’ensemble plane une
voix grave et chaude reconnaissable entre
toutes, marque de fabrique de cette artiste
intègre et entière. S. BEYER
40 LONGUEUR D’ONDES N°73
chroniques
musique
ORANGE BLOSSOM
Under the shade of violets
Washi-Washa
DANY PLACARD
XAVIER PLUMAS
Santa Maria
Le cabinet vaudou des curiosités
d’Adèle La Lézarde / L’Autre Distribution
Simone Records
Un choc musical après neuf ans d’attente. Voilà un retour inespéré, celui
d’un groupe qui prend le temps de saisir la vérité afin d’en extraire l’essence la plus pure. Ce troisième album, d’une force incroyable, sonne
déjà comme une évidence, la révélation de cette rentrée. Orange Blossom a voyagé, parcouru les chemins d’Égypte, cherché dans le sable du
Caire, la “voix” du soleil, celle qui vibre, celle qui donne. Hend Ahmed
est pourtant jeune, mais la maturité est là, perceptible à chacun de ses
souffles. Un chant comme un instrument qui transperce l’âme. Dès les
premières notes d’Omnaty, on plonge dans un envoûtant chœur oriental,
vers un autre ailleurs. Et c’est bien les yeux grands ouverts que l’on
découvrira chacun des tableaux car chaque morceau est une pièce à
part entière. On traversera les quatre coins du monde, de l’Occident à
l’Orient, on rencontrera des chanteurs traditionnels, on dansera, on
pleurera à travers des tourbillons hypnotiques. Cet album est aussi beau
que la vie.
KAMIKAL
Trempé dans le folk-rock qui lui sied si bien,
l’auteur-compositeur-interprète originaire du
Saguenay (Québec) lance son quatrième album
solo. Deux ans après l’acclamé et remarquable
Démon vert, Dany Placard offre ses nouvelles chansons folk. Il explore des lieux familiers, un peu
poussiéreux, il renoue avec un ami qui raconte ses
péripéties autour du feu… bref des rencontres et
des aventures, plus banales les unes que les autres,
mais avec un sens du conte exceptionnel. La guitare accompagne ces évènements et la batterie
donne le rythme, sans diriger. L’album est simple
et épuré, pour laisser toute la place aux paroles et
à l’artiste, pour qu’il livre ce qu’il faut de rythme
et de swing afin de suivre le tout avec bonheur.
Ça rocke sur Shop, et ça se développe avec doigté
sur Santa Maria. Le reste est folk, grandiose et
léger. À écouter sur la route, entre les États-Unis et
le Nord québécois.
PASCAL DESLAURIERS
Le chanteur de Tue-Loup est habitué à s’exprimer
hors de son groupe ; une première fois en 2005
avec le projet Fulbert, puis en 2009 avec La gueule
du cougouar, premier album publié sous son nom.
Entièrement financé par le crowdfunding, ce nouvel opus solo creuse le sillon d’une poésie
contemplative dont il détient le secret. De facture
résolument folk, ses nouvelles chansons, initialement composées guitare-voix, ont été retravaillées
avec Thierry Plouze son complice de Tue-Loup,
ainsi qu’avec le batteur Thomas Belhom qui s’est
fortement impliqué dans l’enregistrement et les
arrangements. Particulièrement mélodique cet,
album où s’expriment harmonieusement cuivres,
cordes et orgue, possède en son sein un morceau
de choix, cet Incendie qui hante la mémoire longtemps après l’écoute, ainsi que des petites
douceurs comme L’aube ou 10 000 vies… Le chant
en demi-teinte de Xavier Plumas y évolue avec une
remarquable aisance, et habite idéalement ces
nouvelles chansons aux vertus addictives.
ALAIN BIRMANN
LAETITIA SHÉRIFF
SOVIET SUPREM
LES WAMPAS
ZENZILE
Pandemonium, solace and stars
L’internationale
Les Wampas font la gueule
Berlin
Yotanka
Chapter Two
Verycords
Yotanka
Voilà maintenant dix ans que la plus anglo-saxonne
des musiciennes hexagonales écrit et compose ses
chansons rock, folk, pop, qu’elle interprète en s’accompagnant à la basse. Entourée autrefois d’Olivier
Mellano (guitare) et de Gaël Dubois (batterie), elle
s’adjoint pour cet album envoûtant et lumineux,
entre calme et tumulte, les services du guitariste
Thomas Poli (Montgomery), du batteur Nicolas
Courret (Eiffel) et de la violoniste Carla Pallone
(Mansfield.TYA). Les touches de violon brèves et
aiguës ou longues et graves, présentes sur Fellow,
le premier titre, dialoguent harmonieusement
avec le chant. L’instrument réapparaît plus loin,
solennel dans To be strong, discret dans A beautiful
rage II. Il y a aussi les synthés qui boostent les compositions, donnant à To visit Brighton un charme
électro et à Far & wide une dimension sacrée. Urbanism - After Goya a été co-écrit avec Pete Simonelli,
poète américain adepte du spoken word, à la voix
claire et déterminée.
ELSA SONGIS
N’allez pas leur dire que c’est un délire, ils risqueraient de vous envoyer au fin fond de la Sibérie.
Soviet Suprem est un groupe formé par Sylvester
Staline (R-Wan, chanteur du groupe Java) et John
Lénine (Toma, leader de La Caravane Passe),
accompagnés par DJ Croute Chef (cf. LO n°69). Il a
débuté avec grandeur par la scène avant d’en venir
triomphalement - comme en témoigne d’ailleurs
sa pochette… - à L’internationale, un premier
disque faisant ô combien honneur au régime.
Et plus sérieusement ? À coups de musique électro
tzigane et de textes bien balancées qui détournent
les codes de l’ex-bloc communiste, le Soviet prodigue un rap festif à l’absurde contagieux. On aime
toujours l’écriture d’R-Wan - mine de rien, l’une des
plumes inspirées du rap en France -, les thèmes
abordées en creux (la dèche…), ou, par exemple, les
mélanges entre cumbia et musique des Balkans
(Cumbalkania). Si Soviet Suprem s’apprécie avant
tout en live, ceci n’est pas qu’un disque d’opérette…
BASTIEN BRUN
Après cinq ans d’absence, les Wampas sont enfin
de retour ! Mais, manque de bol, ils font la gueule…
Égaux à eux-mêmes, les cinq trublions disent ce
qu’ils ont à dire et cette fois, c’est la musique qui
en prend pour son grade (“La variété française est
morte avec Claude François”, “De la difficulté d’être
un artiste et d’être honnête”, “Votre musique, c’est
vraiment de la merde”). Et même si la voix de
Didier Wampas joue toujours à cache-cache avec
la justesse et que les solos de guitare semblent
interprétés par un polyarthritique portant des
moufles, on adore ! Car la musique des Wampas est
sincère, humaine, avec toutes les imperfections
que cela comporte. Alternant des titres yéyé-punk
bien pêchus et des ballades sucrées aux réminiscences 60’s, cet album conviendra parfaitement
à tous les allergiques aux stars de télé-réalité
et autres chansons passées à la moulinette AutoTune. AUDE GRANDVEAU
Groupe aventureux et plutôt inclassable, Zenzile
rempile dans l’exercice du ciné-concert (quatre ans
après la mise en son du classique de Robert Wiene,
Le cabinet du Docteur Caligari). Les Angevins ne
quittent pourtant guère l’axe allemand puisqu’il
s’agit d’offrir aujourd’hui une partition au célèbre
Berlin, la symphonie d’une grande ville, expérimentation documentaire réalisée par Walther
Ruttmann en 1927. Loin du dub électronique qui les
révéla, Zenzile se frotte ici à une curieuse kosmische musik qui n’est pas sans évoquer certains
albums de Tangerine Dream. Si la référence à Edgar
Froese (compositeur principal de Tangerine) trouve
écho dans les instrumentations de Berlin, ces dernières restent néanmoins ouvertes à l’horizon des
possibles. Car chez Zenzile, l’atmosphère planante
accueille chaleureusement un imprévu reggae,
quelques souvenirs coldwave ou un doux parfum
de trip psyché. Preuve définitive que Zenzile est
une formation impossible à étiqueter.
JEAN THOORIS
Entrevue sur longueurdondes.com
41 LONGUEUR D’ONDES N°73
42 LONGUEUR D’ONDES N°73
livres
roman illustré
nouvelles
BD
chroniques
SYRANO
La forêt des brumes
COLLECTIF
Autel California
Pentatracks
Ed. L’Association, 19 €
Ed. La Bourdonnaye, 15,99 €
Trois sélections dans le cadre du Festival d’Angoulême, des fanzines à tendance rock, voire même
quelques illustrations pour la mode… L’auteure
possède ce coup de crayon entre naïveté et simplicité des lignes qui lui donne ce cachet si vintage.
Ici, on fait volontiers l’impasse sur les détails pour
se concentrer sur le propos, souvent mélancolique.
De petits défauts donnent à l’œuvre une authenticité en décalage avec les prouesses techniques des
ouvrages actuels. Après un récit autobiographique
signant le cap de la trentaine et une étude distanciée de la transgression érotique (la rencontre
entre la pin-up 50’s Betty Page et l’actrice porno
70’s Linda Lovelace), Nine Antico narre la jeunesse
des années 60. Inspiré des Confessions d’une groupie de Pamela Des Barres, le récit croise Phil
Spector, Brian Wilson (Beach Boys), Beatles, Rolling
Stones, Doors, Byrds et autres Ronettes. Un hommage touffu, parfois confus (l’ouvrage aurait
mérité un parcours plus balisé), mais toujours
emprunt de légèreté.
SAMUEL DEGASNE
Fait établi : la littérature a souvent influencé le
rock. Cet ouvrage part du principe inverse puisque
cinq écrivains délivrent ici une suite de nouvelles,
chacune inspirée par une chanson. La playlist permet aux auteurs de laisser fuser leurs imaginations
au contact de Lou Reed, MIA, Thiéfaine, The Doors,
Gil Scott-Heron et Noir Désir (en bonus). Pourtant,
pas question d’abuser des clichés inhérents au
rock. Si Thierry Berlanda profite de Walk on the wild
side pour parler star-system et drogues, les histoires suivantes abordent principalement des
sujets de société : la délinquance juvénile, l’immersion dans le virtuel ou encore, l’identité sexuelle.
Chaque fois, on y croise des personnages aussi
troublants que poignants, complexes et furieusement humains : les tragiques adolescents décrits
par Kemi Outkma, un mari insatisfait trompant son
épouse avec un avatar numérique, un transgenre
chamboulant la routine d’un couple hétéro… Moins
rock dans les mots que dans l’esprit.
JEAN THOORIS
L.d.d.Z, 18 €
Panique au pays des rêves ! D’étranges bugs se
multiplient sur l’écran de contrôle où, depuis
leur usine un peu spéciale, les techniciens des
songes contrôlent les pensées nocturnes des enfants. Seulement voilà :
depuis quelques jours, des cauchemars s’infiltrent dans les plus jolis
rêves. Tout se dérègle, les songes sont contaminés. À croire qu’il s’agit
d’un mauvais coup de Chester le Clown, le maître de la contrée des cauchemars, là-bas, de l’autre côté de l’inquiétante forêt des brumes. Et si
les seules personnes capables de régler le problème étaient Igor et
Pitre, les deux techniciens… de surface ? Pour y parvenir, ils devront
solliciter l’aide de Pierrot, le vieil ermite vivant reclus sur la Lune. Et
surtout, percer le secret d’une histoire d’amour brisée. Dans ce délicat
roman jeunesse, accompagné d’une galerie d’illustrations à croquer et
d’une BO inspirée, Syrano, musicien-dessinateur et artiste éclectique,
confirme une fois de plus qu’il porte de la magie au cœur et de la poésie
au bout des doigts. AENA LÉO
biographie
roman
anthologie
guide pro
NINE ANTICO
LAURENT CHARLIOT
BERTRAND HELLIO & YOAN MANESSE
CÉCILE WAJSBROT
JEAN-FRANçOIS JACQ
L’année du rock français 2014-2015
Devenir professionnel de la musique
Totale éclipse
Ed. Le mot et le reste / Iéna, 29,90 €
Ed. Eyrolles, 26 €
Ed. Christian Bourgois, 19 €
Bijou - Vie, mort et résurrection d’un
groupe passion Ed. L’Écarlate, 25 €
À l’heure du rétrécissement des espaces domestiques et de la rapidité du numérique, se lancer
dans l’encyclopédie papier semble tenir de
l’anachronisme. Quoi d’autre ? Surtout dans
une matière aussi mouvante que subjective : la
musique. Oui, mais voilà. L’auteur a su voir large.
Sur la forme, tout d’abord, en conviant quelques
plumes du milieu : Didier Varrod (France Inter),
Christophe Conte (Inrockuptibles), Frank Vergeade
(Magic), Philippe Thieyre (Rock&Folk), voire même
l’auteur de cet article (soyons honnêtes)… Tous ont
produit des chroniques et des interviews inédites,
relater les concerts marquants de l’année ou les
projets à venir. Sur le fond, ensuite, avec une
découpe faisant le grand écart entre monstres
sacrés (Etienne Daho, Indochine, Miossec, Daft
Punk), confirmés (Shaka Ponk, Skip the Use, Détroit,
Katerine), révélations (Fauve, Cascadeur, Florent
Marchet, La Femme, Frànçois and the Atlas Moutains…) et des focus par région. De quoi satisfaire
de l’historien au curieux.
SAMUEL DEGASNE
On la compare souvent à une nébuleuse difficile à
appréhender et dont les ramifications sont sans
cesse en mutation. Mais on oublie le plus souvent
d’évoquer le champ lexical de la jungle avec ses
pièges et ses raccourcis. Et c’est sans nul doute
dans cette optique que les auteurs ont écrit ce
guide de survie dans le milieu parfois hostile de
l’industrie musicale. Passionnés ou professionnels,
tout le monde peut y trouver son compte. Avec un
beau panel de sujets abordés : l’environnement
(métiers, droits d’auteur, contrats…), les nouvelles
pratiques (stratégie à 360°, brand content musical…), des bons plans (autofinancement, tremplins,
formations…) et quelques adresses et contacts.
Refusant l’aspect catalogue, malgré un découpage
très didactique, l’ouvrage offre quelques témoignages (1995, Gun N’ Roses, l’Olympia…) pour
étayer certaines législations ou nouveaux modes
de financement. Enfin, des pistes de réflexion, des
limites du do it yourself au nouveaux business
models, clôturent le tout.
SAMUEL DEGASNE
Pour les mélomanes, il s’agit de l’un des plus
grands dilemmes qui soit : comment restituer avec
des mots l’indescriptible pouvoir de la musique sur
nos vies ? La façon dont elle transforme notre quotidien, pose une empreinte indélébile sur certains
instants de nos existences, fait battre les cœurs
plus fort. Tel est le défi que l’écrivain relève ici.
Photographe, son héroïne traîne un chagrin
d’amour depuis que son chemin a croisé celui d’un
mystérieux poète hongrois. Chaque chapitre est
construit comme une ode à plusieurs morceaux,
prétexte à l’évocation du travail d’artistes
d’horizons divers, de Françoise Hardy à Bruce
Springsteen. La musique devient alors un voyage
magnifique, une évasion. Mais parfois, aussi, une
prison : comment échapper à la mélancolie de
paroles qui nous possèdent un peu trop, au point
d’empêcher d’avancer ? Autant de questions que
Cécile Wajsbrot effleure ici avec délicatesse et
intelligence. Son nouveau roman est l’une des
petites perles de la rentrée littéraire 2014.
AENA LÉO
43 LONGUEUR D’ONDES N°73
L’histoire du rock a ses héros, ses génies, ceux dont
on se souvient vingt ans plus tard et ceux que l’on
oublie. Le genre veut et réclame des têtes pour le
prix de sa réputation. Les bad boys et les losers
font partie du mythe, ils en sont le moteur et le carburant. Plus qu’une conséquence fâcheuse et
désagréable, l’échec est parfois, quand on fait du
rock, la plus sublime des réussites. Bijou est l’une
de ces formations qui, le temps d’une décennie et
de sept albums, laissa derrière elle le souvenir d’un
groupe de puristes, honnêtes et novateurs.
À l’époque, ses musiciens ont obtenu la reconnaissance d’une minorité éclairée et subi le dédain
profond des maisons de disques. Jean-François
Jacq est un archiviste précieux ; il retrace ici l’histoire du groupe, de la genèse jusqu’au dernier jour,
mais pas seulement. À travers le destin de Bijou,
il pose la question de l’essence même du rock français et en français, né d’un malentendu. Le secret
de sa réussite, certainement.
YAN PRADEAU
44 LONGUEUR D’ONDES N°73
chroniques
festivals
FESTIVAL DE GRANBY
Du 3 au 14 septembre 2014 à Granby (Québec)
BERTRAND DUHAMEL
CADRE : Plusieurs lieux, dont un chapiteau posé sur “la” rue principale. | MÉTÉO : Été indien et puis pluie et froid.
Michel Robichaud
L’HISTOIRE : Le festival de Granby a vu le jour en 1968, au moment
où une nouvelle génération de chanteurs amenée par Charlebois
et quelques autres a éclos au Québec. Entre la chanson de Félix
Leclerc et le yéyé qui passait alors à la radio, la “relève” poussait.
S’il n’est pas né directement dans ce bouillonnement contreculturel, une bonne partie des grands de la chanson québécoise
ont débuté depuis quarante-six ans à la faveur de ce concours
d’”auteurs-compositeurs- interprètes”.
LA DÉCOUVERTE : Baroque et gentiment barré, Soucy aura été le
groupe le plus détonant de ce festival. Son chanteur arrive grimé
en larve et lâche : “Ben non, ch’suis pas une brosse à toilettes, je
suis le passage d’une vie à l’autre”, puis se découvre, laissant apparaître un pantalon moulant rouge et un gilet en plume sur son
torse nu. Émule du Rocky Horror Picture Show, des Sparks et de
quelques autres excentriques géniaux du glam rock, Soucy n’a
pas vraiment à s’en faire. Quant au vainqueur du concours, Michel
Robichaud, ses “tounes” pas trop mal faites en guitare-voix ont
fait la décision. Pourquoi pas ?…
LES PLUS : Pierre Lapointe, Lisa LeBlanc, Salomé Leclerc, Lynda
Lemay, Fabienne Thibaud, Isabelle Boulay… qu’on aime carrément
ou vraiment pas, Granby est un label à suivre. Vincent Vallières,
Alex Nevsky et la chanson “pop” québécoise actuelle. La décou-
verte et l’accompagnement pour les artistes (60 000 dollars et
une tournée en Europe pour le vainqueur).
LES MOINS : Le chapiteau, jadis gratuit, est devenu payant cette
année… dommage pour le public familial. Le son de ce même chapiteau, c’est fort et brouillon. On demande (toujours) de l’électro
et des prises de risques, côté programmation.
VUS ET APPROUVÉS : Les Trois Accords (qui en ont mis plus à leur
registre), Karimouche, Le Vent du Nord, Bon Débarras et toute une
flopée d’excellents artistes traditionnels…
COUP DE GRIFFE : Elles sont blondes, se prénomment Ariane,
Brigitte ou Ingrid, elles chantent l’amour et les petits oiseaux.
Ce qui en dit déjà assez…
ELLE A DIT : Karimouche, pour sa première visite au Québec, en
préambule d’un nouveau disque prévu pour début 2015 : “La chanson québécoise ? Bien sûr que je connais ! Isabelle Boulay, Natasha St-Pier, Garou…” Puis se reprenant : “Là, sérieusement, je
viens de découvrir un groupe, Les Chercheurs d’Or. Franchement,
ils ont trouvé la pépite parce que ça rend heureux, c’est une espèce de formule country et puis, avec l’accent, c’est chantant…
C’est mortel.” Ah !? La découverte de l’Amérique…
Bastien Brun
Bon Débarras
FÊTE DE L’HUMANITÉ
Du 12 au 14 septembre 2014 à La Courneuve (93)
CADRE : Parc Robert-Valbon, à proximité du Bourget. | MÉTÉO : Moins boueuse que lors de la précédente édition.
MARYLÈNE EYTIER
Florent Marchet
Féloche
45 LONGUEUR D’ONDES N°73
CARTE D’IDENTITÉ : Événement politique organisé par le journal
L’Humanité, chaque second week-end de septembre. L’objectif est
de dégager des bénéfices pour les sections communistes et
la publication. “Musée du communisme” ou “Réunion d’anciens
combattants” pour ses détracteurs, “Rassemblement de toutes
les gauches” et “Événement populaire et accessible à tous”
pour les autres.
LES PLUS : Mélange des générations, simplicité, prix de la place
et des consommations peu élevés… Enfin un festival francilien
qui bazarde le snobisme habituel.
LES MOINS : L’absence de plan / signalétique précis et les
éternelles difficultés de circulation (tous moyens de transport
confondus).
PROGRAMMATION 2014 : Scorpions (dont la tournée d’adieu a
commencé il y a trois ans…), IAM (plus en forme que ses dernières
années), Bernard Lavilliers (éternel baroudeur, certes, mais invité
perpétuel aussi), Ayo (pacifiste néo-hippie s’exprimant en quatre
langues), Les Ogres de Barback (20 ans de carrière et une fanfare
béninoise en guide d’invitée), Florent Marchet (en mode illuminé),
Féloche (toujours aussi généreux, finissant son concert dans la
foule), Temples (parfait pour un apéritif en douceur)…
LES DÉCOUVERTES : On le sait, la Fête de l’Huma se mérite surtout
dans ses marges. Et à ce titre, le Zebrock - association francilienne
qui encourage la pratique et les débats autour de la musique -
remplit sa nécessaire fonction d’agitateur de la scène émergente.
Pour ses 10 ans (et en plus d’une exposition), deux de ses poulains
ont notamment fait sensation : Leïla Ssina (chanteuse hors-norme
et néanmoins authentique) et les rockeurs franco-californiens de
Tigers Can Swim qui possèdent un beau potentiel.
MENTION SPÉCIALE : Qui aurait cru que Massive Attack gagnerait
la palme des “gauchos” de l’édition ? Malgré un son en sourdine
- constaté sur la majorité des concerts et diminuant, ici, l’impact
habituel du groupe - le duo trip-hop de Bristol a joué le jeu du
show adapté en français. La non-démission du député PS Thomas
Thévenoud, les 2 millions de réfugiés irakiens suite aux conflits,
les “sans-dents” de François Hollande, les similitudes sémantiques
entre les présidents Obama et Bush… Les écrans géants étaient
réglés en mode contestataire.
LA PETITE PHRASE : Entendu dans la foule : “L’ancien trader Jérôme
Kerviel, invité d’honneur de Jean-Luc Mélenchon ? Et pourquoi
pas Bertrand Cantat président de la Saint-Valentin ?”…
No comment.
L’ANECDOTE : Patrick Le Hyaric a annoncé vouloir relancer Pif
Gadget, mythique magazine pour enfants des années 70-80 (et
ressuscité, sans succès, entre 2004 et 2009). Glop glop !
Samuel Degasne
CA
GAVE
‘
humeur & vitriol
J
’allais d’un pas altier et fier vers quelque glorieuse activité qui apporte à mon quotidien
exaltant ce surcroît d’intérêt que la ménagère ne
trouve généralement que par procuration en s’ahurissant aux nouvelles de la vie sexuelle des pipoles
dont font leur beurre toutes les crémeries aigres
d’une presse que tout le monde voue aux gémonies
mais qui, dans ce monde où l’illettrisme est également partagé par les journalistes et leurs
non-lecteurs, demeure la seule à ne pas connaître
la crise du secteur. Bref, j’allais donc sereinement
convaincu du bien-fondé de mon déplacement vers
un but enthousiasmant dont je n’ai pas le souvenir
exact parce que c’était le mois dernier et j’ai fait
d’autres choses depuis et c’est d’ailleurs sans
importance parce que ce n’est pas là l’essentiel de
mon propos mais bon sang de bois qu’est ce que ça
peut vous faire aussi, allez vous me laisser tranquillement vaquer à mes occupations à la fin, je fais ce
que je veux et ça ne vous regarde pas ! Mais je
m’emporte, comme dit la feuille dans le vent (un peu
de poésie, ça ne peut pas faire de mal). Bref bis, j’y
allais d’un pas d’autant plus sûr que j’étais en voiture ce qui est moins altier mais plus rapide. Quand
soudain, semblant crever le ciel et venant de nulle
part (où il aurait mieux fait de rester au demeurant),
surgit non pas un aigle noir (je vous rappelle qu’on
est là en contexte urbain et que les aigles n’habitent
pas au quatrième sans ascenseur même si ce serait
plus pratique pour eux que pour un octogénaire,
comme quoi la nature est mal faite) mais une
camionnette de type… heu… de type grosse voiture,
à l’arrêt au milieu de la chaussée étroite dont elle
bouchait bien évidemment le passage alors même
que cinq mètres devant elle, trônait comme un présent divin ignoré par le rustre laïcard et incroyant,
une place de parking désespérément vide. De ce
véhicule aussi imposant qu’immobile sortit soudainement un individu à l’air de jovial bourrin épanoui
que la nature avait doté préventivement à ses
méfaits à venir d’un faciès simiesque de pithécanthrope urbain et d’une plaque d’immatriculation
numéro AQ-669-PD ce qui ne devait pas manquer de
susciter des sarcasmes raffinés parmi ses collègues
du BTP. N’écoutant que mon courage et mes leçons
de maintien, je lui fis alors courtoisement remarquer qu’il bloquait ce faisant la circulation de la
venelle et que moi et mes semblables me suivant ne
pourraient sans doute pas vaquer à leurs occupations (mais qu’est-ce que j’allais donc foutre là ? Je
m’en souviens pas du tout, ça commence à m’inquiéter…). Ce à quoi l’aimable rustaud me rétorqua : “Je
travaille, moi !”
“Je travaille, MOI”… Nonobstant le fait que l’accent
mis sur le “moi” dénie à toute autre personne l’accès à cet éden incontournable qu’est le monde du
travail, cette phrase suffisamment courte pour être
mémorisable par un anthropoïde du bâtiment donne
à celui qui la prononce le droit d’emmerder le reste
de l’univers connu, voire les dimensions parallèles
qui auraient souhaité emprunter le même chemin
que moi, on ne sait jamais, faut se méfier de la physique quantique. “Je travaille, moi”, c’est le viatique
indispensable plaçant son détenteur au dessus de
la triste condition de celui qui ne travaille pas, c’est
à dire vous et moi (surtout vous d’ailleurs, puisque
vous avez suffisamment de temps libre pour lire cet
article). “Je travaille, moi”, c’est une manière de dire
que l’on existe suffisamment pour emmerder les
autres, le principe même de toute activité économique étant de pourrir la vie des autres. Et
d’ailleurs… en l’occurrence, mis à part le fait que le
travail divise les gens en deux catégories (ceux qui
n’en ont pas et qui en cherchent, et ceux qui en ont
et qui en ont marre) on peut s’interroger sur le bonheur qu’il y a à travailler dans un pays où soit on ne
bosse pas assez pour que la France se redresse, soit
on bosse trop et on contribue par son incessante
activité à accélérer le réchauffement climatique.
La plupart des emplois ne correspondent d’ailleurs
à rien de réellement important, et encore moins
d’utile. De plus en plus, quand on demande à cer-
par Jean Luc Elu
ard
tains ce qu’ils font dans la vie, ils prennent un air
pénétré et commencent par un édifiant : “C’est difficile à expliquer…”. Si c’est difficile à expliquer, c’est
que ça ne sert à rien. J’écoutais récemment dans un
bar la conversation de trois individus dont l’aspect
se partageait entre l’élégante et soyeuse cravate
indiquant de sa flèche descendante l’endroit même
que cet insigne du pouvoir permet de satisfaire, et
l’aspect faussement négligé de la barbe soigneusement entretenue qui accompagne la chemise à
carreaux. Ils avaient visiblement une fonction de
l’ordre du management consulting dans l’outplacement du back office dont le sens du corporate les
conduisait inévitablement vers un burnout pas trop
bon pour leur personnal branding à moins qu’ils ne
sachent switcher sans être outdaté. Bref, trois crétins satisfaits qui parlaient boulot. Sauf qu’au bout
de dix minutes à les espionner, je n’avais toujours
pas compris quel pouvait bien être ce boulot. Le
pire, c’est que je ne suis pas certain qu’ils l’aient su
eux-mêmes. Car de plus en plus, le travail ne
consiste qu’à effectuer une tâche dont tout le
monde se fout et dont on ne comprend pas soimême la finalité si ce n’est qu’il faut l’accomplir
dans les temps et en faisant savoir avec quel brio
on est venu à bout de cette montagne d’inutilité. On
peut alors se garer où on veut en clamant : “Je travaille, moi”. Au moins, en bloquant la circulation, on
a une idée claire de ce en quoi consiste ce travail :
i
emmerder les autres.
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